Univers Marvel & autres Comics

Jericho : la suite en comics

2012-01-31T18:28:00.003+01:00

Un petit détour par la VO aujourd'hui avec la troisième saison, en comics, de la série Jericho.

Après les plus grands attentats terroristes de l'Histoire, rayant de la carte, à l'aide de bombes nucléaires, 23 des plus grandes villes des Etats-Unis, la petite ville de Jericho, dans le Kansas, et ses habitants sont livrés à eux-mêmes.

Sans électricité, sans approvisionnement en nourriture, sans police, sans gouvernement... la survie commence.

Dans l'urgence, il faudra prendre des décisions parfois difficiles. Le danger, lui, viendra non d'une puissance étrangère hostile mais d'anciens paisibles voisins, aujourd'hui transformés en prédateurs.

Voilà en gros le pitch qui peut résumer le début de Jericho, une série TV plutôt bien fichue (et qui changeait agréablement des sempiternelles enquêtes policières) mais qui ne reçut malheureusement pas un très bon accueil outre-Atlantique. Il fut donc décidé d'en stopper la production alors que la première saison (22 épisodes) s'achevait sur un énorme cliffhanger. Finalement, sous la pression des fans, une seconde et ultime saison (de 7 épisodes seulement) verra le jour afin de donner une conclusion décente aux principales intrigues en cours.

La fin restait cependant suffisamment ouverte pour permettre une suite, cette fois sur papier. Un tpb, regroupant les six chapitres d'un premier arc, intitulé Civil War, est paru l'année dernière. A l'écriture, l'on trouve Dan Shotz et Robert Levine, deux scénaristes qui avaient déjà oeuvré sur les premières saisons télévisées, ainsi que Jason M. Burns. Les dessins sont assurés par Matt Merhoff et Alejandro F. Giraldo.

Graphiquement, pas de quoi s'enthousiasmer, car même si les personnages sont facilement reconnaissables, les décors restent souvent simplistes, les scènes d'action quelque peu figées et les postures parfois maladroites. Niveau récit, après un bref rappel des faits (uniquement les grandes lignes, ce sera nettement insuffisant si vous n'avez pas suivi le début), l'on reprend les choses là où l'on en était resté, c'est à dire à la veille d'une guerre civile.

Toutefois, contrairement au titre de l'arc, il est plus question de préparatifs et de complots en tout sens que de la guerre proprement dite. L'on en apprend notamment beaucoup plus sur John Smith, le type à l'origine des attentats, et sur ses motivations. L'explication concernant toute l'opération reste tout de même un peu faiblarde. Bien entendu le tandem Jake/Hawkins est toujours de corvée, ils réussissent là encore l'impossible, même l'extraction, en territoire ennemi et à eux seuls, d'une cible détenue dans une prison de haute sécurité...

Le plus grand changement concerne le glissement progressif (déjà perceptible dans la saison 2) d'un pur récit survivaliste vers une logique d'affrontement à plus grande échelle et la politique fiction. L'ambiance en est radicalement changée. Jericho n'est plus coupée du monde et les opérations militaires et l'espionnage remplacent la tension permanente qu'avait instaurée l'effondrement de la normalité.

L'on a bien encore des nouvelles de New Bern et de son chef, Constantino, mais la menace n'est évidemment plus de la même envergure.

C'est sans doute cette radicale évolution (précipitée il est vrai par le peu de succès de la série et la nécessité de boucler l'histoire au plus vite) qui nuit le plus à cette suite. En devenant un récit de guerre, les enjeux ne sont évidemment plus les mêmes, la gestion de la ville devient totalement secondaire (alors qu'une simple querelle de voisins pouvait auparavant dégénérer de la pire manière) et la profondeur psychologique de certains personnages passe à la trappe. Exit aussi les thèmes qui étaient fondamentaux et au coeur de Jericho : "comment survivre sans les moyens de support classiques ?" devient "comment faire tomber un gouvernement véreux ?", ce qui n'est tout de même pas du tout la même chose.

L'excellente idée de départ, au potentiel aussi riche qu'un The Walking Dead (le comic), n'a pas tenu la longueur et le titre s'est transformé en sous-V (la série TV, la deuxième en plus). C'est dire le grand écart.

Un début de troisième saison décevant, qui attirera surtout les fans les plus curieux (et les plus riches, le tpb étant temporairement en rupture de stock, un vendeur le propose d'occasion à 863,84 euros sur Amazon... le plus drôle : il faut ajouter 2,99 euros de frais de port).

Teenage Mutant Ninja Turtles

2012-01-27T15:50:00.001+01:00

Un coup d'oeil sur la nouvelle série consacrée aux Tortues Ninja, récemment sortie chez Soleil.

Leonardo, Donatello, Michelangelo et Raphael ne seraient que de très banales tortues si elles ne s'étaient pas, bien involontairement, retrouvées dans une société menant des recherches pour mettre au point un puissant mutagène destiné à décupler les capacités de combat des soldats.

Lors d'un cambriolage qui tourne mal, les tortues, ainsi que Splinter, un rat, rentrent en contact avec le produit. Les voilà maintenant doués de la parole et lâchés dans la nature.

Sous la direction de Splinter, transformé en senseï, les tortues vont apprendre les arts martiaux et tenter de retrouver Raphael, leur frère disparu. Une tâche rendue plus difficile encore par la présence de Old Hob, un chat vicelard et muté lui aussi, et de ses sbires...

L'aventure des Tortues Ninja commence dans les années 80 avec en fait un comic parodiant... Daredevil. Les tortues étaient en effet censées subir leur mutation à cause d'un produit radioactif s'écoulant dans les égouts et provenant du fameux camion qui croisa la route du jeune Matt Murdock et lui donna ses pouvoirs. Le ton était alors plutôt musclé. C'est cependant avec le dessin animé, destiné à un public bien plus jeune, que le petit groupe va réellement gagner en popularité.

Depuis, les aventures en comics, plus violentes, plus sombres aussi que le DA, ont continué. Certaines sont notamment parues en VF chez Wetta, un excellent petit éditeur dont on peut trouver les productions sur ce site.

Le relaunch qui nous intéresse aujourd'hui est publié chez Soleil. Le scénario est de Kevin Eastman & Tom Waltz, le dessin du même Eastman et Dan Duncan.

Les dessins, agréables et dynamiques, conviennent assez bien au titre, avec des combats plutôt bien rendus et des tortues fort loin d'avoir un aspect trop gentillet. L'on regrettera cependant quelques cases manquant parfois de finitions.

Le récit, quant à lui, est efficace et intéressant pour peu que l'on n'ait pas de problèmes avec le postulat de départ (ben... des tortues ninja quoi...). Beaucoup de baston, un peu d'humour, un concept simple qui va droit au but. Ce nouveau départ permet de ne laisser aucun lecteur sur le bord de la route et s'avère fun et efficace.

La traduction, malheureusement, n'est pas exempte de quelques fautes et coquilles. Un peu dommage, d'autant que le volume de texte n'est guère conséquent.

Hardcover, papier glacé, 88 planches et une galerie de quatre couvertures, pour 16,95 euros. Un poil cher.

Arts martiaux et bestioles qui parlent, pour petits et grands.

Très sympa si l'on n'a rien contre l'anthropomorphisme.

Watchmen, version Urban Comics

2012-01-25T17:24:00.004+01:00

Urban Comics débarque en librairie avec une nouvelle édition d'un classique : Watchmen. Tout de suite, une comparaison avec les précédentes versions.

Est-il encore nécessaire de vanter les mérites de Watchmen ? Ce chef-d'oeuvre de la littérature est signé Alan Moore et Dave Gibbons. Si réellement vous ignorez tout de ce récit, sachez qu'il commence par une banale enquête sur un "tueur de Masques" et flirte ensuite avec la politique fiction et la métaphysique, le tout dans une ambiance réaliste et désabusée. C'est un peu bref mais vous pouvez toujours jeter un oeil à la version longue, ici.

Urban Comics a décidé, pour son entrée sur la scène comics, de commencer par la collection DC Essentiels et par ce titre on ne peut plus symbolique. Est-ce cependant une bonne idée si peu de temps après les trois versions proposées par Panini ?

Faisons tout d'abord le tour des différentes éditions (en un seul volume, je ne parle donc pas des tomes publiés chez Zenda).

Delcourt, en son temps, avait sorti une intégrale, sans bonus et bénéficiant de l'excellente traduction de Jean-Patrick Manchette. Panini a ensuite ressorti en 2009 trois versions différentes (Big Book, Cult et Absolute, à 15, 30 et 65 euros) avec des bonus pour les versions les plus onéreuses mais, surtout, une nouvelle traduction à la qualité bien moindre.

Attardons-nous un peu sur cet aspect, crucial.

Tout d'abord, il est évidemment normal qu'un texte, traduit par une autre personne, ne soit pas identique au premier. Si dix traducteurs devaient traduire la même oeuvre, chacun en donnerait une version personnelle, tout simplement parce qu'il ne s'agit pas de mot à mot (sinon une machine s'en chargerait très bien) mais d'une adaptation. Cette dernière nécessite de faire des choix, de comprendre parfaitement l'univers de l'auteur, d'avoir d'indéniables qualités littéraires et de rendre le sens du propos plutôt que la forme stricte.

Il ne s'agit donc pas de ronchonner parce que l'on trouve des différences (elles sont normales) mais bien parce qu'il est tout à fait démontrable que certains choix peuvent s'avérer maladroits.

Un exemple évident ; avec Manchette, "Who watches the Watchmen ?" devenait "Qui nous gardera de nos Gardiens", qui devenait, chez Panini, "Qui surveille les Gardiens ?". Non seulement l'on perd l'allitération, donc un travail sur la forme que l'on pouvait rendre très facilement, mais la pauvreté de la dernière phrase, le temps du verbe, la brièveté de l'ensemble font perdre tout le côté dramatique. Dans le premier cas, l'on a un questionnement philosophique, dans l'autre, on a l'impression que l'on demande ce qu'on va bouffer ce soir.

Une autre manière de peser, en bien ou en mal, sur une scène : lorsque, à la fin, le Dr Manhattan s'adresse à Rorschach. Manchette lui fait dire "Tu sais que je ne peux permettre cela.", ce qui devient, dans la version Panini, "Il n'en peut être question". Ici l'on perd toute l'implication personnelle, ce qui pourrait à la rigueur se justifier par la psychologie bien particulière du personnage mais ne convient finalement pas à ce moment, lourd de conséquences.

Certains changements sont plus anecdotiques mais tout aussi irritants. Dès la première page, alors qu'un inspecteur regarde le résultat, sur le bitume, d'un plongeon dans le vide, Manchette lui fait dire "méchante gerbe", ce qui conserve un ton familier et imagé mais s'avère plutôt intemporel. Chez Panini, le même type s'exclamait "vache de valdingue". L'on reconnaîtra l'espèce d'argot de voyous parisiens des années 40 qu'affectionne particulièrement notre amie Coulomb.

Autant vous dire que, vu le volume de texte, la différence est immense à l'arrivée. Fort heureusement, Urban Comics a opté pour la version de Manchette, sans doute imparfaite mais bien plus pertinente et agréable.

Niveau bonus, Urban nous gratifie de plus d'une cinquantaine de pages, et ce en maintenant le prix très abordable de 35 euros. En vrac, l'on pourra trouver une préface de Doug Headline, les postfaces de Moore et Gibbons, des covers, des études de personnages, et, surtout, une masse d'informations et de textes, toujours entrecoupés d'illustrations, venant éclairer le travail des auteurs.

Une partie du matériel présent ici peut faire double-emploi avec l'ouvrage de Gibbons, Watching the Watchmen, mais ce dernier étant plus orienté artbook, l'on aura la bonne surprise de retrouver des pages de script, plus nombreuses, reproduites de manière plus lisibles et, surtout, traduites. Un avantage non négligeable pour les non-anglophones.

Enfin, certaines explications de Moore, très détaillées, permettent d'en apprendre un peu plus sur la vision de ce scénariste si particulier. L'on sait par exemple depuis longtemps que Rorschach est inspiré de la Question, mais Moore en livre ici une définition plus précise qui dévoile aussi bien ses opinions politiques (connues) que ses principes moraux (qui le sont beaucoup moins et le rendent pourtant bien plus sympathique). Entendre Moore dire qu'il peut avoir de l'admiration pour quelqu'un qui défend des idées impopulaires simplement parce qu'il les pense justes laisse à penser que le vieux bougon barbu n'est peut-être pas si obtu et fermé que je le pensais.

Outre les bonus, l'on peut également signaler une autre différence avec les éditions précédentes : la colorisation remasterisée. Vous pouvez voir ci-dessus les versions Delcourt, Panini (Big Book) et Urban. Bien que cela ne soit pas évident sur le petit montage que j'ai effectué, il existe des scènes où l'on peut voir une différence bien nette même entre Delcourt et Panini. Personnellement, je n'ai pas réellement de préférence à ce niveau, même si j'aurais tendance à pencher vers la version Urban qui, en proposant un papier certes de qualité mais non glacé, contribue à rendre les couleurs moins criardes.

Pour un prix raisonnable, voilà une histoire incontournable, des suppléments aussi denses que passionnants et une traduction de qualité.

Sans aucun doute la meilleure version intégrale française disponible à ce jour.

ps : deux autres exemples, ci-dessous, des différences de colorisation apportées par la version Urban Comics.

Fans possessifs et oeuvres remaniées

2012-01-23T19:34:00.015+01:00

Une oeuvre, une fois terminée et livrée à la foule, appartient-elle encore uniquement à son auteur ?

Récemment, dans un article du New York Times, George Lucas a dévoilé son amertume face aux critiques, massives et sévères, des fans de Star Wars envers les modifications qu'il a tenu à apporter à sa saga. Certains internautes vont parfois jusqu'à revendiquer une sorte de "droit d'ingérence", engendré, selon eux, par leur contribution financière au projet ou, plus simplement, leur passion.

Peut-on réellement soutenir le fait qu'un lecteur ou un spectateur puisse avoir un droit de regard, même moral plus que légal, sur une oeuvre dont il n'est en rien l'auteur ?

Tout d'abord, faisons bien la différence entre une critique, qui est (ou se devrait d'être) une analyse de l'oeuvre, et la réaction, plus viscérale, de fans qui n'hésitent pas à parler de "trahison". Dans le premier cas, il s'agit d'un exercice connu, normal, reposant sur une argumentation et permettant de donner un avis, certes subjectif, mais ne revendiquant rien d'autre que le droit au commentaire. Le second cas fait appel à une implication émotionnelle qui ne laisse, parfois, que très peu de place à la logique.

Après tout, c'est bien l'écrivain, ou le réalisateur, qui sait ce qu'il veut, où il souhaite aller, et quels propos tenir. Et si des moyens techniques nouveaux lui permettent d'éclaircir sa vision, il serait dommage de ne pas en profiter. Malheureusement, parfois, certains changements font que l'oeuvre s'en trouve modifiée, légèrement ou en profondeur.

Pour conserver l'exemple de Star Wars, l'une des scènes les plus décriées concerne Han Solo, butant froidement un chasseur de primes dans la version originale (ce qui installe le personnage et en fait un type violent, à la morale douteuse, ce qui permet son évolution par la suite). Dans la version revisitée, Solo ne fait que se défendre, le chasseur de primes lui tirant dessus en premier. Le personnage en est radicalement changé. Là-dessus, tout le monde est d'accord. Reste à déterminer si ce changement est légitime.

L'un des éléments les plus importants à prendre en compte semble être l'évolution de Lucas lui-même. L'on n'est pas tout à fait le même individu à 20 ans qu'à 40 ou 60. L'on n'a pas les mêmes choses à dire, ni forcément les mêmes opinions définitives. Le danger dans un processus de perpétuelle réécriture réside donc dans le fait de se lancer dans une course sans fin, vers une perfection qu'il est impossible d'atteindre. Et pour l'auteur, tout occupé qu'il est à réécrire sans cesse le passé, il est en plus difficile d'apprendre de ses éventuelles erreurs, remplacées par des rustines de circonstance.

Un changement apporté sur la forme (meilleurs effets spéciaux pour un film, correction d'une coquille pour un roman) ne pose aucun problème et s'avère même logique. Le remaniement du fond, suivant les désirs du moment, reste, lui, plus litigieux.

Cela mérite-t-il pour autant un déchaînement de violence verbale, un boycott ou un vague mépris ? Pas sûr. Et dans les droits des auteurs, l'on va vite à oublier qu'il existe aussi celui de se tromper. Voire même d'être égoïste.

Prenons un autre exemple, Tintin.

Hergé n'a pas souhaité que son personnage continue à évoluer sans lui, ce qui, quand j'étais enfant, m'a franchement peiné tant j'étais un inconditionnel du reporter. Je n'ai compris que bien plus tard que, d'une part, c'était son droit le plus strict, et, d'autre part, que certains personnages ne pouvaient pas réellement survivre à leurs auteurs. Depuis, malheureusement, une certaine fondation, devenue "Studios", gère l'oeuvre. Non forcément pour en préserver la dignité, car sinon Tintin ne se retrouverait pas sur le moindre pot de moutarde ou paquet de céréales (et des sites de passionnés ne se verraient pas fermés suite à des mises en demeure), mais pour veiller à ce que chaque utilisateur d'une image presque passée dans l'inconscient collectif puisse s'acquitter de sa contribution financière.

Légalement, tout va pour le mieux. Mais dans ce cas, la morale, elle, passera après le pognon.

Il existe fort heureusement des contre-exemples qui permettent aux fans désintéressés de garder espoir. Alexandre Astier par exemple, qui pourrait très largement se faire beaucoup plus d'argent en acceptant tout et n'importe quoi, veille à ce que les différents projets dérivés de Kaamelott servent son récit et aient un véritable intérêt intrinsèque (c'est le cas, notamment, pour les BD).

Malgré tout, même un auteur aussi intègre et talentueux qu'Astier subit, sur le net, des critiques aussi infondées qu'exagérées. A une époque, certains lui ont reproché le délai entre la cinquième et la sixième saison de la série, et ce en oubliant un peu vite que seul le diffuseur, en l'occurrence M6, est maître de leur programmation. Encore récemment, beaucoup s'impatientent et trépignent en attendant la suite au cinéma (qui, il est vrai, n'est pas pour demain !). D'autres encore ont pu reprocher, au moins du bout des lèvres, l'orientation plus sombre de la saison 5 ou les lenteurs de la saison 6. Un peu comme s'il fallait se conformer à une charte tacite qui prendrait en compte les desiderata les plus divers et leurs contraires.

Il faut se rendre à l'évidence, plus une oeuvre est appréciée, plus elle génère des sentiments extrêmes. Et, on le sait bien, l'amour peut très vite se transformer en haine, surtout lorsque l'on a l'impression d'avoir été "trahi".

Il s'agit bien de cela. D'un amour et, parfois, d'un amour déçu. Un sentiment si fort que l'on a l'impression que, non pas une personne dans ce cas, mais une oeuvre nous appartient. Une oeuvre que l'on vénère, que l'on connaît par coeur, dont on a, chez soi, de nombreux symboles (il y aurait beaucoup à dire sur la puissance totémique des figurines), et que l'on considère comme un élément essentiel de notre culture, voire de notre vie.

Dans Princess Bride, de Rob Reiner, l'on peut entendre cette réplique : "Aimer, c'est souffrir. Si quelqu'un te dit l'inverse, c'est qu'il essaie de te vendre quelque chose."

Rien n'est plus vrai.

C'est vrai en ce qui concerne les gens, c'est vrai aussi pour certains romans, comics ou films. L'on ne peut souffrir devant One More Day que parce que l'on a aimé Spider-Man et son évolution, gâchée. Et quand certains ont ronchonné à l'arrivée d'un Bayley , c'est parce qu'ils avaient, pendant très longtemps, apprécié la voix, mélodique, envoûtante et symbolique de Maiden, d'un Dickinson.

Eh bien oui, aimer c'est s'en prendre plein la gueule, des deux côtés, et sans que cela soit mérité. Il est compréhensible que Lucas soit meurtri. Il n'a trahi personne. Mais il est, sinon excusable, du moins également compréhensible que les fans de son oeuvre soient aussi véhéments.

La seule consolation, pour ces auteurs vilipendés après avoir été portés aux nues, réside dans le fait que l'exagération de la réaction provient de l'intensité de la passion qu'ils ont suscitée.

Alors ont-ils le droit de triturer leurs créations ? Oui, bien entendu. Mais qu'ils ne s'étonnent pas de la réaction de fans emportés par le sentiment violent du moment. Une fois qu'une oeuvre est lue, ou vue, si elle suscite une adhésion, alors elle engendre également des comportements qui échappent à toute logique.

Parce que ce qui relie Tintin, Kaamelott, Batman ou Star Wars aux fans, ce n'est rien d'autre qu'un peu de papier ou de pellicule et... beaucoup d'amour. De l'amour instable, certes, mais vu qu'il n'en existe pas d'éternel, c'est encore le meilleur que l'on puisse éprouver.

Boxer Boxer : bienvenue dans le monde réel

2012-01-21T09:22:00.000+01:00

Retour de la rubrique De l'autre côté des Planches avec une web-série intitulée Boxer Boxer.

Joseph Cormac, meilleur vendeur du Mondial Moquette de Bagneux, et Stanislas Doude, employé de péage, se retrouvent lors d'une réunion d'anciens élèves où ils se prennent une cuite monumentale.

Le lendemain, le réveil est difficile.

Stan est habillé en gendarme, Joseph a du sang sur les mains, il y a un flingue dans les Miel Pops et les deux ahuris ont des inscriptions énigmatiques partout sur le corps.

Ils ne se souviennent de rien à part d'une chose : une fille en rouge qu'ils ont assassinée !

Ensemble, ils vont peu à peu reconstituer le fil des évènements et découvrir ce qu'ils ont réellement fait la veille...

Les séries les plus originales ne sont pas forcément à la télévision, on en trouve aussi sur le net. C'est encore le cas avec Boxer Boxer, réalisée par Xavier Bazoge et écrite par Mathieu Alexandre, Manuel Le Gourrierec, Vincent Steinebach et le réalisateur déjà cité.

L'équipe s'en sort franchement bien avec ce récit aux influences diverses et plutôt sympathiques. Un fond de Very Bad Trip, une pincée de Memento, des flashbacks qui ont un petit goût de Eyes Wide Shut, le tout mélangé de manière bien déjantée et l'on obtient les neuf premiers épisodes qui sont déjà en ligne (sur ce site).

Cette comédie, un brin flippante, est non seulement souvent efficace (les dialogues sont excellents) mais la réalisation est également tout à fait honorable, avec même quelques effets pas dégueulasses qui témoignent du soin apporté à l'ensemble. Tout cela est donc drôle, sans temps mort (les répliques sont assénées comme des coups de poing) et parsemé d'ingénieuses trouvailles, jusque dans la façon de résumer l'épisode précédent.

Bref, l'occasion de passer un bon moment et de plonger dans l'univers de cette bande d'allumés franchement doués.

Si en plus vous avez buté quelqu'un et que vous n'êtes pas trop pressé, vous apprendrez un ou deux moyens de faire disparaître (assez lentement) un corps. Pas sûr que la police scientifique ait déjà pensé à ces techniques. Et, cerise sur le gâteau, vous connaîtrez également la meilleure façon de montrer son respect à autrui dans la culture sumérienne (oui, c'est quasiment culturel, Arte est déjà sur le coup à ce qu'il parait).

Un flingue et un peu d'alcool peuvent mener à tout, même à une série atypique et totalement addictive.

En plus y'a des ninja. Si avec ça vous n'avez pas envie de jeter un oeil...

Marvel Select : House of M

2012-01-18T16:42:00.001+01:00

Sortie aujourd'hui de la saga House of M dans la collection Marvel Select.

Voilà une publication attendue qui vient enrichir l'un des trois nouveaux labels, en l'occurrence Marvel Select, créés par Panini pour ses rééditions à petits prix (cf cette chronique).

Pour ceux qui ne connaîtraient pas encore l'histoire, il s'agit d'une réalité alternative, créée par Wanda Maximoff alias la Sorcière Rouge, dans laquelle les mutants dominent le monde. Le destin de nombreux héros en a été changé et, certains, découvrant peu à peu que quelque chose cloche dans leur vie, vont tenter de ramener la situation à la normale.

Le scénario est écrit par Brian Michael Bendis, les dessins, magnifiques, sont de Olivier Coipel.

Ce récit est vivement conseillé, non seulement parce qu'il a d'importantes - et durables - conséquences sur le marvelverse mais également parce qu'il est tout simplement très bon. Ces huit épisodes avaient bien entendu été tout d'abord publiés en kiosque avant d'être réédités dans un Deluxe bien maigre et peu satisfaisant.

Voyons donc cette version "économique". Tout d'abord, loin d'être cheap, les planches bénéficient d'un papier glacé du plus bel effet. Outre la saga proprement dite l'on retrouve également une galerie de covers (de 20 pages tout de même) mais aussi le The Pulse : House of M Special qui est en fait une sorte de compilation d'articles de journaux (un peu dans le genre du Daily Buggle Special Edition que l'on retrouvait dans le coffret Civil War).

Là encore 20 pages, au texte dense et aux nombreuses illustrations. L'on y trouve, en vrac, de fausses pubs, des potins mondains, des faits divers, des articles scientifiques ou d'autres s'intéressant à la diplomatie, bref, un contenu sympathique et original permettant d'enrichir et de rendre plus tangible la toile de fond de HoM.

Non seulement ce Select est largement moins onéreux que le Deluxe consacré au même sujet mais, en plus, il contient des bonus plus nombreux et plus pertinents. Pour une quinzaine d'euros, difficile d'exiger plus. Ceux qui ont fait l'impasse sur cette histoire peuvent donc se ruer dessus les yeux fermés, ils en auront pour leur argent !

Bien entendu, la taille n'est pas identique à celle d'un Deluxe mais le format standard utilisé ici reste de toute façon bien plus agréable à manipuler, d'autant que l'on ne sera pas obligé de supporter l'énervante et fragile jaquette faisant office de cache-misère pour les Deluxe (aux hardcovers non illustrées).

Si Panini poursuit en maintenant ce cap qualitatif, voilà un très bon moyen, pour les nouveaux lecteurs, de se constituer une belle collection de récits incontournables sans pour autant se ruiner.

Une excellent histoire, à bas prix et accompagnée de suppléments intéressants.

Parfait.

Crossed : Valeurs Familiales

2012-01-16T16:55:00.001+01:00

Suite, dans quelques jours, de la série Crossed avec à sa tête une nouvelle équipe créative.

La famille Pratt, dirigée d'une main de fer par un patriarche dévot et pervers, vit de l'élevage de chevaux. Malheureusement, après l'épidémie et les violences qui en découlent, les Pratt doivent abandonner leur ranch et tentent de survivre dans un monde devenu terriblement hostile.

Ils s'installent bientôt dans un coin reculé du Montana qu'ils baptisent "Nouvel Eden". C'est dans ce lieu que le chef de famille pense repeupler le monde, quitte à le faire lui-même et à mettre ses propres filles à contribution...

Addy, l'ainée des filles, va être la seule à s'opposer à son monstre de père. Car en plus des contaminés, elle va devoir combattre l'horreur qui ronge, depuis des années, sa propre famille.

Ennis passe donc la main pour la suite de Crossed (cf tomes #1 et #2). Ce sont David Lapham, au scénario, et Javier Barreno, au dessin, qui sont aux commandes de cette deuxième saison qui s'intéresse à de nouveaux personnages. Le style graphique est assez semblable à celui de Burrows, quelques maladresses au niveau des proportions en plus. L'histoire reste extrêmement violente, peut-être plus encore que les premiers opus.

On connaissait de Lapham une relecture de la période catcheur de Spider-Man ou encore l'intéressant Silverfish chez Vertigo, mais ce qui se rapproche le plus de ce récit est probablement Terror Inc., un titre qui faisait déjà dans le gore (à un bien plus faible niveau cependant). Ici l'auteur va très loin et ne nous épargne rien : tortures, viols, scènes scatologiques, ondinisme, et j'en passe. Certaines planches sont vraiment à la limite du soutenable et donnent la nausée (notamment lors de l'arrivée des contaminés dans une maternité). De plus, la famille Pratt n'étant pas spécialement un modèle, il n'y a pour ainsi dire jamais de baisse de tension ou de moments d'accalmie.

L'éditeur ne prend pas les lecteurs par surprise puisqu'il a fait figurer sur l'ouvrage un autocollant, quelque peu ironique, en guise d'avertissement. Le comic est ainsi défini comme "violent, amoral et profondément malsain", ce qu'il est assurément.

Difficile de trouver la moindre trace d'espoir dans ce carnage épouvantable. Quant à l'intérêt, il est bien léger également. En effet, si Ennis contrebalançait la noirceur du propos par une réelle maîtrise de l'humour noir, une réflexion et même quelques moments très forts émotionnellement, il n'y a ici rien de tout cela. Or, le gore trouve rapidement ses limites, même lorsque l'on tente le pari, risqué, de la surenchère.

La série n'est tout simplement pas conçue au départ pour durer, pas en tout cas sans accompagner la violence d'autres ingrédients qui permettent de donner un sens à ce qui n'est, sinon, qu'une longue et désagréable boucherie. Ennis est passé maître dans cet art, Lapham, lui, se contente d'imiter la forme. Le résultat est en apparence seulement identique et vire au catalogue de saloperies, indigeste et repoussant.

Pour amateur de trash.

A ne surtout pas mettre entre toutes les mains.

Sortie : 20 janvier 2012

Daredevil : Reborn (again ?)

2012-01-12T18:55:00.000+01:00

Sortie hier, en librairie, de la mini-série Daredevil : Reborn qui marque le début d'un gros changement éditorial pour le diable de Hell's Kitchen.

Une page se tourne pour Matt Murdock avec plusieurs évolutions éditoriales importantes qui se profilent. En plus du changement d'équipe créative (Mark Waid, au scénario, et Paolo Rivera & Marcos Martin au dessin) qui marque le lancement de la troisième série Daredevil, Panini va dorénavant publier les aventures du Diable Rouge en kiosque (dans une nouvelle revue dans laquelle il côtoiera le Punisher et Ghost Rider).

En attendant ce petit bouleversement, la saga du jour, Reborn, fait un peu office de transition. Elle est écrite par Andy Diggle (The Losers) et dessinée par Davide Gianfelice.

Graphiquement, l'on a droit à de jolies planches, plutôt lumineuses, qui tranchent avec l'ambiance sombre qui caractérisait la série depuis plusieurs années. Au niveau du récit, là encore l'on assiste à une rupture puisque Murdock quitte New York pour s'offrir une petite balade dans le désert avant d'aboutir à un bled paumé.

Là, il convient de revenir un peu sur les derniers travaux de Diggle sur le titre. Shadowland n'a pas forcément laissé que de bons souvenirs, à cause d'un fort sentiment de déjà-vu mais aussi par certains côtés peu vraisemblables. Rien de bien folichon en résumé. Et malheureusement, Diggle poursuit un peu sur la même ligne.

Ce récit peut faire vaguement penser à la célèbre saga Born Again par son titre mais, surtout, il est presque la copie conforme (au moins dans la thématique et l'ouverture) d'un autre épisode écrit par Miller : Terre Maudite (que l'on peut retrouver dans cet Omnibus).

Les similitudes sont très nombreuses : Murdock arrive, à pied (ce qui est loin d'être innocent symboliquement), dans un coin paumé. Il se frotte à de petites frappes locales dans un bar. Il a des ennuis avec les autorités, qui lui conseillent d'ailleurs dans les deux cas de décamper. La petite communauté subit la violence et la corruption des forces de l'ordre. Ceux qui s'élèvent contre cet état de fait subissent le pire des sorts. Daredevil agit dans un cadre inhabituel, il ne porte d'ailleurs jamais son costume traditionnel, etc.

A ce stade, mieux vaut parler d'hommage que de manque d'inspiration. Pourtant Diggle, malgré un point de départ qui aurait pu constituer une bouffée d'air frais, n'apporte rien de marquant ou nouveau. L'auteur en reste à une banale histoire de trafic d'armes et de drogue et nous rejoue, assez maladroitement (ou en tout cas sans beaucoup d'émotion) la bien connue partition de l'introspection et des fantômes venant hanter ce pauvre Matt.

Difficile de réellement se passionner pour ces quatre épisodes sans originalité présentant une renaissance convenue et fade.

Espérons que le nouveau départ, à l'occasion du retour de la série en kiosque, apporte une réelle nouveauté qui ne se limite pas au simple changement de noms sur les covers.

Une quête de rédemption au rabais, accompagnée d'une intrigue light.

Sans intérêt.

Avant-Première : Locke & Key, tome #3

2012-01-10T17:46:00.001+01:00

Une chronique consacrée à La Couronne des Ombres, le nouvel opus de Locke & Key dont la sortie est prévue dans une dizaine de jours.

A Lovecraft, alors que leur mère sombre peu à peu dans la dépression et l'alcoolisme, Tyler, Kinsey et Bode tentent de se remettre des derniers évènements violents qu'ils ont vécus.

Kinsey, qui grâce à la Clef de Tête ne connait plus la peur, s'en sort apparemment mieux, mais sa nouvelle témérité va rapidement la conduire à se mettre en danger et à entraîner avec elle ses nouveaux amis.

La famille Locke en apprend toujours un peu plus sur les mystères entourant Keyhouse. Bode notamment met la main sur de nouvelles clés aux propriétés toujours aussi inattendues. C'est grâce à l'une d'elles que Tyler va tenter de repousser un terrible assaut contre la maison.

Visiblement, la puissance des clés n'a pas fini d'attiser la convoitise des âmes les plus noires...

Encore un nouvel arc magnifiquement écrit par Joe Hill et tout aussi bien dessiné par Gabriel Rodriguez. Le tandem est tout simplement en passe de créer l'un des comics les plus exceptionnels de ces dernières années.

Les qualités des tomes précédents (cf tome #1 et #2) ne se démentent pas, bien au contraire, la série gagne encore en suspens et en richesse.

Les dialogues et le découpage sont maitrisés à la perfection et ce dans la plupart des scènes. La petite expédition de Kinsey et ses amis dans la base navale est à elle seule un monument de savoir-faire. En quelques planches seulement, tension, humour et émotion alternent le plus naturellement du monde.

Dans un autre registre, l'autodestruction de Nina est aussi terrible et sans concession que brillamment décrite. Plus que toutes les saloperies qui leur sont tombées dessus, c'est sans doute l'attitude de leur mère - et les mots qu'elle emploie parfois, poussée par le désespoir - qui reste le plus difficile à affronter pour les enfants Locke. Hill démontre ainsi qu'il manipule aussi bien le matériau humain que le fantastique.

Quant à Rodriguez, il s'offre ici un moment de bravoure, avec une série de pleines pages, sans texte, assez impressionnante, mais il s'avère tout aussi habile pour faire passer de nombreuses nuances dans les yeux de ses personnages ou bâtir des décors réalistes et fort agréables à l'oeil.

L'artiste a su imprégner la série d'un style personnel qui permet d'intensifier encore les frissons, les larmes et les sourires, aussi amers soient-ils.

Ce volume comporte une introduction de Brian K. Vaughan ainsi que des extraits du journal de Benjamin Locke qui permettent de présenter les clés connues (pas loin d'une dizaine maintenant) et leurs effets. Une petite galerie d'illustration clôture le tout.

Un seul bémol : l'éditeur aurait pu prévoir un petit résumé des chapitres précédents afin de permettre aux lecteurs de se remettre plus facilement dans le bain.

Un pur chef-d'oeuvre, sombre, subtil et terriblement efficace.
Sortie : 20 janvier 2012

Sur les traces de Bendis

2012-01-08T17:17:00.001+01:00

Le point sur la carrière et les oeuvres marquantes de l'un des scénaristes phare du marvelverse, Brian Michael Bendis.

En quelques années, Bendis s'est imposé dans le monde des comics comme l'un des auteurs incontournables. Particulièrement productif, passé maître dans l'art du dialogue, ses détracteurs lui reprochent une tendance à "délayer" ses histoires. Comme tout écrivain, il a ses coups de génie et ses périodes plus creuses, mais limiter son apport à la bande dessinée en le caricaturant comme simplement bavard et étirant en longueur ses récits semble très réducteur, surtout au regard de son oeuvre.

Bendis commence sa carrière non pas en tant que scénariste mais comme dessinateur dans des journaux locaux ou magazines pour lesquels il effectuera diverses illustrations, notamment des caricatures (ce côté plus fantaisiste de sa personnalité peut se retrouver notamment dans Total Sell Out, malheureusement inédit en VF). C'est tout d'abord chez Caliber Comics, puis Image, qu'il va se faire connaître en tant qu'auteur de polars.

Si Goldfish semble souffrir de quelques défauts mineurs malgré une réelle maîtrise, d'autres oeuvres, comme Torso, démontrent l'étendue du talent du bonhomme. Ce dernier récit puise aux sources du roman noir et présente la particularité de se référer à des évènements historiques et à l'une des premières affaires de crimes en série.

C'est un peu dans la même lignée que Sam & Twitch, spin-off de la série Spawn, va s'inscrire, Bendis déplaçant sa thématique policière et sombre dans un univers fantastique et super-héroïque, un procédé qui fera d'ailleurs partie de sa marque de fabrique et se retrouvera notamment dans Powers, une série d'une exceptionnelle maturité, dont les personnages, à la psychologie fouillée et aux failles assumées, contrastent très fortement avec l'aspect cartoony de l'ensemble.

C'est en arrivant chez Marvel que Bendis va se faire connaître d'un plus large public. Son rôle au sein de la Maison des Idées, ces dernières années, est si crucial qu'il deviendra l'un des architectes de cet univers.

L'auteur contribue tout d'abord au lancement - et au succès - de la gamme Ultimate. Sa collaboration, avec Mark Bagley, sur Ultimate Spider-Man, s'avère aussi longue que réussie. Le tandem va revisiter les jeunes années du Tisseur en mélangeant humour, drame et petites entorses (souvent ingénieuses) à la version classique, que ce soit dans le rôle de certaines protagonistes ou la conclusion de sagas importantes.

C'est cependant sur Daredevil, aux côtés de Alex Maleev, que Bendis signe l'un de ses runs les plus aboutis. Il offre au Diable Rouge une descente aux enfers qui n'est pas s'en rappeler le traitement que, jadis, lui infligea Frank Miller. Il ira même jusqu'à dévoiler sa véritable identité et le livrer ainsi en pâture aux media autant qu'aux criminels.

Toujours dans les apports fondamentaux de Bendis, il faut également signaler la série Alias, l'une des plus réussies de la gamme Max (le label adulte de Marvel). Là encore, le scénariste renoue avec le mélange de genres qui lui réussit tant - polar et super-héroïsme "light" - et met en scène l'un des nouveaux personnages les plus attachants de ces dernières années : Jessica Jones, une ex héroïne devenue détective privée.

Bendis va bien entendu être présent sur les gros events qui secouent régulièrement l'univers Marvel. Il met en oeuvre l'effondrement des Vengeurs et leur renaissance (cf ce Deluxe, comportant la saga Avengers : Disassembled et le début de l'on-going New Avengers), il va écrire House of M, l'une des rares sagas importantes qui a encore des répercussions aujourd'hui, il sera également aux commandes de Secret Invasion ou, encore, signera la fin de la période Dark Reign avec la mini-série Siege.

Son empreinte sur le marvelverse est donc énorme.

Le portrait ne serait néanmoins pas complet si l'on ne mentionnait pas ses quelques ratés. Le relaunch de Ultimate Spider-Man, après Ultimatum, ne tient pas la route en comparaison des excellents premiers arcs de la série. Etrangement, les dialogues semblent même poussifs et désagréablement répétitifs. Un défaut que l'on retrouvera également un temps sur le titre New Avengers, subissant un certain essoufflement. La mini-série consacrée à Spider Woman n'est pas non plus un modèle de réussite. Il faut savoir qu'à l'origine, c'est ce personnage (Jessica Drew) sur lequel Bendis voulait travailler juste avant de créer, presque par dépit, Jessica Jones. Peut-être ses meilleures idées étaient-elles épuisées lorsqu'on lui autorisa enfin à s'emparer du destin de la jolie femme araignée. Pour compléter le tableau, Halo ne s'avère pas non plus très enthousiasmant et souffre de défauts rédhibitoires (personnages fort peu creusés, intrigue plate et obscure) qui sont pourtant à l'opposé de ce que l'auteur a pu démontrer à maintes reprises.

Faut-il y voir une usure prématurée, due à un rythme d'écriture éffréné ? Sans doute en partie. Le fait de devoir gérer de plus en plus de séries en parallèle n'aide évidemment pas au renouvellement et à la sélectivité. Néanmoins, il est probable que bon nombre d'auteurs seraient prêts à endosser ces quelques ratages pour pouvoir revendiquer également la paternité de tant de runs et récits aussi inventifs que brillamment menés. La polémique sur sa tendance à rallonger "la sauce" n'a pas lieu d'être. Soit un récit est bon, et le lecteur n'a aucun intérêt à ce qu'il s'arrête prématurément, soit il ne l'est pas, et même une seule planche est alors de trop.

Même s'il reste bien évidemment faillible, Bendis possède un talent exceptionnel. Il fait partie de ces rares auteurs dont on reconnait tout de suite la patte et qui vous marquent à jamais. Il est de cette caste, précieuse, qui transforme les histoires en contes et parvient à les inscrire durablement dans la mémoire collective. Il est enfin de ceux qui, peu à peu, contre tous les a priori, parviennent à faire de la bande dessinée un art reconnu. Non pas un art mineur, destiné aux enfants et aux niais, comme les media télévisés tentent encore de nous le faire croire, mais un art mature, complexe, aux possibilités infinies, pouvant rivaliser avec le roman ou le cinéma.

Si vous vous intéressez aux comics modernes, il y a peu de chances pour que vous n'ayez jamais lu du Bendis. Et si c'est le cas, je vous envie. Car il vous reste à découvrir de formidables séries.

Avengers : nouvelle revue et catalogue Marvel 2012

2012-01-04T17:02:00.004+01:00

L'année commence par l'arrivée en kiosque d'un nouveau mensuel, Avengers, qui contient également quelques informations sur le programme éditorial de Panini pour les mois à venir.

Après Marvel Icons, Marvel Heroes et Marvel Stars, voici donc une quatrième revue orientée "Heroes" et surfant sur la popularité des Vengeurs (cf cette chronique). Les titres phare, comme Avengers ou New Avengers, étant déjà hébergés dans les publications citées plus haut, il ne faut pas s'attendre à retrouver réellement la mythique équipe mais plutôt des séries dont la thématique est proche.

Tout d'abord, l'on a droit aux premiers numéros de The Mighty Thor et de Captain America, avec respectivement aux commandes Matt Fraction & Olivier Coipel et Ed Brubaker & Steve McNiven. Il est un peu tôt pour juger de l'intérêt de ces récits mais, graphiquement, ils sont en tout cas superbes.

L'on retrouve également les Young Avengers (cf notamment Marvel Heroes hors série #4) dans Avengers : The Children's Crusade, une mini-série prometteuse écrite par Allan Heinberg et dessinée par Jim Cheung. L'arc fait référence aux évènements de House of M et s'intéresse de près à Wiccan, le magicien du groupe, dont on découvre ici la véritable étendue des pouvoirs. Les Vengeurs sont même particulièrement inquiets à l'idée que le jeune homme puisse un jour suivre les pas de Wanda Maximoff...

Un très bon début pour cette histoire bien écrite et servie par des personnages attachants. Après les Runaways ou Avengers Academy, voilà de nouveau une équipe de "jeunes" dont les péripéties semblent plus agréables à suivre que celles des grands anciens.

Enfin, deux courts récits, tirés de I am an Avenger #1 et #4, reviennent sur les Young Avengers (en présentant un peu les membres de l'équipe) et s'attardent également sur la Chose, annonçant aux FF qu'il est maintenant un Vengeur. Plutôt bien fichu, et même un peu émouvant.

Globalement, un contenu sympathique mais qui, malgré le titre trompeur, ne fait que tourner autour des Vengeurs.

Venons-en aux 16 pages supplémentaires dont Panini nous gratifie afin de présenter son catalogue 2012.

Enfin, "catalogue", c'est vite dit, ça parle cinéma la moitié du temps. Visiblement, ils n'ont toujours pas pigé que les adaptations ne parvenaient pas à endiguer la baisse des ventes aux US et qu'elles étaient même, globalement, néfastes (si l'on se préoccupe de qualité en tout cas, cf cet article) pour l'industrie des comics.

Bref, entre les news cinématographiques dont on se fout et un déluge d'autosatisfaction (en parlant de leurs nouvelles collections : "[...] saluée par les professionnels et acclamée par les lecteurs" ou encore "[...] a suscité l'enthousiasme des professionnels et des fans"), l'on déniche tout de même quelques infos.

Tout d'abord, un Omnibus de plus de 800 pages devrait voir le jour et être consacré aux épisodes de The Amazing Spider-Man réalisés par Todd McFarlane. Une initiative plutôt sympathique même si les Omnibus ne sont pas franchement accessibles à toutes les bourses.

En Best Of, pas mal de sagas consacrées aux Vengeurs, dont un West Coast Avengers.

En 100% Marvel, la suite de Moon Knight est annoncée, avec cette fois Bendis et Maleev aux commandes. Loki fera également son entrée dans la collection.

Pour le reste, il s'agit essentiellement de continuer ce qui existe déjà, donc des Marvel Monster servant aux tie-ins des grands events et des poids lourds qui continuent leur carrière en Deluxe.

Il y a quand même un truc que je ne m'explique pas... les différents labels Panini constituent déjà une usine à gaz (cf la partie librairie du Guide de Lecture) et non seulement l'éditeur en rajoute pas moins de trois, mais ils semblent en plus très proches. Marvel Gold, Marvel Select et Best Comics sont décrits, respectivement, comme "de l'or à petit prix", "du luxe mais pas cher" et "le meilleur des comics à petit prix". Ce n'est pas trois fois la même chose ? Bon, dans les faits, il y a de petites différences (Gold recycle du Best Of, Select du Deluxe et Best est plus généraliste), m'enfin, tout de même, il y avait besoin de séparer ça en trois domaines distincts ?

Mieux encore, Marvel Gold est présenté comme une collection permettant des "rééditions d'ouvrages cultes devenus introuvables", je cite mot pour mot. Or, dans ce qu'il est prévu dès le départ l'on retrouve... La Dernière Chasse de Kraven ! Non seulement cette saga est toujours disponible, en neuf, en Best Of (sur Amazon par exemple), mais, en plus, elle a déjà été rééditée dans les Incontournables (tome #3 de la série consacrée à Spider-Man) qui était déjà une collection à bas prix (moins de 9 euros).

Donc, encore une fois, ça ne les dérange pas d'annoncer une ligne éditoriale et de la démentir immédiatement par les faits, sur la même page ! (mais bon, c'est un peu comme les Deluxe, dont les covers nous promettaient une foule de bonus inexistants, et que Panini a ensuite décrété comme n'ayant jamais été destinés à en contenir...)

Vous l'aurez compris, les années passent, Panini reste Panini.

Mis à part ça, cet Avengers #1 n'est pas sans qualités mais la dispersion des séries Avengers n'est pas pour simplifier la tâche des lecteurs (surtout ceux que Panini aime tant et qui sont censés se ruer sur les comics juste après être sortis du cinéma). Bien entendu l'on comprend aisément l'intérêt de faire acheter quatre revues au lieu d'une. L'amour des cinéphiles a ses limites. ;o)

Univers Marvel & autres Comics : Septième Saison

2012-01-02T19:12:00.004+01:00

Ce premier article de janvier me permet de vous souhaiter à tous une bonne et heureuse année 2012. Puisse-t-elle vous apporter bonheur, santé et prospérité !

Vous remarquerez qu'avec toutes ces conneries de prophéties, de calendrier maya et de fin du monde programmée, on a tout de même un petit stress en mettant les pieds dans cette nouvelle année. D'autant que "fin du monde", c'est vague. Entre la météorite que l'on se prend sur le coin du Groenland, le virus qui nous décime tous en deux semaines ou une troisième guerre mondiale, avec joyeusetés nucléaires, on ne sait pas trop finalement s'il faut simplement racheter les stocks de masques contre la grippe, se construire un abri souterrain ou très vite contacter Cetelem, Financo et Cofinoga pour s'en payer une bonne tranche avant le grand rush final...

Heureusement, l'on peut aussi interpréter les choses et voir en 2012 une possible fin "d'un monde", et non pas du monde. Auquel cas, il convient de ne pas prendre trop de crédits si l'on veut éviter de se retrouver en slibard dans une tente Quechua lorsqu'il s'agira d'aborder 2013.

Ah tiens, vous avez vu ? Dans "2013", il y a 13, du coup, l'on connaît déjà la thématique des programmes télévisés l'année prochaine : "2013, année maudite ?", "le 13 est-il dangereux ou bénéfique ?", "les grands évènements survenus un 13 du mois", "comment, comme Michael Vendetta, parvenir à traverser une route sans se faire écraser avec seulement 13 de QI ?", etc.

Mais revenons à notre fin "d'un" monde (c'est marrant comme une apostrophe et une consonne peuvent vous redonner le moral). En finir avec ce monde-ci, ne serait-ce pas une bonne chose ? Il y a tout de même un paquet de trucs, de trucs fondamentaux, qui ne tournent pas rond dans ce monde, non ? Ne serait-ce que ce principe, fou, de croissance exponentielle dans un monde fini, aux ressources limitées. Bon, on ne va pas être trop sérieux non plus, mais par exemple, un monde sans Pierre Dukan, ce ne serait pas plus sympa ? Vous ne savez pas qui est Pierre Dukan ? C'est un médecin nutritionniste qui gagne sa vie en écrivant des bouquins sur les régimes. Bon, pourquoi pas, jusque là, rien de bien méchant. Mais le bonhomme vient de proposer, aux candidats à la présidentielle, une réforme qui a le mérite d'être presque aussi stupide qu'elle est abjecte : donner des points supplémentaires au baccalauréat aux élèves qui parviennent à conserver un indice de masse corporelle entre 18 et 25, de la seconde à la terminale...

Oui, heu, celle-là, il fallait tout de même avoir un certain aplomb pour la sortir sans se déchausser les dents.

Déjà, qu'est-ce que ça vient foutre dans un examen sanctionnant un apprentissage de connaissances ?

Et surtout, tout médecin qu'il est, ce type semble ignorer que l'obésité n'est pas un choix, que c'est une souffrance, et que sanctionner un mal-être relève au mieux de l'idiotie, au pire de la malveillance.

Et pourquoi pas aussi rajouter des points pour ceux qui se brossent régulièrement les dents, qui sont bien coiffés ou qui se mouchent avec élégance ?

Incroyable... et on n'est que le 2 janvier hein. Je ne m'attendais pas à être étonné aussi tôt dans l'année.

Bref, la fin du monde, de ce monde, dans lequel certains s'imaginent que l'on pourrait obtenir un diplôme parce que l'on est en bonne santé ou que l'on correspond à un standard physique, pourquoi pas. ;o)

Venons-en un instant au blog et à la nouvelle saison qui commence. Les habitués l'auront remarqué, le rythme de publication s'est un peu ralenti ces derniers temps. Il faut dire que décembre a été un mois très calme au niveau des sorties comics, mais cela vient aussi du fait que, ayant moins de temps à consacrer au blog, je préfère, plutôt que de multiplier les articles courts, continuer à rédiger des posts que j'espère intéressants, quitte à ce qu'ils soient plus rares.

Dans cette optique, c'est naturellement la librairie qui sera privilégiée (je n'abandonne pas totalement le kiosque pour autant, mais la tendance actuelle, de n'aborder que les évènements importants, s'accentuera sans doute).

Il n'est donc pas question d'abandonner ces chroniques, mais de les faire évoluer vers quelque chose de plus sélectif, tout simplement pour maintenir mon idée personnelle de la qualité. Je n'ai pas la prétention de penser que mes articles sont "bons", je veux simplement ne pas en avoir honte. Les relire et me dire "ok, ça passe, ce n'est pas un truc chié en trois minutes, sans aucun but".

L'année qui vient, à titre personnel, sera certainement chargée et cruciale pour nombre de mes projets. Certains le savent peut-être déjà, j'interviens de temps en temps au sein du magazine Geek, j'ai le plaisir de rédiger des articles pour WEBellipses et de faire partie de cette aventure éditoriale numérique, et, plus récemment, j'ai également commencé à travailler, comme correcteur, pour Urban Comics. Un rêve donc, puisque je peux à la fois transposer (dans un autre format et avec d'autres exigences) mes chroniques sur papier, accompagner les premiers pas d'auteurs français talentueux et participer, même dans l'ombre et de manière très modeste, à des oeuvres cultes (corriger du Batman, ça me va très bien, je serais même content de balayer les rues de Gotham).

Toutefois, l'essentiel ne réside pas, pour moi, dans ces activités.

Je ne me suis jamais considéré comme chroniqueur, critique, journaliste ou correcteur (bien que ces métiers m'intéressent au plus haut point) mais comme conteur. J'ai d'ailleurs publié ma première nouvelle, à quelques mois près, au moment où j'ouvrais ce blog, inconnu et visité à l'époque par quelques amis et deux ou trois dizaines de curieux.

J'espère donc que 2012 me permettra de vous présenter non pas seulement des avis sur le travail des autres, mais aussi mes propres travaux, parmi lesquels une BD parodique sur nos amis super-héros (rassurez-vous, ce n'est pas moi qui dessine) et un roman plongeant des adolescents "surhumains" au coeur d'une intrigue mélangeant drame, uchronie, action, humour et petits clins d'oeil au monde des comics.

Je pense que je publierai les premiers chapitres (du roman) et les premières planches (de la BD) sur le blog afin de recueillir vos avis mais aussi pour vous remercier de votre fidélité, de votre soutien et même, pour deux ou trois, d'avoir été tellement, tellement casse-couilles que vous avez réussi à me motiver même dans les pires moments. ;o)

Voilà, 2012 ne sera peut-être pas un Armageddon - et heureusement étant donné que l'on n'est pas tous toujours aussi cool que Bruce Willis quand il s'agit de balancer une bonne réplique avant de clamser - mais ce sera différent.

Je souhaite que cette différence améliore tout ce qui peut l'être dans vos vies.

Et puis, dites-vous bien que tout a une fin. Une douce après-midi de printemps, passée à flirter avec une jolie fille... un roman dont chaque page nous a fait vibrer... l'enfance, aussi magique que terrifiante... un bon repas avec des amis... et pour cela, il convient de céder à la mélancolie, mais la fin est aussi une délivrance. Les tortures, les peines, les manques, les larmes et la douleur, un jour, s'arrêteront.

Il ne faut pas craindre la fin du monde, le pire serait, je crois, un monde qui jamais ne finit.

Bon, pour le nôtre, on va quand même espérer qu'il tienne encore un temps, c'est qu'on veut les voir, bordel, les vaisseaux, les bagnoles qui volent et la Ferme Célébrités sur Mars !

Bonne année !

Star Wars - La Saga en BD

2011-12-29T17:20:00.001+01:00

Le numéro de janvier de Star Wars - La Saga en BD est déjà disponible en kiosque et bénéficie d'une nouvelle formule que l'on détaille tout de suite.

Pour débuter l'année 2012, le numéro #35 du magazine de Delcourt consacré à l'univers Star Wars s'offre un petit lifting. Voyons déjà un peu le contenu en matière de séries.

Le premier titre proposé est Jedi Quest #1, écrit par Ryder Windham et dessiné par Pop Mhan. L'on retrouve Obi-Wan Kenobi et le jeune Anakin chargés d'escorter un vaisseau et de le protéger des pirates.

C'est Star Wars : The Death of Captain Tarpals qui prend la suite, un court récit complet écrit par Ryder Windham et dessiné par Tom Fowler. Jar Jar Binks en est la vedette et l'ensemble est donc très marqué par sa façon de parler, qui devient vite agaçante (et à lire, c'est encore pire qu'à entendre).

L'on poursuit avec Star Wars - The Old Republic : Threat of Peace. Il s'agit du troisième chapitre d'un arc qui en compte quatre. Le scénario est de Rob Chestney, les dessins de Alex Sanchez. C'est sans doute l'épisode le plus faible graphiquement, les personnages se révélant souvent raides et les décors étant pratiquement inexistants.

Enfin, l'on termine par Star Wars : Blood Ties - A Tale of Jango and Boba Fett #1. Le scénario est de Tom Taylor et les dessins, cette fois superbes, sont l'oeuvre de Chris Scalf.

L'ensemble est plutôt sympathique à lire et, surtout, avec un récit complet et deux débuts d'arcs, la revue fait office de point d'accès relativement aisé.

Au niveau éditorial, l'on retrouve le savoir-faire et le sérieux de Delcourt. On commence par l'édito, un sommaire détaillé et une présentation des artistes ayant réalisé les covers. Un dossier conséquent est consacré à la sortie de Star Wars - épisode #1, en 1999. Une bonne occasion de faire le point sur ce qui fut tout de même un petit évènement à l'époque. Des fiches de personnages sont également présentes (l'une consacrée à Anakin Skywalker, l'autre à Dark Maul). Enfin, deux pages font le point sur l'actualité liée à Star Wars ainsi que sur les futures sorties.

Ajoutons à cela une petite intro explicative avant chaque épisode, plus une frise chronologique permettant de situer toutes les (nombreuses) collections par rapport aux différentes grandes époques de la saga, et l'on a tout de même quelque chose de très complet.

Une petite parenthèse toutefois sur une graphie étrange que l'on retrouve à plusieurs reprises. Il s'agit du fameux "il y a", qui pose toujours problème lorsque l'on veut rendre l'élision (en réalité, il s'agit plus d'une haplologie) du langage parlé. Officiellement, une seule forme est correcte : "y a". Malheureusement, le lecteur peut être tenté de prononcer [ia] (comme dans "y a-t-il un pilote dans l'avion ?") alors que l'on souhaite qu'il prononce [ja] (comme dans "y'a d'la joie"). Du coup, il est courant d'employer alors la forme "y'a", qui est fautive mais a l'avantage de renseigner sur la prononciation.

Or, ici, c'est l'étrange graphie 'y a qui est employée. Avec donc une apostrophe avant le y. Outre le fait que cette forme n'ait rien d'officielle (le dernier Grevisse aborde le sujet en citant en exemple un extrait de Voyage au bout de la nuit, de Céline : "Y a bien des gens qui sont débarqués de cette façon là."), elle s'avère totalement inutile au niveau de l'information véhiculée puisqu'elle marque une disparition que l'on peut constater mais ne permet plus de lier, phonétiquement, le y et le a.

Tant qu'à faire une faute, la forme "y'a" me semble donc plus logique. Et, si l'on s'en tient à la règle stricte, il ne faut mettre d'apostrophe nulle part.

Voilà, c'est un point de détail mais il est suffisamment étrange pour que je prenne le temps de l'évoquer. Bien entendu, cela ne diminue en rien la qualité globale des traductions, assurées par Anne Capuron et Jérôme Wicky.

Une nouvelle formule de qualité, présentant l'avantage de se révéler relativement accessible pour les curieux qui souhaiteraient faire leurs premiers pas dans le fameux univers étendu de Star Wars.

Avant-Première 2012 : Big Crunch

2011-12-27T20:30:00.001+01:00

Première bonne surprise concernant les sorties prévues pour le début de l'année 2012 avec Big Crunch.

Un soir, alors qu'ils rentrent chez eux, trois frères, Oscar, Virgile et Elias, accompagnés de leur amie Bria, font une découverte stupéfiante : leur père est le célèbre Cosmos. Malheureusement, il est gravement blessé et dans le coma. Les enfants vont devoir imaginer un moyen de le soigner sans pour autant révéler son identité. Et la première solution qu'ils mettent en application s'avère plutôt désastreuse...

Pire encore, ils mettent bientôt la main sur du matériel appartenant à leur père et dévoilant la date et le lieu des futurs émergences, ces phénomènes étranges qui, jusqu'ici, ont toujours été contrôlés par Cosmos. En effet, depuis quelques temps, des individus se transforment en monstres déchaînés saccageant tout sur leur passage.

Qui sait ce qui pourrait se passer maintenant que Cosmos est hors d'état d'agir et que la vie de dizaines d'innocents est dorénavant entre les mains d'une bande de gamins ? D'autant que certaines personnes n'acceptent pas que le gouvernement puisse ainsi s'en remettre à un vague super-héros costumé pour contrer ces émergences dont on ne sait rien...

Un esprit très comics et une french touch originale, voilà comment l'on pourrait rapidement résumer Big Crunch, écrit et dessiné par Rémi Gourrierec. Ce premier tome, d'environ 190 planches, est prévu chez Delcourt pour le 15 février prochain, et c'est peu de dire que l'éditeur a mis la main sur une petite merveille.

Le style graphique, presque naïf parfois, se révèle d'une richesse émotionnelle rare, chaque personnage possédant une personnalité bien à lui. Les décors, grâce à des effets déformants, un jeu de contraste ou quelques plans inventifs, servent également parfaitement l'histoire. Au point que certaines scènes, sans texte, n'en demeurent pas moins lourdes de sens.

Les dialogues sont néanmoins très présents dans le récit, ce qui est une bonne chose puisqu'ils sont parfaitement réussis. En effet, suffisamment bien écrits pour être agréables, suffisamment naturels pour ne pas "crisper" les personnages ou paraître artificiels, et, en plus, saupoudrés de temps en temps d'un peu d'humour, ils permettent de donner rapidement de l'épaisseur aux protagonistes, adultes comme adolescents.

Et l'on n'en reste pas là. Car si l'histoire flirte avec le super-héroïsme "light", elle revêt également les aspects d'une enquête traditionnelle, avec des éléments qui, patiemment, logiquement, finissent par s'emboîter les uns avec les autres. Le tout rehaussé par des tranches de vie d'une grande justesse et même de purs petits plaisirs d'auteurs, comme ce comic strip très acide, issu d'un fanzine imaginaire, tapant sur un Cosmos perçu comme égocentrique et plus intéressé par les contrats hollywoodiens que le sort de ses concitoyens.

Le rythme et l'intérêt sont maintenus jusqu'au cliffhanger final et l'on ressort de cette lecture avec la satisfaction d'avoir passé un bon moment et la certitude de vouloir se ruer sur la suite.

Fraîche, intelligente, bien réalisée, voilà une BD qui pourrait même faire aimer 2012 à un Maya.

Très vivement recommandée.

Sortie : 15 février 2012

Death of Spider-Man

2011-12-18T17:32:00.002+01:00

L'Ultimate Spider-Man #11 de ce mois est consacré à la première partie de la saga censée aboutir au pire pour le Tisseur.

La vie privée de Peter Parker semble enfin prendre un tour plus heureux. Non seulement il sort de nouveau avec Mary Jane mais il vient de retrouver son emploi au Bugle. Jameson, maintenant au courant de la double vie de Peter, souhaite ainsi lui montrer sa reconnaissance et propose même de lui payer ses études.

En parallèle, le Tisseur est maintenant encadré par des Masques confirmés qui doivent le former et lui éviter d'intervenir dans l'improvisation totale.

Malheureusement, un évènement particulièrement inquiétant vient perturber l'accalmie. Osborn, et avec lui un grand nombre de super-vilains, viennent de s'évader du centre de détention du Triskelion dans lequel le SHIELD les retenait.

Osborn connaissant également l'identité du Monte-en-l'air et étant toujours aussi obsédé par lui, Spidey va devoir mettre ses proches à l'abri...

Après un prélude plutôt sympathique, les choses sérieuses commencent dans ce numéro contenant exceptionnellement trois épisodes au lieu de deux. Brian Michael Bendis reste au scénario, Chris Samnee dessine la fin du prologue et c'est avec un plaisir immense que l'on retrouve Mark Bagley aux crayons pour l'arc final (en cinq parties, les deux premières étant publiées dans cette revue).

Bagley aura grandement contribué au succès du titre, ce n'est pas pour rien qu'il a battu, avec Bendis, le record de longévité sur une même série. Son retour pour le grand final n'est que justice, d'autant que Lafuente ne sera jamais parvenu à le faire oublier ou à imposer son style.

Pour ce qui est du récit, Bendis nous a concocté une grande évasion, avec un spectaculaire lâcher de criminels. L'Homme Sable, le Docteur Octopus, Electro, Kraven et le Vautour se retrouvent ainsi dans la nature. Sans oublier Osborn, plus menaçant que jamais.

Niveau guest, l'on peut signaler la présence de Captain America, toujours aussi hostile à l'intégration de Spidey dans un programme de formation. Rogers estime que l'adolescent n'a rien à faire sur le terrain, et il ne se gène pas pour le lui dire de manière très directe.

Le dernier épisode se termine sur une scène choc qui arrive un peu tôt et se révèle du coup assez déroutante.

La suite est prévue pour février et risque d'être chargée en émotion.

Un petit problème technique sur ce comic : certaines planches sont décalées vers le bas (heureusement sans couper une partie des cases) et n'ont donc pas été massicotées. Une belle innovation de la part de Panini qui nous permet de participer à la grande aventure de l'édition en apportant nous-mêmes la touche finale à l'aide d'un cutter. ;o)

Au niveau éditorial, Grasse annonce un assez grand changement pour l'année prochaine. En effet, les nouveaux titres de l'univers Ultimate seront regroupés dans un même bimestriel de six épisodes comprenant Ultimate Comics : Spider-Man, Ultimate Comics : Ultimates (en gros les Vengeurs) et Ultimate Comics : X-Men. A première vue, l'on pourrait penser que cela peut nuire aux lecteurs qui ne veulent suivre que l'une ou l'autre de ces séries, mais si l'on s'intéresse au rapport quantité/prix, il est bien sûr plus avantageux d'avoir six épisodes pour 5 ou 6 euros plutôt que deux pour 4 euros.

Reste à voir si cette troisième ère de l'univers ultimate saura convaincre par sa qualité et (on peut rêver !) son innovation.

Une saga qui, avec le retour de Bagley et un Bendis en forme, risque de marquer les esprits.

Liberty Meadows

2011-12-15T17:47:00.005+01:00

Humour, bestioles déjantées et psychologue sexy sont au menu du premier tome de Liberty Meadows.

Liberty Meadows est une série de strips, écrite et dessinée par Frank Cho (Hulk, New Avengers, Shanna), qui avait déjà été adaptée en France (sous le nom Psycho Park) par Vent d'Ouest dans une version colorisée et à la traduction parfois contestée.

Ici, Canto Editions revient au noir & blanc et, surtout, a apporté un grand soin à l'adaptation des gags. Il faut dire que l'humour de Cho repose sur des références souvent typiquement américaines et peu connues du lectorat français. Il y a donc deux choix possibles au niveau du texte : trouver des équivalents français pour favoriser l'immersion (ce que Vent d'Ouest avait apparemment fait) ou tenter de rester le plus fidèle possible à l'oeuvre originale en renvoyant, lorsque cela s'avère nécessaire, à des notes pouvant éclairer le lecteur sur un point qui pourrait lui échapper.

Les deux approches ont leurs avantages et leurs inconvénients mais j'avoue préférer celle que Canto développe ici. Non seulement parce que des références trop françaises peuvent sembler, dans certains cas, inappropriées mais aussi parce qu'après tout, lire une BD américaine (ou japonaise, ou italienne...) c'est aussi se plonger dans la culture d'un pays dont on apprend, peu à peu, à connaître les codes et maîtriser les particularités. Et avouons-le, avec la grande influence exercée par les séries et les films US, nous sommes plutôt bien armés pour nous confronter à l'humour d'outre-Atlantique.

Précisons également que l'éditeur se montre particulièrement didactique puisqu'il explique clairement ses choix et ce qui les a motivés.

Passons maintenant au contenu. Liberty Meadows est en fait le nom d'un refuge pour animaux dans lequel travaillent Frank, un vétérinaire un peu timide, et la magnifique Brandy, psychologue pour animaux. Oui, heu... entre autres particularités, les animaux présents suivent une thérapie. Et ils parlent, entre eux mais aussi avec les humains. Parmi eux, l'on trouve par exemple Ralph, un ours nain, ou Leslie, une grenouille en mal d'habitat.

Les gags sont en gros de deux types : du slapstick, très visuel, ou des vannes plus recherchées, basées sur les dialogues. Tout ne fonctionne pas toujours à 100% mais l'ensemble est tout de même plutôt drôle et agréable à lire (les fans de Peanuts ne devraient pas être trop déstabilisés).

Cho se montre très à l'aise et emploie souvent des effets basiques tout en s'autorisant parfois à jouer avec la structure même des strips (les cases ou le "gutter" devenant alors des éléments à part entière du gag). L'on passe du truc le plus simple (une chute par exemple) à une situation plus complexe, basée sur les relations sociales, le tout servi par un style fluide et particulièrement efficace, surtout au niveau des expressions des personnages.

Si la traduction de Benjamin Rivière est irréprochable (car exempte de coquille, intelligente et assumée), l'aspect global du comic est moins enthousiasmant. La cover et le grand format font un peu penser à... un cahier de coloriage. En fait, si je n'avais pas vu "Frank Cho" sur la couverture, je n'aurais probablement même pas pris le livre en main. L'on peut également regretter l'élégant format à l'italienne, particulièrement adapté aux strips, choisi à l'époque par l'ancien éditeur et remplacé ici par un standard européen.

Malgré tout, le plus important n'est pas l'emballage et l'ouvrage reste donc hautement recommandable, d'autant plus que les séries humoristiques américaines ne sont finalement pas très nombreuses en VF.

Si la tristesse ou l'effroi sont provoqués presque universellement par les mêmes causes, l'on est loin d'avoir tous le même sens de l'humour. Pour peu que vous accrochiez à celui de Cho, vous passerez un excellent moment dont le sel et le sens sont préservés par une adaptation sérieuse.

Viral : Club des Cinq pour adultes ?

2011-12-13T17:01:00.007+01:00

Gros plan aujourd'hui sur un roman très particulier : Viral.

Vous l'aurez remarqué, les sorties comics en librairie ne sont pas très nombreuses ce mois. Du coup, voilà qui nous laisse le temps de nous intéresser à un roman qui, d'une certaine manière, peut tout de même se rapprocher de certaines BD américaines. Mais intéressons-nous tout d'abord à l'auteur : Kathy Reichs. Cette dernière est anthropologue judiciaire à Montréal, elle enseigne en Caroline du Nord et collabore fréquemment avec le FBI ou même le Pentagone. Elle n'en est pas à son premier essai en matière de roman puisqu'elle est surtout connue pour sa série à succès mettant en scène Temperance Brennan, un personnage fortement inspiré de sa propre vie et qui a donné naissance à la série TV Bones (série qui, au passage, n'a rien d'extraordinaire).

Ici, Reichs met en scène de nouveaux personnages récurrents, plus jeunes et toujours en rapport avec la science et la justice. Temp fait donc place à Victoria "Tory" Brennan, sa nièce de quatorze ans.

Tory vit à Charleston en Caroline du Sud, en compagnie d'un père qu'elle découvre à peine. Elle a en effet dû déménager suite à la disparition accidentelle de sa mère. Elle se remet lentement du choc et doit en plus subir la pression de certaines pestes friquées qui règnent sur l'école qu'elle fréquente. Heureusement, sur son île isolée, Tory a trouvé des amis : Ben, Hi et Shelton. Ensemble, ils forment un groupe un peu à part, unis par quelques passions communes et une curiosité qui va rapidement les mettre en danger.

Tout commence par la découverte d'une plaque militaire, à peine lisible. Une plaque liée à une disparition et peut-être même un meurtre. Et puis il y a aussi ce chien-loup, délivré d'une mort certaine par la petite équipe alors que le professeur Karsten se livrait à d'étranges expériences...

Les adolescents vont maintenant devoir se battre contre des tueurs. Et une saleté de virus.

Ceux qui, comme moi, appréciaient naguère les récits de Blyton savent qu'ils ont maintenant un côté gentiment désuet qui rend leur lecture difficile. De plus, ils visaient exclusivement les enfants. Avec Viral, l'on découvre avec bonheur un Club des Cinq moderne, sans doute plus sombre, et convenant aussi bien aux adolescents qu'aux adultes. Les points communs sont relativement évidents (précisons que les personnages sont sensiblement plus vieux que ceux du Club et ont de 14 à 16 ans) : un groupe de quatre jeunes, intelligents et débrouillards, un 5ème élément canin, de l'aventure, un monde adulte souvent hostile... Reichs parvient néanmoins à apporter de vraies particularités à son univers : certains éléments scientifiques, liés évidemment à la profession de l'auteur, qui sont habilement distillés sans jamais être rébarbatifs, un "volet" social, parfois presque plus inquiétant que les menaces criminelles, et, surtout, un aspect fantastique "light" qui donne une certaine originalité à l'ensemble.

L'on peut reprocher, pour une poignée de chapitres, un passage brutal de la première à la troisième personne en ce qui concerne la narration. Si le personnage principal est le narrateur, comment peut-il avoir connaissance de scènes dont il n'est pas témoin ? Visiblement, Reichs ne s'embarrasse pas de ce genre de détails et insère, quand le besoin s'en fait sentir, des passages destinés à combler certains trous. Rien de dramatique toutefois, d'autant que le style est d'une grande fluidité, les personnages attachants et les rebondissements fort bien amenés.

Que dire si ce n'est que c'est avec un plaisir de gamin que l'on dévore cette petite pépite ? On rentre très vite dans cette histoire qui prend un tour inattendu et est portée par un vrai suspens, un discours sous-jacent assez dur sur les "castes" du monde de l'enfance, et un humour fin et délicat.

Il y a bien parfois quelques petites entorses à la vraisemblance, mais doit-on vraiment s'en soucier à partir du moment où le charme opère ? Et dans le cas présent, il opère, vite et bien, d'autant que les lieux décrits se révèlent d'une grande richesse, tant sur le plan historique que naturel, et fournissent la toile de fond idéale.

Viral est paru l'année dernière chez Oh ! Editions, il est sorti ce mois en format poche chez Pocket. La suite des aventures de Tory et de ses amis est déjà disponible en VF et a pour titre Crise. Attention, ne lisez pas la quatrième de couverture de ce dernier roman, elle contient de gros spoilers concernant l'issue du premier.

Une pure bouffée d'air frais, un véritable exploit de conteur, convenant à tous les âges et permettant de frissonner gentiment tout en abordant, avec l'élégance de la candeur, des thèmes pas si innocents que l'on aimerait le croire.

Le procès de Captain America

2011-12-07T18:08:00.001+01:00

Le Marvel Icons hors série #23 sort aujourd'hui et s'intéresse aux ennuis judiciaires de Captain America.

Tout d'abord, un petit récapitulatif pour ceux qui n'auraient pas suivi les péripéties de Cap depuis un moment. Après la mort de Steve Rogers suite aux évènements de Civil War (cf Marvel Icons #30), c'est James Buchanan "Bucky" Barnes qui prend la relève et hérite du bouclier et du costume aux couleurs américaines. En effet, contrairement à ce que tout le monde croyait, Bucky n'était pas mort mais était employé, depuis des années, par les russes. Grâce à des techniques de manipulation mentale, ces derniers s'en servaient comme tueur. Un tueur d'ailleurs fort habile qui s'est rapidement fait connaître sous le nom de Soldat de l'Hiver.

Après son retour, Steve Rogers (qui lui aussi va subitement beaucoup mieux, cf Captain America : Reborn), décide de laisser le rôle de Captain America à son remplaçant. Il faut dire que, après le combat final contre Osborn (cf Siege), Rogers est nommé responsable de la sécurité des Etats-Unis, un poste de super-flic qui l'occupe déjà pas mal.

C'est donc bien encore Bucky qui tient le rôle de Cap actuellement. Malheureusement, après quelques informations divulguées publiquement par le baron Helmut Zemo, le passé de Barnes le rattrape. Sous la pression des media qui s'interrogent sur les crimes qu'il a pu commettre, Bucky doit se préparer à affronter un procès qui déterminera s'il est ou non pénalement responsable.

Tout cela ne va cependant pas être si simple car, après son évasion, Sin (fille et héritière de Crâne Rouge) compte bien perturber le procès par tous les moyens...

Ces cinq épisodes (Captain America #611 à #615) sont écrits par Ed Brubaker et dessinés par Butch Guice et Daniel Acuña. Ils se situent chronologiquement avant le début de Fear Itself et permettent de combler certains trous narratifs qui apparaissaient à la lecture du Marvel Stars hors série #1.

Contrairement à ce que l'on pourrait penser, le procès en lui-même prend relativement peu de place dans cet arc qui revient brièvement sur le passé du Soldat de l'Hiver avant de nous montrer son incarcération, les réactions de certains Vengeurs (qui n'étaient pas tous au courant des activités "soviétiques" de Bucky), et la rencontre entre Sin et Master Man.

Nous voilà en gros devant du Captain America classique, avec la présence de méchants nazis et de ses habituels comparses, notamment le Faucon et la Veuve Noire. L'ensemble se laisse lire, sans être franchement indispensable, et le style graphique est des plus agréables.

La présentation de Panini, qui proclame toujours dès que possible qu'une saga est "complète", laisse entendre que le récit se suffit à lui-même alors qu'il est tout de même très ancré dans la continuité et qu'il ne possède pas de véritable fin (il se termine même sur un énorme cliffhanger). Que les lecteurs occasionnels ne s'attendent donc pas à autre chose qu'une petite portion d'on-going, indissociable du reste de la série et même du marvelverse.

Revenons également un instant sur la justification de l'éditeur qui, pour expliquer la parution tardive de cet arc, s'appuie sur le fait que même Marvel a eu du mal à faire coïncider chronologiquement certaines publications. L'argument est tout de même spécieux, car si Marvel peut évidemment parfois connaître quelques cafouillages, il faut, pour l'éditeur américain, jongler avec les retards éventuels et les très nombreuses séries dont il encadre la production. Panini n'a évidemment pas ce genre de problèmes et, avec plusieurs mois de temporisation entre la sortie de la VO et celle de la VF, pourrait même profiter de ce délai pour justement essayer de corriger le tir. Bon, ça demanderait quelques efforts... c'est sûr qu'il est largement plus facile de se retrancher derrière l'imparable "regardez, les autres aussi sont nuls".

Allez, je suis sympa, je file quelques idées du même genre à Grasse pour ses prochaines explications : "on n'a pas fait exprès", "on n'était pas au courant", "heu... c'est quelqu'un qui nous a dit d'le faire", "c'est mon chat qui a mangé le planning" et "putain, je sais pas pourquoi ça a merdé, pourtant là, on était bien parti". ;o)

Du Brubaker sympathique mais sans réelle surprise.

Pour Panini c'est pareil, pas de surprise, la sympathie en moins.

Spider-Man : Big Time

2011-12-05T16:58:00.002+01:00

Le Tisseur change de look dans le Spider-Man #143 de ce mois.

Depuis le mois dernier nous sommes entrés dans une nouvelle période (appelée Big Time) de la vie de Spidey. En effet, après One Moment in Time, le "cas" Mary Jane semble définitivement réglé et Peter entame cette nouvelle ère avec une certaine réussite : non seulement il décroche un job comme chercheur dans les labos Horizon (les horaires sont libres et il dispose d'un espace privé où planquer son costume, on peut difficilement faire plus pratique pour un super-héros !) mais en plus, sentimentalement, tout se passe bien aussi puisqu'il sort avec la jolie Carlie Cooper.

Evidemment, diverses menaces vont venir tout de même noircir le tableau. Non seulement le Super-Bouffon, alias Phil Urich, va causer quelques dégâts sur le lieu de travail de Parker mais, surtout, l'Anti-Araignée et sa petite armée d'insectes personnelle vont s'en prendre à la famille Jameson (rappelons que le père de Jonah est maintenant marié avec la tante May).

Ces épisodes sont signés Dan Slott pour ce qui est du scénario, les dessins sont de Humberto Ramos, Neil Edwards, Stefano Caselli, Paulo Siquiera et Ronan Cliquet de Oliveira.

Slott se débrouille plutôt bien en mélangeant le traditionnel cocktail action/humour/vie privée. Spider-Man se voit doté d'une tenue supplémentaire (une sorte de black costume que l'on aurait décoré pour Noël, cf la section Costumes de Spidey pour en savoir plus), il fait équipe avec la délicieuse Black Cat et va même jusqu'à s'acheter un... appartement. Une première pour ce grand spécialiste de la colocation foireuse. Ajoutons à cela un Gargan qui obtient une nouvelle armure de Scorpion, plus un surprenant nouvel hôte pour Venom, et l'on obtient tout de même une revue assez riche en rebondissements et nouveautés. Seul petit bémol : on ne comprend pas bien comment Spider-Man, accroché au bout de sa toile juste derrière une navette spatiale qui décolle, peut ne pas être complètement carbonisé. Il porte pourtant son costume traditionnel qui, me semble-t-il, n'est de toute façon même pas ignifugé...

Plus anecdotique, l'on a de nouveau droit à du Lady Gaga (cf Spider-Man & Fantastic Four) mais cette fois comme... arme sonique défensive. Oui, si vous vous faites attaquer par un Bouffon, chanter Bad Romance peut vous sauver la mise. ;o)

Bref, ce Big Time, sous la direction de Slott, se présente plutôt bien. Peter avance enfin un peu dans sa vie privée et professionnelle et ses adversaires du moment sont des personnages classiques revisités qui proposent un peu de neuf tout en gardant un ancrage dans la continuité.

D'un point de vue technique, Panini se distingue encore avec une impression dégueulasse, l'encre ayant bavé sur toute la hauteur de certaines planches. Enfin, bon, un accident peut arriver. Par contre, l'idée lumineuse d'imprimer l'édito de Grasse en noir sur fond bleu foncé n'est pas accidentelle, elle. Une excellente manière de saigner de la rétine au bout de trois phrases. Bah, ça pourrait être plus bête, du genre noir sur fond gris foncé. Peut-être pour l'année prochaine ?

Une bonne fournée qui termine l'année arachnéenne sur une note positive.

Fables : War and Pieces

2011-12-01T17:19:00.000+01:00

Le quatorzième tome de Fables est disponible depuis hier et met un terme à la guerre contre l'Adversaire.

Le moment est enfin arrivé, pour Fableville, de lancer un large assaut contre l'Empire et ses armées. La libération des Royaumes dépend de plans audacieux menés simultanément.

Alors que le vaisseau "Gloire de Bagdad", avec à sa tête le Prince Charmant et Sinbad, est chargé de bombarder les portails reliant l'Empire à la Terre, Bigby, lui, doit tenir une position stratégique, essentielle en cas de repli, autour d'un haricot magique. Pendant ce temps, la Belle au bois dormant, au coeur même de la capitale impériale, doit profiter d'une réunion des sorciers de combat pour les mettre hors d'état de nuire.

Enfin, les Fables peuvent compter, en plus de leur propre magie, sur les armes à feu des communs. Un élément que l'Empire n'a jamais souhaité intégrer à ses propres troupes.

Pour tous, c'est maintenant le moment de vérité.

Ce tome sonne comme une fin, non de la série mais au moins d'un cycle. Aux commandes, toujours Bill Willingham au scénario, accompagné cette fois, pour les dessins, de Mark Buckingham, Steve Leialoha, Niko Henrichon et Andrew Pepoy.

Ces six épisodes commencent plutôt sur le ton de l'humour, avec un Boy Blue quelque peu déconcerté par la psychologie féminine (également complexe chez les Fables !). L'on passe ensuite à une mission de sauvetage impliquant Cendrillon, une charmante espionne ayant eu des siècles pour peaufiner ses techniques d'infiltration et de combat. Enfin, l'on en arrive au conflit proprement dit. Depuis le temps que cela couvait, on s'attendait à une bataille monstrueuse, mais l'auteur parvient encore à nous surprendre. Et pas forcément de la meilleure des façons.

La surprise vient tout d'abord de jolies trouvailles, comme le vaisseau arabe à base de tapis volants, ou les bombes artisanales guidées avec l'aide de ces mêmes tapis. Malheureusement, le reste tombe un peu à plat. Si l'on parvient à s'expliquer l'écrasante supériorité des Fables grâce aux armes à feu et à l'approvisionnement continu assuré par des moyens magiques, les forces de l'Empire, que l'on nous avait pourtant montrées comme terrifiantes (à juste titre puisque responsables de l'écrasement de centaines de royaumes), paraissent ici bien dérisoires.

Même le duel final est (trop) vite expédié, enlevant à l'ensemble le côté épique que l'on espérait pourtant. Pire encore, les pertes, bien que minimes, sont très mal gérées et les personnages qui tombent au champ d'honneur le font dans l'indifférence générale. C'est, à n'en pas douter, une petite déception, et donc une première pour cette série qui nous a habitué à du haut de gamme depuis si longtemps.

Il serait exagéré de parler de ratage complet, mais après nous avoir préparé, pendant plus de 70 épisodes (sans compter les spin-offs ou les romans), à un affrontement titanesque, cette conclusion a de quoi désappointer. Où sont les épouvantables hordes de l'Empire ? La perfidie de ses chefs ? Les morts déchirantes ? Les sacrifices héroïques ? L'aspect dramatique ? Le suspens ? Nulle part. Willingham a fait le choix, difficilement compréhensible, de ne pas donner aux lecteurs ce qu'il les avait pourtant préparés à recevoir.

Bien entendu, décontenancer le lectorat peut être une bonne idée, mais pas au détriment de l'histoire. Or, ici, l'on a l'impression que le scénariste, après avoir réussi à nous envoûter grâce à l'humour, l'émotion, la force de son récit (cf cette chronique), rate totalement son grand final, en en faisant une bataille aseptisée et fade. Une fadeur d'autant plus évidente qu'elle peut être comparée avec la maestria de Willingham quand celui-ci parvenait à nous émouvoir du sort d'un simple soldat de bois (cf tome #9)... au lieu de cela, il faut se contenter d'une reine des Neiges qui s'endort paisiblement, de centaines de dragons qui périssent sans faire aucune victime (et sans que l'on s'intéresse à leur sort), etc.

Heureusement, ce n'est pas la fin de la série, cela n'aurait pas été lui rendre justice que de l'arrêter sur cet arc.

Notons également que, contrairement à ce que fait Panini d'habitude sur cette série, l'on ne trouve dans ce tome ni le petit résumé de la situation, ni la traditionnelle présentation des personnages principaux.

On s'attendait au Jour le plus long, on a Martine à la plage.

Difficilement compréhensible de la part d'un écrivain aussi talentueux. D'un autre côté, comme les creux de Willingham correspondent aux sommets de pas mal d'autres auteurs, il lui sera beaucoup pardonné.

The Boys : Croire

2011-11-28T17:19:00.002+01:00

Le douzième tome de The Boys contient l'arc Believe et comporte un grand nombre de révélations et d'évènements importants.

Un énorme évènement héroïco-religieux se prépare avec le festival "Croire". Pour le citoyen lambda, c'est l'occasion de rencontrer les Masques qu'il adule et de faire acte de dévotion. Le Protecteur en profite pour rencontrer Oh Père, un autre super-héros à la moralité douteuse. Le Protecteur cherche en effet à savoir quel pourcentage de la communauté surhumaine le suivrait en cas de crise grave qui l'opposerait aux autorités.

De son côté, Hughie file le parfait amour avec Annie. Malheureusement, leur relation va vite tourner au cauchemar lorsque la jeune femme décide d'avouer qui elle est exactement...

Après un tome #10 qui revenait sur les origines des personnages et faisait office de petite pause dans l'histoire, le tome #11 relançait la machine et celui-ci passe à la vitesse supérieure.

Garth Ennis reste bien entendu au scénario alors que c'est Russ Braun que l'on retrouve au dessin.

Dans l'univers profondément cynique décrit par les auteurs, seul l'amour liant Annie et Hughie permettait de contrebalancer la noirceur des Masques et les méthodes de la CIA. C'était la goutte de pureté dans un océan de merde. La romance vire pourtant ici au tragique, non seulement à cause des mensonges qui la sous-tendaient mais surtout parce que Hughie découvre, grâce à "l'aide" de Butcher, comment Stella a pu rejoindre les Sept (rappelons que ces derniers l'ont à l'époque obligée à avoir des rapports sexuels avec eux).

Tout dans ce tome, l'un des plus réussis, n'est que violence. Pourtant, elle n'est pas forcément apparente. C'est la folie contenue du Protecteur, les traces de sang sur un siège qui en disent long sur les pratiques pédophiles d'un personnage, c'est Butcher et la vidéo qu'il dévoile à Hughie... pas d'orgies cette fois, pas de dépeçages, mais une perfidie constante, totale, et le sentiment que rien ne peut échapper à la corruption et à la saleté.

La réaction de Hughie est représentée de manière magistrale. Après la stupéfaction et la peine, celui-ci souffre tellement qu'il n'a qu'une idée en tête ; s'engager dans une fuite en avant, faire souffrir Annie également, quitte à tout détruire, à aller jusqu'au point de non-retour. Il sait pourtant qu'il fait fausse route, que ce n'est pas là une réaction sensée, mais la douleur est telle qu'au lieu de chercher à l'atténuer par la discussion, il ne peut que se résoudre à l'augmenter, encore et encore, en insultant, en humiliant, en essayant de faire mal à son tour.

Rarement la psychologie humaine aura été aussi bien décrite dans un comic.

Tout n'est cependant pas centré sur les déboires sentimentaux et l'on apprend pas mal de choses, notamment l'identité de la taupe que Butcher utilise chez les Sept. Les projets du Protecteur prennent également un tour plus concret alors que son détachement et l'ignominie de ses actes montent d'un cran. Et au milieu de tout cela, il y a même encore de la place pour un brin d'humour, avec le duo formé par le Français et la Fille.

Dommage que, contrairement aux TPB américains, Panini ait choisi de nous livrer des volumes ultra-minces.

Pas de combats, de flingues ou de déferlement de super-pouvoirs et, pourtant, on s'en prend plein la gueule !

Brillant.

Absolute DC : Wednesday Comics

2011-11-24T18:18:00.002+01:00

Une publication très spéciale aujourd'hui avec Wednesday Comics, une compilation grand format de récits centrés sur les plus grands héros de DC Comics.

Dans les années 30, 40 et 50, les comic books ne régnaient pas encore sur le marché et les strips d'aventure, publiés quotidiennement dans les journaux, faisaient la joie des plus jeunes. Le dimanche, c'était carrément à une pleine page, en couleurs, que les lecteurs avaient droit.

C'est en se basant sur cet ancien concept que DC a lancé le projet Wednesday Comics ; douze publications hebdomadaires consacrées à une quinzaine de héros différents. Par la suite, un TPB a regroupé ces histoires, en conservant le format et en remplaçant le papier journal par un plus élégant papier glacé. C'est cet ouvrage qui est sorti hier, en français, chez Panini.

Voyons déjà le sommaire, fort riche :

- Batman, par Brian Azzarello et Eduardo Risso

- Kamandi, par Dave Gibbons et Ryan Sook

- Superman, par John Arcudi et Lee Bermejo

- Deadman, par Dave Bullock et Vinton Heuck

- Green Lantern, par Kurt Busiek et Joe Quiñones

- Metamorpho, par Neil Gaiman et Michael Allred

- Teen Titans, par Eddie Berganza et Sean Galloway

- Adam Strange, par Paul Pope

- Supergirl, par Jimmy Palmiotti et Amanda Conner

- Metal Men, par Dan Didio, José Luis Garcia-Lopez et Kevin Nowlan

- Wonder Woman, par Ben Caldwell

- Sgt. Rock, par Adam Kubert et Joe Kubert

- Flash, par Kark Kerschl et Brenden Fletcher

- The Demon & Catwoman, par Walter Simonson et Brian Stelfreeze

- Hawkman, par Kyle Baker

Outre ces quinze épisodes (de 12 planches chacun), l'on retrouve encore deux histoires courtes d'une planche (Plastic Man et Gare au Creeper !) ainsi que dix pages de bonus (contenant croquis, recherches graphiques et commentaires) et deux autres pages présentant de petits topos sur les auteurs. Et étant donné la taille des pages, il y a évidemment de quoi faire.

Le tout pour 50 euros. Le prix est élevé mais justifié, d'autant que Panini a eu le bon goût de conserver les bonus de la VO.

C'est évidemment la taille inhabituelle (45 x 28,5 cm !) qui constitue le principal attrait de ce recueil. L'objet est certes imposant (et peu pratique à lire) mais il est également magnifique et franchement collector. L'intérêt intrinsèque des récits est assez inégal. Certains sont plutôt quelconques, renouant surtout avec un ton rétro et une ambiance naïve, d'autres sont plus intéressants et exploitent avec habileté l'immensité des planches.

Le Superman de Bermejo en met plein la vue, le Supergirl de Palmiotti et Conner s'avère plutôt drôle et fort bien dessiné, Le Flash de Kerschl propose une histoire intéressante et exploite au mieux la brièveté imposée, l'on peut également signaler le très bon Metamorpho, avec une narration explorant là aussi parfaitement les possibilités du format.

Si le Wonder Woman est sans doute l'épisode le plus difficile à lire en raison de la multiplication des petites cases (la souplesse du journal originel était ici sans doute mieux adaptée), c'est probablement Sgt. Rock qui est le moins réussi, avec un graphisme peu enthousiasmant et, surtout, un scénario d'une fadeur extrême. Pour ce qui est de Batman, l'ambiance visuelle est excellente mais le récit peu intéressant. D'autres titres, comme Deadman ou Kamandi, sont assez sympathiques et permettront aux nouveaux lecteurs de faire aisément connaissance avec ces personnages moins connus.

Notons d'ailleurs que l'ensemble est très accessible puisque totalement hors continuité.

Un très beau clin d'oeil aux strips anciens et à leurs supports d'origine.

Ci-dessus, une comparaison de la taille de l'ouvrage avec celle d'un comic standard.

Walking Dead : Making Of

2011-11-22T16:42:00.000+01:00

Une nouvelle publication autour de Walking Dead avec ce Making Of consacré à l'adaptation TV.

Après la sortie du 14ème tome VF en septembre, puis celle d'un artbook il y a quelques jours, voici maintenant un ouvrage s'intéressant à l'immense chantier que fut la transposition de l'univers de Robert Kirkman du papier aux écrans.

Après une préface de Frank Darabont (producteur, réalisateur et scénariste de la série) et une petite introduction de Kirkman, l'auteur, Paul Ruditis, commence par une présentation de la BD. Il revient notamment sur les petits "arrangements" avec la réalité qui ont permis à Kirkman de faire passer l'idée auprès des éditeurs en leur disant un peu ce qu'ils voulaient entendre (une anecdote qui a d'ailleurs donné lieu ensuite à un petit supplément parodique publié dans l'épisode #75 et, en VF, dans Les Chroniques de Spawn #35). Les synopsis des premiers épisodes et de nombreuses illustrations entrecoupent ce premier chapitre.

On passe ensuite à des sujets plus techniques, concernant le repérage, la construction des décors, les effets spéciaux et même l'entraînement des figurants dans une... "école" de zombies. En effet, il n'est pas forcément évident de se déplacer comme un mort-vivant et, si quelqu'un fait une démonstration, le danger réside alors dans le fait que tout le monde finisse par se comporter de manière identique. Pour obtenir un résultat naturel et varié, il a donc fallu mettre en place une sélection rigoureuse (pour éliminer tout ce qui était trop exubérant et risquait de parasiter les scènes) et permettre aux figurants de rentrer dans la peau, ou plutôt la carcasse pourrissante, de leurs personnages.

Le travail est immense et mélange en fait système D (un bricolage tout simple permettant, par exemple, de faire gicler du sang sans avoir à utiliser les petits explosifs, genre pétards, qui ne peuvent plus être employés que par des cascadeurs professionnels et non de simples acteurs) et technologie de pointe (lorsqu'il faut par exemple numériquement multiplier le nombre de zombies ou recréer des bâtiments).

L'auteur s'attarde également sur d'autres aspects, comme le casting ou encore la campagne promotionnelle. Un chapitre est également consacré à la musique, ou plutôt à son absence. Si vous avez regardé la première saison de Walking Dead, vous avez peut-être remarqué l'étrange bande son, très dépouillée. A première vue, l'on pouvait penser que tout le budget était passé dans le maquillage et que les producteurs avaient rogné sur la musique, mais en fait non, il y a bien un compositeur qui a bossé sur la série. Sa théorie a le mérite d'exister mais n'est guère convaincante. D'une part, il affirme que l'absence de bruit est plus réaliste. Là il n'a pas tort, un monde post-apocalyptique est forcément plus silencieux, mais ça n'a rien à voir a priori avec la musique d'accompagnement, d'autant qu'il ne faut pas confondre la nécessaire vraisemblance et un réalisme parfois nuisible. D'autre part, et là il se plante carrément, il prétend que le silence rend les scènes plus inquiétantes. Malheureusement, le silence n'a jamais contribué à renforcer l'aspect terrifiant d'un film ou d'une série, en réalité, le silence à l'écran semble distordre le temps et génère, sinon un réel ennui, du moins un sentiment de lenteur plutôt désagréable.

C'est toutefois le seul point négatif qu'il faudra retenir de la série, le reste étant à la hauteur des comics, notamment grâce à la priorité donnée aux personnages et à leurs relations. De plus, l'adaptation TV, tout en gardant les grands axes développés par Kirkman, s'éloigne parfois du strict scénario de la BD, ce qui permet d'explorer des situations nouvelles et de conserver quelques éléments de surprises.

Là encore ce livre aborde la question, expliquant notamment ce que peut apporter le "sursis" accordé à Shane, un personnage qui disparaissait très rapidement dans les comics. Loin de s'offusquer de ces changements, Kirkman (également scénariste sur la série TV) s'en réjouit et évoque, avec raison, une sorte de Walking Dead bis, réinventé dans un monde parallèle. Pareil mais... différent.

Voilà donc un ouvrage sympathique, très complet, qui vous permettra de savoir comment préparer une mise en place de décor grâce à Google ou comment salir très rapidement une rue et la rendre en bon état sans passer des heures à tout nettoyer.

Grand format, couverture souple, environ 200 pages pour 19,90 euros. Il reste quelques coquilles au niveau du texte, un peu dommage mais rien de bien méchant.

Un bel objet collector pour les fans de la série.

100% Marvel : Spider-Man & Fantastic Four

2011-11-17T20:11:00.001+01:00

On s'intéresse aujourd'hui à un 100% Marvel Spider-Man & Fantastic Four intitulé Réunion de Famille.

Si Spidey fait de nos jours partie des Vengeurs, il a également naguère proposé ses services aux Fantastic Four dans le but... de toucher un salaire de super-héros. Bien évidemment, les FF sont une famille, pas une entreprise, donc pas de RTT ou de 13ème mois à la clé, ce qui n'a pas empêché le Tisseur de faire souvent équipe avec Reed, Sue, Ben et surtout Johnny, qui lui confectionnera même un véhicule assez spécial (cf scène #8 du Bêtisier).

Ainsi, lorsque Fatalis débarque sur le campus d'un jeune Peter Parker, qui ne sort pas encore avec Gwen, il est normal que Spidey s'allie aux FF. Et quand le même Parker lutte contre un symbiote envahissant dont il n'arrive pas à se défaire, vers qui se tourne-t-il ? Richards, évidemment.

Et quand une nouvelle menace, plutôt inattendue, fera son apparition, Spidey sera encore aux côtés de ses amis. Au sein de sa famille.

Seulement quatre épisodes pour ce 100% Marvel fraîchement débarqué en librairie. Le scénario est de Christos Gage (auteur de l'excellente série Avengers Academy), les dessins sont signés Mario Alberti. Ce dernier livre des planches plutôt agréables même si certains visages sont franchement perfectibles (la pauvre Susan n'est pas vraiment à son avantage).

La mini-série revisite quelques rencontres, à des époques différentes, en mettant en scène Fatalis, Namor ou encore l'Homme-Taupe. Bien qu'il soit fait référence à de nombreux évènements anciens (cela va de Onslaught à Dark Reign, en passant par la prise de pouvoir des FF en Latvérie, cf ce Deluxe), l'ensemble reste relativement abordable et clair. Le final se veut touchant mais s'avère trop gentillet et "sucré" pour susciter une réelle émotion. Gage s'en sort en fait beaucoup mieux ici avec les vannes et les situations décalées (voir la Chose chanter du Lady Gaga dans un bain moussant, ça vaut quand même le détour, d'autant que la chanson n'est pas choisie au hasard !).

Tout cela reste assez classique, avec un thème tournant autour de la fascination de Peter pour les FF. Le terme est peut-être un peu fort mais il est évident qu'il nourrit plus qu'une sympathie pour le groupe : il admire Reed et son génie scientifique, il envie le couple Reed/Sue (qui ne fonctionne pourtant pas si bien qu'il l'imagine), il trouve en Johnny un ami de son âge, décomplexé, qui s'amuse et aligne les conquêtes féminines, et même Ben fait office de grand frère bienveillant. Cette équipe représente pour lui un cocon familial (certes très idéalisé) mais aussi une sorte de "pépinière amicale" (particulièrement attractive dans ses plus jeunes années, alors qu'il était rejeté et faisait la cible de moqueries continuelles).

Malgré tout, le fil rouge du récit semble un peu artificiel et Gage ne parvient pas à être aussi habile que lorsqu'il met en scène ses jeunes apprentis Vengeurs.

Un comic sympathique mais dont l'utilité n'est pas évidente.

Il manque un petit quelque chose pour faire de cette histoire plus qu'une anecdote vite oubliée.

Artbook Walking Dead

2011-11-15T16:44:00.000+01:00

Demain sort un artbook consacré à la célèbre série Walking Dead. Tout de suite, le détail du contenu.

Pour patienter en attendant le tome #15 de la série, prévu pour mars 2012, les fans de Walking Dead ont droit ce mois-ci à deux ouvrages un peu particuliers. Un Making Of de l'adaptation en série TV, sur lequel j'aurai l'occasion de revenir, et l'artbook qui nous intéresse aujourd'hui.

Il s'agit en fait d'un recueil contenant toutes les covers des cinquante premiers épisodes, plus celles des TPB et des éditions Deluxe cartonnées.

En gros, chaque épisode est décomposé en deux pages, l'une consacrée à la couverture, colorisée, en grand format, et l'autre accueillant les commentaires des auteurs et divers petits croquis préparatoires.

Le texte est une sorte de conversation informelle entre Robert Kirkman et Tony Moore (ce dernier ayant continué à dessiner les covers jusqu'au 24ème épisode), puis, dans un second temps, Moore est remplacé par Charlie Adlard, le dessinateur actuel de la série.

Les artistes ont un regard souvent critique à l'égard de leur travail mais malheureusement, même si l'on découvre quelques petites anecdotes sur la manière de procéder ou les différences de points de vue, l'aspect technique n'est que survolé et parfois même un peu répétitif. On découvre surtout un Kirkman ayant une idée étonnamment précise de la composition des covers, éléments qu'il considère apparemment comme très importants et dont il se sert pour "jouer" avec le lecteur, l'entraînant parfois volontairement sur des fausses pistes.

Ceci dit, l'essentiel de l'intérêt réside tout de même dans les illustrations qui permettent de se remémorer certaines scènes clé et de prendre la mesure de tout le chemin parcouru par Rick et ses compagnons. La qualité de ces mêmes covers est, elle, assez inégale (TWD n'est pas spécialement réputé pour ça). L'on trouve aussi bien de l'excellent (épisodes #9, #15, #17, #21...) et du très quelconque (épisodes #10, #34, #43...).

Techniquement, l'ouvrage se présente avec une couverture en dur (qui est illustrée malgré la présence d'une jaquette, un plus toujours appréciable) et évidemment un papier glacé du plus bel effet. Le tout pour 17,50 euros.

Un livre d'illustrations plutôt agréable, en forme de petit bilan sur les premiers temps d'une des meilleures séries actuelles.

Galerie

The Unwritten : Les Infiltrés

2011-11-13T18:41:00.001+01:00

La suite de The Unwritten - Entre les Lignes est sortie ce mois, ce deuxième opus tient-il la route ?

Après le massacre perpétré à la Villa Diodati, Tom Taylor est accusé de meurtre et extradé dans une prison française, dirigée par Claude-Louis Chadron. Ce dernier a deux enfants, totalement fans des aventures de Tommy Taylor, le célèbre magicien.

Alors qu'une mystérieuse organisation tente de supprimer Tom, celui-ci est aidé par un journaliste, infiltré dans la prison, et par Lizzie Hexam, la jeune femme à l'origine des premiers ennuis médiatiques du fils de Wilson Taylor.

Tom doit faire face à la brutalité de l'univers carcéral tout en cherchant à en savoir plus sur ses origines, toujours aussi incertaines.

Alors que la frontière entre fiction et réalité s'amenuise, les enfants de Chadron, persuadés de l'innocence de Tommy, pénètrent dans la prison alors qu'un commando arrive sur les lieux, avec la complicité de leur père, pour liquider Taylor...

Après un excellent premier tome, paru en début d'année, cette suite était vraiment attendue, d'autant qu'elle contient cette fois sept épisodes (si on était mauvaise langue, on pourrait penser que Panini charge la mule avant de perdre les droits Vertigo). Eh bien la série tient toutes ses promesses et s'avère toujours aussi passionnante.

Aux commandes, l'on retrouve Mike Carey (Faker, X-Men : Origins, Neverwhere, God Save the Queen) au scénario et Peter Gross au dessin, ce dernier étant aidé, pour les "finitions", par Jimmy Broxton, Kurt Huggins et Zelda Devon.

Les références littéraires sont toujours aussi nombreuses et servent parfaitement un récit complexe mais que l'on suit aisément. L'on retrouve, entre autres, la Chanson de Roland (et un intéressant parallèle avec le "marketing viral médiéval" et ses effets), les contes pour enfants (qui peuvent servir de prison redoutable !) et même le Jud Süß de l'inquiétant reichsminister Goebbels (qui montre de manière assez poétique qu'une histoire peut être corrompue et empoisonnée).

Comme le remarque avec pertinence Paul Cornell (Wisdom, Young Avengers) dans son introduction, Carey fait de la littérature tout en parlant de littérature, un peu comme "s'il s'élevait dans les airs en se tirant par ses propres cheveux". La thématique centrale reste donc identique, à savoir l'importance des mots et de leurs effets, comparables à une forme de magie (j'évoque plus en détail cette même magie dans le Webzine #2 de WEBellipses, cf l'article It's a kind of Magic), mais aborde parfois des éléments plus spécifiques, comme l'inéluctable transformation de l'oeuvre une fois que le lecteur se l'approprie (une idée finement symbolisée par l'emploi de la créature de Frankenstein et par une audacieuse comparaison entre cette appropriation et un meurtre suivi d'une imposture).

Pour le moment, l'on ne sait encore pas grand-chose des manigances de Wilson Taylor ou de ceux qui veulent supprimer Tom, mais ce voyage, quasi initiatique, au sein des méandres de l'écriture demeure fascinant. Mélange de fantasy, de drame, d'aventures et de réflexion, The Unwritten s'affirme comme une série profonde et subtile, liant monuments de la littérature, oeuvres plus populaires et même immondes objets de propagande.

Une lecture hautement recommandée.

Du grand Vertigo qui peut se lire et se comprendre à de multiples niveaux, sans jamais ennuyer ou forcer la main.

Halo : Uprising

2011-11-09T16:43:00.000+01:00

De la science-fiction aujourd'hui avec Halo : Uprising, un comic tiré de l'univers du célèbre jeu vidéo.

Les Covenants (une sorte de coalition extraterrestre) lancent un assaut contre Cleveland, décimant de nombreux civils. Ruwan Ackerson, un simple concierge d'hôtel, tente de survivre aux combats en compagnie d'une chanteuse en vogue.

Le jeune homme ne tarde pas à apprendre que les envahisseurs sont à la recherche d'une mystérieuse relique qu'il connaît bien. Entrainé malgré lui dans le conflit, Ruwan va devoir faire preuve d'un courage exceptionnel... car de lui va dépendre la réussite d'une opération de la dernière chance, lancée par les forces de l'UNSC (United Nations Space Command).

Le duo aux commandes de cette mini-série laissait présager du meilleur ; Brian Michael Bendis au scénario, Alex Maleev au dessin, le tandem qui avait fait des merveilles sur Daredevil était donc reconstitué.

Malheureusement, les deux compères ne connaissent pas ici la même réussite.

Non seulement le style de Maleev convient assez mal aux scènes de combat qui sont parfois fort peu lisibles et très statiques mais Bendis, au moins pendant la première partie de l'ouvrage, s'avère en mal d'inspiration et livre des dialogues déroutants et répétitifs, un peu dans le style de ce qu'il nous avait fait pendant un temps après le relaunch d'Ultimate Spider-Man (cf cette chronique).

L'univers de Halo est très peu développé et les lecteurs qui ont fait l'impasse sur les jeux vidéos (ce récit se situe entre Halo 2 et Halo 3) devront procéder par tâtonnement et déductions pour le découvrir. Il y a bien cette histoire de clé qui est plutôt une bonne idée et le final qui parvient à installer un peu d'émotion, mais l'ensemble est bien en dessous de ce que l'on pouvait attendre de ces auteurs.

En ce qui concerne le flou dans lequel on est plongé, Panini se fend d'un petit speech en guise d'introduction, mais encore une fois l'éditeur fait dans l'inutile. L'essentiel du texte vante le succès commercial de la franchise et les trois pauvres lignes concernant l'histoire n'expliquent rien et se contentent de dévoiler le début de l'intrigue.

Pas une seule explication sur les Covenants, l'UNSC ou John-117. Le strict minimum aurait pourtant consisté à planter le décor, même succinctement, mais apparemment, ce n'est venu à l'idée de personne. Ou alors les vendeurs d'autocollants estiment que tout le monde possède une Xbox.

Une histoire qui peine à décoller, un cadre dont on ne sait rien, un Bendis en petite forme... bref, une déclinaison papier qui n'intéressera que les inconditionnels du jeu, et encore.

WEBellipses disponible sur iPad

2011-11-09T08:54:00.000+01:00

L'application gratuite de WEBellipses est enfin disponible sur l'App Store.

Après un gros retard dû à divers problèmes techniques, le lancement de WEBellipses est maintenant effectif. Il concerne pour le moment les possesseurs d'iPad puisque l'application, téléchargeable gratuitement, est disponible sur l'App Store (elle sera plus tard adaptée pour tablette Android, smartphone et PC).

Les webzines vous permettront notamment de tester la liseuse (intuitive et proposant divers modes de lecture et options) et d'avoir un aperçu des séries proposées.

Rappelons que pour 2,99 euros par mois, les lecteurs pourront bénéficier d'un comic par semaine, et ce sans engagement de durée. Par contre, pour se faire pardonner cette sortie un peu tardive, WEBellipses propose pour ce mois une offre exceptionnelle puisque, pour la même somme (2,99 euros), les abonnés recevront non pas 4 épisodes mais 9.

Une bonne occasion de découvrir un univers riche et varié basé sur le meilleur de la BD indépendante française.

Ces quelques liens vous permettront d'en savoir plus :

- le blog WEBellipses

- le Guide d'Utilisation (PDF)

- le Webzine #0, qui présente des extraits et un petit résumé de chaque oeuvre

- la page facebook de WEBellipses

Fear Itself : premier chapitre du nouvel évènement Marvel

2011-11-07T16:36:00.001+01:00

Le premier volume de Fear Itself est maintenant disponible en kiosque. Premières impressions.

Après une émeute dans le sud de Manhattan, les Vengeurs se trouvent un peu démunis. Tony Stark suggère alors une idée afin de venir en aide aux gens, frappés par la crise. Il propose en effet, par le biais de sa nouvelle entreprise, Stark Resistance, de rebâtir une nouvelle Asgard (la précédente ayant été détruite lors de l'assaut final contre Osborn et ses forces, cf Siege).

Iron Man, Captain America et Thor rendent le projet public lors d'une annonce à Broxton mais Odin, lui, ne l'entend pas ainsi. Ne souhaitant pas demander l'aide des hommes, il ordonne aux siens de quitter la Terre et de se rassembler au pied de l'Arbre-Monde.

De son côté, Sin a pris possession du marteau divin de Skadi, une arme très puissante découverte pendant la guerre par son père (cf ce prologue).

Cette fois on rentre dans le vif du sujet avec ce premier chapitre de Fear Itself. Le scénario est de Matt Fraction, les dessins sont de Stuart Immonen. Graphiquement, ce dernier propose des planches d'une grande qualité (très différentes, forcément, d'un Nextwave par exemple). Le tout est magnifiquement colorisé par Laura Martin (qui avait déjà officié sur Astonishing X-Men, Rocketeer, The Stand ou I am Legion).

La revue est vendue au prix de 4 euros et propose un gros épisode de 44 planches (plus quelques variant covers). La traduction, elle, est assurée par Jérémy Manesse.

Evidemment, c'est un peu à une sorte de mise en place que nous assistons ici. Le ton est franchement apocalyptique (les hommes abandonnés par les dieux) et la thématique, comme prévue, puise dans la mythologie nordique. De la même manière, la populace, sur fond de crise financière, d'émeutes et d'expropriation, n'est guère mieux traitée que les héros. Quant à Sin, elle fait un adversaire tout à fait convenable, d'autant qu'elle est maintenant l'instrument de la vengeance d'une terrible entité (en plus d'être l'héritière d'un nazi, ce qui fait beaucoup tout de même pour une seule personne).

Fraction parvient pour le moment à faire cohabiter dieux nordiques et monde moderne sans que cela ne soit trop choquant et, surtout, il incite à découvrir la suite en évoquant les Dignes, des vilains du marvelverse reconvertis en guerriers divins. Un concept plutôt bien trouvé et qui, dans le contexte, a un peu des relents "kurumadiens". Si Fear Itself devenait le Saint Seiya de Marvel, voilà qui ne serait pas pour me déplaire, mais il est encore un peu tôt pour savoir si la comparaison tiendra la route.

Un coup d'envoi réussi qui donne envie de se plonger dans la saga.

Urban Comics : Politique Editoriale & Traduction

2011-11-04T15:06:00.005+01:00

Les news commencent à tomber en ce qui concerne Urban Comics, la structure mise en place par Dargaud pour accueillir les titres DC Comics et Vertigo (cf notamment la page facebook de l'éditeur).

Pour ma part, j'ai tenu à aborder essentiellement le domaine de l'adaptation par le biais de quelques questions auxquelles François Hercouet, directeur éditorial, a eu la gentillesse de répondre.

Neault : Les traducteurs des oeuvres Urban Comics seront-ils tous "maison" ou existera-t-il une certaine continuité à ce niveau ?

François Hercouet : Pour l'ensemble des titres DC et Vertigo, il nous est apparu important de conserver le même traducteur lorsque c'était dans l'intérêt de la série. Le casting ne changera pas vraiment sur les séries Vertigo, chaque traducteur s'étant bien approprié l'univers qui lui avait été confié. Concernant les titres plus "super-héroïques" du DC Universe, la question ne s'est pas vraiment posée puisque nous publierons dans un premier temps des albums inédits (le Wonder Woman de Straczynski, le Superman de Casey, le Batman de Snyder). Pour les rééditions, nous ne reprendrons pas systématiquement les anciennes traductions lorsque nous pensons que les choses peuvent être améliorées.

- L'on a vu souvent des comics sortir en VF avec une piètre qualité au niveau de la langue, voire même parfois des erreurs de traduction flagrantes. Une vigilance particulière va-t-elle être mise en place pour pallier ce genre de problèmes ?

>>> Traduire est un exercice délicat car il demande une très bonne culture et une curiosité au moins égale. Là, je parle de traduction en général, mais lorsque l'on en vient à parler de traduction pour le comics, l'exercice est encore différent, et il devient encore plus particulier lorsqu'il s'agit d'univers partagés par une multitude de super-héros. Le traducteur de comics se doit quasiment d'avoir à défaut de la double-nationalité, une double-culture. Être au fait des us et coutumes, des expressions idiomatiques anglo-saxonnes courantes et passées (en insistant sur la spécificité des expressions américaines, anglaises, irlandaises, écossaises et j'en passe), de l'Histoire politique et sociale, etc. Bref, de la culture du pays d'origine du comics. Mais revenons sur le cas de ces univers partagés. En plus de ce bagage minimum et conséquent, le traducteur de comics de super-héros se doit d'avoir en tête les liens entre chaque personnage, leurs rencontres passées, savoir si celles-ci sont toujours "canons" dans la chronologie DC, en plus des événements à grande échelle, comme les Crises, qui ont concerné plus d'une centaine de personnages à la fois. Je ne parle pas de posséder un Master en Chronologie DC... mais presque. Ce qui compte le plus à nos yeux d'éditeurs, en plus de la qualité littéraire de la traduction, c'est de maintenir le plus possible la cohérence de l'univers DC. Le minimum étant qu'un personnage ne change pas de nom d'un traducteur à l'autre. Là-dessus, je ne me fais pas trop de soucis. Les personnes avec qui nous travaillons, en plus d'être des lecteurs de longue date, ont créé de leur propre initiative un lexique de noms propres (certaines appellations seront rationalisées par rapport au passé. Par exemple, "Pile-ou-face" redeviendra le "Double-Face" qu'il n'aurait jamais dû cesser d'être) et de normes de langage (aaah, les niveaux de tutoiement/vouvoiement entre Alfred et les différents Wayne !). L'idée est que chaque traducteur en charge d'un titre du DCu possède un document auquel il pourra se référer en cas de doute. Bien entendu, cette "bible du traducteur" est soumise à validation et sera amenée à être régulièrement mise à jour.

Pour un éditeur, préparer une bonne traduction (ou du moins, la meilleure possible) se fait en amont. C'est là que le contact humain a toute son importance. Connaître non seulement le traducteur à qui l'on va confier un titre, mais aussi connaître ses goûts, ses genres préférés, sa "voix", c'est en général 70% du travail de fait. Concernant les titres du DCu, suivant la même volonté de cohérence, nous ferons notre possible pour conserver un traducteur par personnage et/ou par auteur ; le cas de Batman et de ses multiples séries étant évidemment particulier. C'est à la fois un confort pour le traducteur et un confort pour l'éditeur en terme de corrections à la relecture. Ensuite, dès la réception de la traduction, nous endossons notre rôle de premiers (re)lecteurs. Une sorte de premier "tamis" : nous corrigeons les éventuelles fautes d'orthographe et de syntaxe, mais surtout nous veillons à ce que l'adaptation soit fluide et ne vienne jamais sortir le lecteur de son histoire. Si l'expression d'origine est trop "visible" sous la traduction, trop littérale, nous la corrigeons et l'adaptons en quelque chose de plus logique pour un lecteur français. Cette étape de relecture "édito" est primordiale dans le processus. Il serait impensable qu'un éditeur laisse partir un livre en impression sans l'avoir relu personnellement. Et parce que la relecture est un métier à part entière, nous faisons appel à une équipe de relecteurs extérieurs. L'idée est qu'à chaque fois la traduction passe à travers un tamis aux mailles de plus en plus petites. Au final, sans compter les reports de corrections, une traduction est relue au minimum quatre fois.

- Peut-on déjà avoir une idée du délai moyen qui existera entre les publications américaines et leur parution dans les kiosques français ?

>>> Avec les titres du "New 52", nous nous plaçons automatiquement dans un délai minimum de 6 à 9 mois (je précise 6 mois car dans notre Anthologie DC Comics de février, vous aurez la possibilité de découvrir en avant-première la VF du Justice League #1). Cela s'explique par des nécessités liées à la qualité de la traduction, détaillées plus haut, aux délais de récupération du matériel US, à la chaîne du livre et aux processus techniques propres à chaque éditeur. C'est vrai qu'avec la culture du "tout immédiat", Internet et ses spoilers ne nous facilitent pas la tâche. Quand on pense qu'un événement en VO est annoncé sur le net alors que le précédent n'a pas encore terminé sa publication en France, c'est assez compliqué pour un éditeur de conserver une certaine fraîcheur lors de ses annonces. À l'éditeur français d'apporter le petit supplément qui donnera aux lecteurs l'envie d'attendre son édition. De la contrainte naît la créativité. ;)

- L'univers DC existe depuis fort longtemps et est donc naturellement assez complexe. Est-il prévu, pour faciliter l'arrivée de nouveaux lecteurs, d'ajouter quelques suppléments (expliquant le contexte, revenant sur le parcours de certains personnages...) aux différentes publications ?

>>> Oh que oui ! Comme je l'ai expliqué dans l'interview croisée entre Superpouvoir, Comicsblog, MDCU et ComicBox, ce genre de compléments éditoriaux m'a toujours manqué en tant que lecteur, particulièrement pour les publications DC. Bien entendu, à force de lire, on finit par comprendre les liens entre les événements et les personnages, mais c'est un travail laborieux qui constitue à raison un vrai repoussoir pour les nouveaux lecteurs. Le premier outil éditorial sera donc la distinction de trois grandes périodes durant les 75 ans du DC Universe. La période "Archives" s'étend de la création du premier super-héros à 1985, et englobe la période du Golden et du Silver Age. La période suivante, baptisée "Classique", débute donc en 1985 avec la première Crise de l'Univers DC - Crisis on Infinite Earths - et prend fin avec la dernière Crise de 2011, à savoir Flashpoint. En résumé, la période Classique regroupe tous les récits qui ont façonné le DCu tel que nous l'avons connu jusqu'à aujourd'hui. La troisième période est celle qui s'écrit actuellement depuis le Relaunch de septembre aux USA et que nous avons baptisée "Renaissance". Suivant ce classement chronologique, nous avons constitué trois collections principales (DC Archives, DC Classiques et DC Renaissance), auxquelles viendront s'ajouter des collections plus thématiques, comme la collection DC Signatures. Elle permettra au lecteur de suivre le run complet et dans l'ordre d'un auteur comme Grant Morrison sur un personnage comme Batman par exemple, ou encore Ed Brubaker sur Catwoman. Nous avons vraiment voulu faire de ces grands auteurs des points d'entrées dans l'univers DC au même titre que les héros qu'ils ont passé des années à animer. Nous aurons également une collection DC Anthologie qui, selon un thème ou personnage donné, sera transversale aux trois périodes, à l'image du titre DC Comics Anthologie. Nous avons d'autres idées de collections thématiques, mais tenons nous-en pour le moment à ces cinq premières. La chronologie, les collections et le rappel de leurs titres respectifs seront présents à l'intérieur de chaque livre. Le tout sera accompagné le plus possible de résumés, de fiches de personnages et de biographies. Les albums auront également une tomaison visible en couverture ainsi que sur leur dos (ou "tranche"). L'objectif est que chaque livre, même lu par un nouveau lecteur, offre suffisamment d'informations pour permettre une lecture autonome, ainsi qu'une parfaite compréhension des événements et de leur chronologie.

L'autre "supplément" adressé aux nouveaux lecteurs que l'on peut évoquer, et qui fait d'ores et déjà débat, est le format cartonné comics de nos ouvrages (type "Contrebande", pas de format cartonné franco-belge). C'est une façon pour nous d'installer durablement DC Comics en France, de faire passer le message que ces éditions sont là pour durer et qu'elles seront toujours disponibles. Si le format souple correspond bien à certains types de récits (je n'imagine pas, par exemple, Walking Dead autrement qu'en souple à rabats), il était important pour nous d'inscrire le comics, qu'il soit issu de Vertigo ou du DCu, comme une lecture de qualité, ce à quoi le format cartonné renvoie naturellement pour un lecteur français. Je précise tout de même que nos ouvrages ne seront pas tous cartonnés. Tout en suivant notre volonté d'inscrire nos albums dans la durée, nous serons néanmoins toujours amenés à réfléchir au format le plus adapté pour chaque type de récit.

- François, pour terminer, pourrais-tu nous citer un évènement DC ainsi qu'une série Vertigo qui t'ont particulièrement marqué en tant que lecteur ?

>>> La mort de Captain Marvel, sans hésiter !... Bon, plus sérieusement, je ne sais pas si c'est un "événement DC", mais un récit qui m'a marqué en tant que (jeune) lecteur, ça a été le Batman #251 de Dennis O'Neil et Neil Adams, où l'on voit le Joker comparer son sourire à celui, carnassier, d'un requin dans son aquarium géant. Ça devait être dans un recueil Aredit, je crois. Je me demande même s'il n'y avait pas du Tarzan en noir et blanc dans le même volume. Ah ça, et le récit de la Ligue de Justice dans lequel j'ai découvert l'existence de Starro, L'Étoile conquérante (au secours !). Plus récemment, les événements d'Identity Crisis m'ont pas mal marqué, parce qu'ils justifient et renforcent l'attitude paranoïaque de Batman, mais aussi parce qu'ils symbolisent à mon sens le premier dérapage consenti des super-héros. À partir de cette "petite" Crise, un cap a été franchi. Sur un plan édito, j'ai également compris que DC pouvait apporter une lecture aussi mature sur son univers et ses personnages que ce qu'avait fait Millar dans Ultimates. Sinon, le Arkham Asylum de Morrison et McKean m'impressionne toujours autant. Et puis, bien entendu, Batman Year One reste pour moi ce qui s'est écrit et dessiné de mieux pour un super-héros... enfin, pour le plus humain d'entre eux. Il n'est rien arrivé de mieux à Batman depuis... qu'Alex Toth l'a dessiné en couverture du Batman - Black and White #4, en 1996.

Côté Vertigo, si The Losers de Diggle et Jock a été ma première claque, c'est Scalped qui m'a achevé d'un bon coup dans les parties. L'écriture d'Aaron, son intelligence à utiliser les flash-backs, le travail sur les personnage secondaires, la noirceur de l'âme de Dashiell, la puissance du trait de RM Guéra, tout y est ! J'aimais beaucoup The Winter Men, pour le trait de John Paul Leon (mais c'était du Wildstorm, je crois). J'ai découvert sur le tard Sandman en VO, dans ses monumentales éditions Absolute (après avoir subi les éditions françaises dont je garde tout de même l'excellent souvenir de cet effroyable épisode où le Doctor Destiny passe quelques heures en compagnie des clients d'un diner). Je ne peux pas oublier Fables, que j'ai dévoré jusqu'au #70 et quelques et que je redécouvre dans les éditions Deluxe. L'idée de départ de Willingham était intelligente, mais son talent consiste à conserver cette étincelle après autant de numéros. Il réactive mine de rien tout un folklore international de croyances. C'est vivifiant ! Ah, et j'oublie le plus évident : Daytripper, de Gabriel Bà et Fabio Moon. En 2009, il y a eu Asterios Polyp de Mazzucchelli, en 2010, la mini-série Hellboy : The Storm de Mignola & Fegredo, et en 2011, Daytripper. Pour être honnête, à la moitié du TPB, je n'étais pas certain de ce que j'étais en train de lire. Et puis, passé le 7e numéro, ce bouquin m'a explosé à la gueule. Je parlais de claque plus haut, là, il s'agit plus d'une prise de conscience à la fois très personnelle et en même temps la sensation de saisir un message à la portée universelle. On sent qu'il y a eu du chemin parcouru depuis De: Tales. Comme Portugal de Cyril Pedrosa, Daytripper est un livre qui parle de mort, de générations, d'amour, d'amitié et de chemins de vie. Bon, dit comme ça, ce n'est vraiment pas faire justice au travail de ces auteurs remarquables. Ce livre est brillant. Peu de titres vous permettent de terminer votre lecture avec ce sentiment d'avoir découvert quelque chose en vous dont vous ne faisiez que soupçonner l'existence. Hum, ça sonne un peu mystique dit comme ça, mais j'ai réellement été emporté par ce livre. Vous aurez d'ailleurs l'occasion de juger par vous-même dès le mois de mars 2012.

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Merci encore à François Hercouet pour toutes ces précisions et sa disponibilité.

Voilà qui devrait rassurer les plus craintifs quant au sérieux avec lequel ce nouveau label va aborder l'univers DC et les séries Vertigo. Les nombreuses relectures mises en place semblent notamment aller dans le bon sens (à ce sujet, je précise que je ferai partie des correcteurs indépendants évoqués plus haut, ce qui me permettra de tenter, même de manière très modeste, de mettre en pratique des principes que je défends depuis maintenant plusieurs années).

Dans un autre registre, les différentes collections paraissent claires et leurs contenus logiques, ce qui n'est pas un mal tant leur multiplication peut parfois facilement perdre ou décourager certains lecteurs (cf l'usine à gaz du Guide de Lecture pour ce qui concerne le marvelverse en librairie).

Reste à attendre la sortie des premiers titres et donc à se donner rendez-vous en 2012 !

Charlie Hebdo : Non aux Allumettes !

2011-11-02T22:54:00.000+01:00

Bien souvent, lors de mes chroniques, il m'est arrivé de "prendre position". Pour ou contre un éditeur, un auteur, un genre même. J'essaie d'expliquer pourquoi, la plupart du temps, sans savoir si je parviens vraiment à démontrer quoi que ce soit.

Aujourd'hui, et bien qu'il m'en coûte, il ne s'agit pas d'une démonstration mais d'une nécessaire solidarité, inconditionnelle, avec des gens de lettres.

Je ne suis pas, ou plutôt ne suis plus, depuis très longtemps, un lecteur de Charlie Hebdo. Je pourrais tenter de vous expliquer pourquoi, mais là n'est pas la question. Je vais acheter le prochain. Et le suivant.

Pourquoi ?

Parce que faire taire un journal en brûlant ses locaux, ce sont des méthodes de voyous.

Parce que s'opposer à une idée en tentant de terroriser ceux qui la portent, ce sont des méthodes de salauds.

Même si parfois je rêve de mettre quelques coups de pied au cul, je pense n'être ni l'un ni l'autre et jamais il ne me viendrait à l'idée d'incendier un local pour imposer un point de vue.
Moi qui ai été "élevé" à la transgression, en me nourrissant chaque semaine d'un Hebdogiciel qui critiquait, dans le sens noble du terme, les jeux vidéo, les films, la musique et les BD, je ne peux qu'être choqué par la violence imbécile qui frappe la rédaction de ce journal.

Peu importe si ce titre, "Charia Hebdo", vous a fait rire ou grincer des dents.

Peu importe si vous pensez que la rédaction de Charlie exagère ou a raison.

Là n'est pas la question.

Là ne sera jamais, dans un supposé état de droit, la question.

La liberté de la presse, et des auteurs, est un bien précieux et fondamental.

C'est la liberté de parole, de pensée, celle qui ne coûte rien et qui pourtant fait si peur.

Il n'y aura jamais trop de transgressions.

Elles peuvent se contenir. Par le bon sens (il ne faut pas rêver), la déontologie (si seulement), la loi (plus souvent)...

Ce n'est pas parfait. Aucun système ne l'est. Parfois, des conneries sont dites, imprimées, balancées rapidement dans la masse, mais c'est le prix à payer. Mieux vaut beugler des énormités plutôt que de les taire par peur. Et mieux vaut des convictions plutôt que du vent et de la soupe tiédasse.

En gros, peu importe les idées, il n'est pas acceptable de recevoir une "baffe" (ou une balle) lorsque l'on ne rentre pas dans le moule étroit brandi par des abrutis, quel que soit leur bord.

Achetez Charlie Hebdo !

Il ne s'agit pas d'un message politique (au sens politicien) mais d'un défi, d'une manière de relever la tête, d'une façon de dire "ici, on imprime encore ce que l'on veut !"

Après, "ce que l'on veut", cela dépend, mais les limites, ce sont les tribunaux qui les fixent. Donc le parlement et ses lois.

Pas les connards qui jouent avec des allumettes.

Périclès a dit en son temps qu'il n'existait point de bonheur sans liberté, et point de liberté sans courage.

Je ne sais si les journalistes et auteurs de Charlie Hebdo avaient pour but notre bonheur, mais je sais que notre liberté passe maintenant par la leur. Aussi, ce modeste soutien n'est pas un acte de courage, c'est un réflexe vital, une tentative désespérée de vaincre les flammes et l'obscurantisme.

S'il faut voir dans la démocratie et ses tares un progrès et un seul, c'est bien celui d'avoir remplacé le silence du sang versé par le vacarme de l'encre.

Le papier n'a jamais évité les guerres, mais il rend la réflexion possible.

C'est cette possibilité qu'il nous appartient de protéger. Un peu. A notre niveau.

Best Comics - Avengers : Où va le monde ?

2011-11-02T16:27:00.004+01:00

Sortie aujourd'hui de Avengers : World Trust dans la collection Best Comics.

Une à une, les capitales du monde disparaissent, plongeant les pays, laissés sans dirigeants, dans le chaos. Pour faire face à cette situation, le secrétaire général des Nations Unies fait appel aux Vengeurs et leur demande rien de moins que de se substituer aux gouvernements.

Avec Captain America à leur tête, les plus puissants héros de la terre vont tenter de retrouver les villes volatilisées et leurs habitants, quitte pour cela à accepter de bien pénibles alliances.

Bientôt, ils découvrent que leurs ennuis proviennent d'une entité cosmique, l'Intermédiaire, qui incarne l'équilibre entre l'ordre et le chaos. Cet être s'est scindé en deux et est à l'origine des failles qui ont englouti les grandes cités du globe.

Reste aux Vengeurs à recoller les morceaux métaphysiques...

Grosse fournée ce mois dans la collection à petit prix de Panini. Celle-ci avait commencé avec des arcs plutôt récents et de bonne qualité (Spider-Man : La Grande Alliance, Green Lantern : Origine Secrète) et se poursuit avec cette histoire, plus ancienne et largement moins enthousiasmante.

Aux commandes, Geoff Johns (Blackest Night, Flash : Rebirth, Green Lantern : The Sinestro Corps War, Superman : New Krypton, Olympus, Green Lantern Corps : Recharge, Superman : Secret Origin) au scénario et Kieron Dwyer & Gary Frank au dessin. La saga comprend les épisodes #57 à #62 de la série Avengers (v. 3), ceux-ci datent de fin 2002/début 2003 et, pour donner un repère chronologique, se situent un peu avant le Règne de Thor.

Première constatation, Johns passe complètement à côté de son sujet. L'aspect politique, qui semblait pourtant au coeur de la saga, est complètement édulcoré. A aucun moment les Vengeurs ne gouvernent vraiment le monde, ni même ne semblent en avoir vaguement l'idée (on est loin de The Authority par exemple). Tout se limite à un vague effet d'annonce et se termine (aussi vite que ça a commencé) par la reconnaissance d'une extraterritorialité, le manoir des Vengeurs devenant une ambassade et sa souveraineté étant reconnue par l'ONU. Cette péripétie est d'ailleurs on ne peut plus improbable et mal fichue. L'on voit clairement dans le récit que le gouvernement américain ne se réjouit guère de cette décision et n'a aucune envie de voir les Vengeurs dépendre d'une autre autorité que la sienne. Du coup, comment l'ONU (organisation dans laquelle les Etats-Unis disposent d'un droit de veto) peut-elle déclarer indépendante une partie du territoire d'un état membre, et ce contre sa volonté ? Mystère.

La partie vilains & combats est franchement convenue et ennuyeuse, les scènes se révélant poussives et les dialogues d'une platitude incroyable (la VF ne doit rien arranger à l'affaire sur ce plan). Même si les thèmes oscillent vers ceux des comics modernes, la narration ne s'est pas débarrassée de tics d'un autre temps. Tics que Johns a d'ailleurs conservés, même s'il parvient maintenant (et encore, pas toujours) à les masquer un peu (on compare souvent le rôle de Johns chez DC à celui de Bendis chez Marvel, mais c'est un gouffre qui sépare les deux hommes au niveau du savoir-faire).

L'aspect relationnel parvient cependant à sauver les meubles de justesse. Les rapports entre la Vision et Wanda Maximoff, bien que peu creusés, préfigurent déjà les désastres futurs (cf House of M) et, surtout, les problèmes qui touchent le Valet de Coeur et l'Homme-Fourmi sont suffisamment bien amenés pour permettre de donner de l'épaisseur à ces personnages secondaires.

Le final, instaurant un parallèle entre ces deux protagonistes, est à ce titre exemplaire et émouvant. Mais deux planches sur six épisodes, c'est évidemment un peu court...

Les Avengers menés par Johns, surtout à ce prix, devraient trouver un nombre suffisant de curieux.

Malheureusement, cette sélection est bien loin de représenter la richesse de l'univers des Vengeurs ou le ton actuel des séries qui leur sont consacrées.

ps : pour une fois, je vais faire un peu de pub pour une excellente librairie : Hisler BD Bis, située à Thionville en Moselle (centre commercial Géric, zone du Linkling). L'accueil y est fort sympathique, le choix énorme et les vendeurs sont de vrais connaisseurs, aimables et efficaces. ;o)

Battle Pope : la série qui donne envie de devenir Pape

2011-10-26T17:20:00.002+02:00

Gros plan aujourd'hui sur Battle Pape, l'adaptation française de la série déjantée de Kirkman.

Le jour du jugement est enfin arrivé et le verdict de Dieu est implacable : l'humanité est recalée ! Sans religion, le monde est voué à sa perte, d'autant que les hordes infernales ont débarqué et que les démons côtoient maintenant les humains...

Lucifer, autrefois banni du paradis pour rébellion, est bien décidé à prendre sa revanche en volant le halo de saint Michel.

Heureusement, les forces du bien ont encore un champion : Oswald Léopold II, souverain pontife musclé et rock n'roll. Ce pape là fume, picole, se tape des tonnes de gonzesses, mais c'est le seul héros qui peut encore prétendre mettre au pas les armées de Lucifer.

Bientôt, le pape va être rejoint par Jésus en personne et même le Père Noël. Et la cohabitation n'est pas toujours facile...

Le titre était précédé d'une réputation plutôt sympathique, le voilà maintenant disponible en VF depuis quelques mois. Au scénario l'on retrouve Robert Kirkman (Walking Dead, Brit, Invincible, Haunt, Marvel Zombies, The Astounding Wolf-Man), alors que les dessins sont réalisés par son vieux compère, Tony Moore.

Abordons tout de suite le sujet qui fâche : la réalisation technique des éditions Stara. Pour une fois, ce n'est pas la traduction qui est en cause mais la qualité d'impression. Cette série a en fait été publiée une première fois aux Etats-Unis en noir & blanc, puis une version colorisée est parue chez Image. On aurait pu penser que l'on allait bénéficier de cette dernière mouture, et d'une certaine façon c'est le cas, mais l'éditeur a opté pour un choix des plus étranges en nous livrant une version noir & blanc... à partir des planches colorisées ! Evidemment, ce n'est pas du tout prévu pour et, tout aussi évidemment, le rendu est exécrable. L'ensemble est si sombre que certaines cases sont à la limite de la lisibilité.

Le seul moment où l'on peut se reposer les yeux, c'est lors d'une courte scène parodique dans laquelle le pape fait un cauchemar "en manga" (et donc en vrai noir & blanc) après avoir bouffé des sushi. Etant donné le prix tout de même très élevé de l'ouvrage (près de 30 euros), cette dégradation du matériel original est franchement regrettable.

Heureusement, ce Battle Pape présente également de nombreux points positifs. Son épaisseur tout d'abord. Avec plus de 360 pages, l'on a largement de quoi passer un bon moment. Contrairement à ce que l'on pourrait croire (ou craindre), il ne s'agit pas d'une charge contre l'Eglise mais bien d'une comédie, certes délirante mais presque bon enfant sur le fond. Et surtout, c'est souvent réellement drôle.

Bien sûr, certains passages peuvent être parfois un peu plus faibles, mais l'ensemble tient largement la route. Le tandem Pape/Jésus est d'ailleurs particulièrement bien trouvé. Si le premier est obsédé sexuel et à moitié alcoolo, le second est d'une naïveté incroyable (certains pourront même aller jusqu'à dire qu'il est con comme un balai), ce qui engendre les scènes ou répliques les plus réussies. Le coup du "je vais avoir un petit frère" ou la découverte du café sont par exemple franchement savoureux. Certains gags sont très visuels (l'expressivité des visages de Moore est excellente) et les meilleurs moments résident finalement dans la cohabitation improvisée entre Oswald et Jésus, surtout lorsqu'il faut faire la vaisselle ou ranger les fringues.

Les démons et autres saloperies ne sont pas en reste, les frères Zombies notamment, qui, s'ils sont stupides comme la plupart de leurs congénères, sont doués de la parole.

A qui est destiné ce comic ? Certainement pas aux enfants. Même si l'on est très loin du trash d'un Ennis, ça cause gras, ça nique dans tous les sens (et avec n'importe qui, beurk), bref, mieux vaut éviter de glisser ça entre deux Astérix pour l'anniversaire de votre petit neveu de huit ans. Pour ceux qui ne connaissent Kirkman que par le biais de sa série culte, Walking Dead, c'est l'occasion de découvrir une autre facette de l'auteur, déjà toutefois entrevue lors de la parodie, courte mais bien barrée, qui avait été publiée dans Les Chroniques de Spawn #35.

Et si vous avez un ami curé, vous savez maintenant quoi lui offrir pour Noël (si vous n'en avez pas, il vous reste deux mois pour aller traîner dans les églises). ;o)

Une série sans prétention, à la fois drôle et originale, qui souffre d'un traitement technique déconcertant mais demeure néanmoins un investissement conseillé, même si vous avez raté les dernières JMJ.

Astonishing X-Men : Xenogenesis

2011-10-24T16:09:00.002+02:00

Les mutants font une virée en Afrique dans Astonishing X-Men : Xénogenèse, une mini-série publiée en 100% Marvel.

D'étranges évènements se produisent depuis quelques temps à Karere, un petit village du Mbangawi. En effet, des bébés viennent au monde avec d'étranges pouvoirs, causant parfois des dégâts considérables, car si certains se contentent de flotter dans les airs ou d'être transparents, d'autres peuvent carrément exploser.

Une fois l'information parvenue aux X-Men, ceux-ci décident de partir enquêter sur place. Cyclope est à la tête du groupe et emmène avec lui Emma Frost, Tornade, Wolverine, Armor et Beast. Ce dernier est particulièrement intrigué en tant que scientifique car le gène X ne s'active normalement qu'à la puberté et non à la naissance. Mais l'équipe, devant faire face à l'hostilité des autorités locales, va vite découvrir que ces phénomènes cachent non pas un nouvel espoir pour l'Homo Superior mais bien une menace pour l'humanité entière...

Ces cinq épisodes sont scénarisés par Warren Ellis (No Hero, Black Summer, Océan, Ministry of Space, Freakangels, Transmetropolitan, Nextwave, Fell, New Universal) et dessinés par Kaare Andrews (Matrix, Spider-Man : Reign). Les couleurs, superbes, sont l'oeuvre de Frank D'Armata. Visuellement, Andrews mise sur une certaine irrévérence, notamment à propos de la pauvre Emma Frost, dont les formes exagérées lui donnent un aspect plus inquiétant que séduisant (Scott doit pouvoir faire le tour de sa taille avec le pouce et l'index !). La malchanceuse télépathe a même droit, sur une cover, à une sorte de bébé lézard qui lui gerbe directement dans le décolleté. Son image de femme fatale, glaciale et hautaine, en prend un coup. Les autres sont mieux lotis et particulièrement musculeux. Le style graphique est en tout cas vraiment séduisant.

Le récit a l'avantage d'être très accessible, sans grosses références à la continuité si l'on excepte un ou deux éléments comme la Ghost Box (invention du même Ellis, cf cette chronique) ou le fait que le groupe soit établi à San Francisco au moment des faits. Bien que le Mbangawi soit imaginaire, l'auteur parvient tout de même, par l'intermédiaire de Logan, à dresser un portrait sans concession des états bien réels qui l'entourent : le génocide rwandais, les enfants soldats du Burundi, l'Ouganda et ses réfugiés, la Tanzanie et sa population aux prises avec une terrible épidémie de sida... tous les pays de la région sont égratignés, le Mbangawi étant d'ailleurs désigné comme le "carrefour de la merde". Dans un autre registre, les scènes de combat se révèlent impressionnantes (mais néanmoins très lisibles, ce qui n'est pas toujours le cas) et la conclusion se teinte d'une certaine amertume.

Tout n'est cependant pas totalement noir et désespéré, Ellis parvenant à insérer quelques touches d'humour grâce à de savoureuses répliques. Il demeure également quelques petites incohérences, mais rien de dramatique. Par exemple, alors que Joshua N'Dingi dispose de moyens considérables et qu'il est déjà bien rafistolé, pourquoi diable conserve-t-il une tronche avec "dents apparentes" ? Au point où il en est, son toubib aurait pu lui faire un prix pour une petite chirurgie faciale réparatrice... et comment fait-il pour boire ou manger ? tout doit se barrer... enfin, bref, c'est plus amusant que véritablement gênant.

Des X-Men en grande forme et joliment mis en images.

La Mort de Spider-Man

2011-10-19T18:10:00.002+02:00

Le prologue de Death of Spider-Man figure au sommaire de l'Ultimate Spider-Man #10, paru hier.

Black Cat a dérobé la puissante Clé du Zodiaque, un artefact d'origine extraterrestre ayant autrefois appartenu au Caïd. Mysterio, connaissant la puissance de l'objet, va tout tenter pour l'acheter ou... le voler à son tour.

Pendant ce temps, Peter Parker doit, sur décision de Carol Danvers (cf cette chronique), patronne du SHIELD, suivre une formation auprès de super-héros confirmés. C'est Tony Stark, alias Iron Man, qui a été choisi pour donner ses premiers cours au Tisseur. Malheureusement, il n'a pas la moindre idée de ce qu'il est censé lui enseigner. Il se contente donc de lui faire visiter sa salle des armures, tout en lui apprenant que la plupart des surhumains estime qu'il est un danger potentiel.

Très vite cependant, le professeur improvisé et l'élève sont interrompus par une alerte signalant un flux d'énergie inconnu provenant de Soho.

Arrivés sur place, ils vont découvrir un quartier totalement ravagé...

L'on approche tout doucement de la grande saga Death of Spider-Man qui bouleversera totalement l'univers du Monte-en-l'air (difficile de ne pas en connaître les conséquences tant elle a donné lieu à un véritable tapage médiatique, et ce même au sein de journaux "généralistes", peu enclins d'habitude à parler de comics).

C'est bien entendu Brian Michael Bendis qui reste, au scénario, le maître d'oeuvre. Il est cette fois accompagné, au dessin, par Sara Pichelli et David Lafuente. Et graphiquement, il est peu de dire que le style de Pichelli s'avère bien plus agréable.

Les deux préludes dont il est question ici sont plutôt bien fichus et conservent un brin d'humour malgré la situation assez dramatique. Bizarrement, l'on peut faire un parallèle avec Fear Itself puisqu'il est également question d'une arme de nature surnaturelle et provenant d'Egypte (apparemment, c'est là-bas que tous les criminels vont cacher les saloperies qu'ils récoltent).

Il ne se passe pas énormément de choses finalement dans ces épisodes (l'aspect "instruction" aurait notamment pu être plus poussé) mais ils donnent envie de se jeter sur la suite, ce qui est bien l'essentiel. Et puis il y a évidemment cette tension particulière, liée au titre même de l'arc. Il faut souhaiter que, contrairement à la plupart des morts dans Ultimatum, celle du Tisseur soit lyrique, à défaut d'être durable.

Une entrée en matière qui prend un poids supplémentaire de par le fait de cette mort annoncée qui plane maintenant sur les planches.

Lancement de Fear Itself

2011-10-19T16:08:00.001+02:00

La sortie hier de Marvel Stars Hors Série #1 marque le début du nouvel évènement Marvel : Fear Itself.

Après la mort de Crâne Rouge, sa fille, Sin, aussi horriblement défigurée que lui, tente de récupérer une puissante arme, autrefois tombée entre les mains de son géniteur après quelques invocations et sacrifices.

Pour cela, elle est aidée par le Baron Zémo qui lui est quelque peu redevable depuis qu'elle lui a révélé des éléments compromettants sur le passé de Bucky Barnes, alias le Soldat de l'Hiver.

Ensemble, ils pénètrent dans une ancienne base de Crâne Rouge, située en plein milieu du désert égyptien...

Le premier hors série de Marvel Stars fait donc office de prologue à Fear Itself, le nouvel event de la Maison des Idées, qui débutera réellement le mois prochain.

L'essentiel de la revue est occupé par Fear Itself : Book of the Skull, un épisode scénarisé par Ed Brubaker et dessiné par Scot Eaton. Les auteurs s'attachent surtout à montrer comment, pendant la guerre, Crâne Rouge est entré en possession de l'arme évoquée plus haut.

Une intro plutôt sympathique et de fort belles planches.

Figurent également au sommaire deux courtes histoires ; Fear Itself : Sin's Past et A Little Help, tiré de I am an Avenger #5. Certains éléments du premier récit pourront surprendre car ils font références à des évènements encore non publiés en VF (et qui le seront seulement en décembre).

Enfin, l'on bénéficie également d'une petite interview de Matt Fraction, le grand architecte de Fear Itself. Celui-ci dévoile quelques informations sur la nature de la menace qui pèsera sur les héros. L'on apprend également que, bien qu'impactant tout le marvelverse, Fear Itself concernera en premier lieu Captain America et Thor, un choix logique puisque les thèmes choisis (Hitler, les divinités nordiques...) sont très liés à ces deux personnages.

Fraction promet également une série principale qui pourra se lire sans l'apport des tie-ins (comme c'est souvent le cas avec les events modernes) et des chapitres denses et riches en rebondissements. C'est en tout cas tout ce qu'il faut espérer.

Un hors série un peu mince mais plutôt alléchant.

Batman, manhua et snuff movies

2011-10-17T17:22:00.000+02:00

Petit retour sur Batman : Hong Kong qui entraîne le Dark Knight aux portes de la Chine.

Quand un hacker vient raconter au commissaire Gordon qu'il a été témoin d'un meurtre en direct sur internet, ce dernier a du mal à croire en la véracité des faits. Pourtant, rapidement, le témoin va subir le même sort que la première victime. Batman s'empare alors de l'affaire et va suivre une piste qui le mène tout droit à Hong Kong.

Sur place, Batman va trouver un étrange allié en la personne de Night-Dragon et, surtout, découvrir une guerre entre deux frères, l'un à la tête de la police locale, l'autre chef d'une triade. Les deux hommes partagent un lourd et noir secret qui les hante et les a séparés depuis longtemps.

Dans une ville qu'il ne connaît pas, au milieu de coutumes qui ne sont pas les siennes, Batman parviendra-t-il à retrouver l'auteur des atroces crimes filmés ?

Il n'y a pas que Marvel qui, avec sa collection Transatlantique, a souhaité laisser à des auteurs étrangers le privilège de donner "leurs" versions de ses plus illustres personnages. Il y a quelques années, DC Comics s'est également tourné, non pas vers l'Europe comme la Maison des Idées, mais vers le continent asiatique. Cela a donné quelques aventures assez particulières, publiées par Semic (et que l'on peut encore trouver facilement sur le marché de l'occasion).

Si Batman : L'Enfant des Rêves avait été entièrement laissé aux bons soins du japonais Kia Asamiya, un étrange tandem a été formé pour le Batman : Hong Kong qui nous intéresse ici. Le scénario a été confié à Doug Moench, un auteur bien américain, ayant oeuvré sur diverses séries Marvel et DC (Batman, Green Lantern, Thor, Moon Knight...), alors que c'est Tony Wong, star du manhua (BD chinoise), qui est chargé de l'aspect graphique. L'artiste a fondé sa propre maison d'édition, plusieurs de ses oeuvres ont été adaptées au cinéma, et il est connu pour des séries d'action, parfois très violentes, puisant logiquement dans les Wushu et la culture martiale chinoise. Pourquoi adjoindre un scénariste maison à un créateur déjà expérimenté si l'on veut obtenir un Batman qui sorte des sentiers battus ? Mystère.

Graphiquement tout d'abord, il est indéniable que le résultat est plutôt joli. Un Batman musculeux, à la cape qui n'en finit pas, enchaîne les poses dans des décors parfois magnifiques.

Le thème de départ est plutôt intéressant et l'on retrouve quelque peu l'âme de la subtile philosophie asiatique ("être moins qu'un homme pour devenir plus" par exemple). Malheureusement, les points positifs s'arrêtent là.

L'affaire de snuff movies, qui aurait pu être très sombre et bien convenir à l'univers du Dark Knight, s'avère vite secondaire et est remplacée par de la baston avec les classiques triades et par une histoire de vengeance familiale aussi caricaturale qu'inutilement ampoulée. Pire, Batman se comporte comme le plus crétin des touristes et "glisse" sur la culture chinoise sans jamais tenter de l'aborder, se contentant de reproduire le schéma qui était le sien à Gotham ("je collabore avec le patron de la police, je cogne, je cherche un interprète pour beugler des ordres aux civils...").

Au final, le dépaysement n'est qu'apparent et le récit aurait pu aussi bien se situer en Allemagne ou à Tombouctou (un comble lorsque l'on s'assure les services d'un artiste local).
Quel dommage que la démarche, pourtant louable, n'ait pas abouti à un meilleur résultat...

De jolies planches qui, là où l'on attendait une certaine profondeur, ne servent malheureusement qu'un exotisme de façade.

Marvel Icons : Iron Man #500 & New Avengers

2011-10-16T16:33:00.000+02:00

Double ration de New Avengers et un numéro anniversaire pour Iron Man dans le Marvel Icons #9 de ce mois.

Le mensuel commence par deux épisodes de New Avengers. Le scénario est de Brian Michael Bendis, les dessins sont de Daniel Acuña pour la première partie, puis de Mike Deodato et Howard Chaykin pour la seconde. Si Acuña et Deodato sont excellents, il est toujours aussi difficile de se faire au style de Chaykin (j'en ai déjà parlé ici ou là, je ne reviens donc pas là-dessus).

Niveau histoire, l'on a droit à une excellente scène d'ouverture entre Luke Cage et Jessica Jones. Les jeunes mariés parlent notamment de l'avenir de Jessica en tant que super-héroïne (en effet, les premiers pas de la jeune femme, en tant que Jewel, avaient été plutôt compliqués, cf l'excellente série Alias). Dans un registre plus léger, il est également question de son éventuel futur pseudo, un sujet qui semble beaucoup préoccuper l'ami Luke. ;o)

Après une petite confrontation avec l'un des doombots de Fatalis, l'on attaque le début d'un nouvel arc dans lequel l'équipe s'en prend à une milice formée, à partir d'anciens membres du HAMMER, par la très sexy Deirdre Wentworth, alias Superia (même les Vengeurs trouvent ce nom naze). L'intervention ne se passe d'ailleurs pas très bien et se termine sur une scène assez inquiétante...

Un mélange d'action et de dialogues sympathiques pour des épisodes plutôt agréables à lire.

On enchaîne ensuite avec Invincible Iron Man et notamment le numéro spécial fêtant le 500ème épisode de la série (qui retrouve donc sa numérotation originelle pour l'occasion).

Le scénario est écrit par Matt Fraction, les planches sont l'oeuvre de Salvador Larroca, Kano, Nathan Fox et Carmine Di Giandomenico. Dans son édito, Christian Grasse nous dit que l'aventure navigue entre passé et présent, eh bien c'est presque ça, puisqu'en réalité, le récit se déroule de nos jours et en 2052, donc dans... le futur. Mais bon, ce n'était pas facile, et puis il en a au moins un de bon (bien sûr je me risque ici à supposer que Grasse est issu de la même ligne temporelle que moi, dans le cas contraire, sa description pourrait être juste).

Le futur en question se révèle assez apocalyptique, le monde étant sous la coupe du Mandarin. Dans le présent, Tony Stark, aidé par Spider-Man, s'attaque aux "Bâtards de Wilbur Day", un groupe de fanatiques luttant contre la technologie "fasciste". L'on découvre peu à peu le rapport entre ces évènements se déroulant à des époques pourtant différentes. Rien de bien folichon à part une ou deux vannes et quelques scènes "calmes" parfois assez poignantes (les combats étant, eux, franchement brouillons).

A part l'exceptionnelle longueur de l'épisode, ce numéro #500 ne se démarque pas vraiment par ses qualités.

Signalons que la revue est plus chère que d'habitude (5,60 euros) car, selon le principe de l'anniversaire paninien, il faut payer les "cadeaux" que l'on reçoit. Oui, c'est mesquin, mais pas plus que de faire payer des épisodes qui, à la base, sont distribués gratuitement.

Un anniversaire un peu terne pour notre boîte de conserve mais les Vengeurs permettent de tirer ce Marvel Icons vers le haut.

PunisherMAX : Bullseye

2011-10-14T16:22:00.000+02:00

Le deuxième opus de la nouvelle série du Punisher vient de sortir et s'intéresse de près à Bullseye.

Le Caïd règne maintenant en maître sur les familles mafieuses de New York. Il est ainsi devenu une cible prioritaire pour Frank Castle. Pour liquider ce dernier, le gangster engage un tueur réputé : Bullseye.

Avant de s'attaquer au Punisher, l'assassin tente de comprendre sa manière de fonctionner, sa façon de penser. Petit à petit, il va se glisser dans sa peau et n'hésite pas, pour cela, à organiser le massacre de familles qu'il "emprunte" afin de reconstituer la mort des proches de Castle.

Peu à peu, Bullseye glisse vers la folie et en vient à admirer la machine à tuer qu'est le Punisher.

Castle, de son côté, va franchir une limite essentielle. Pour la première fois, il va s'en prendre à des flics. Et peut-être même devenir... un terroriste.

Après un très bon premier tome, les mêmes auteurs reviennent pour une suite tout aussi musclée et palpitante. Jason Aaron (Scalped) s'occupe du scénario et Steve Dillon est aux crayons. Avec Dillon, on sait que l'on ne va pas acheter ce comic pour la qualité des dessins. Ceux-ci sont en effet franchement médiocres, surtout (comme toujours) les visages, tous si semblables que l'on a l'impression de voir tout le temps une seule et même personne (le visage du Punisher, en plus gros, sert à faire celui du Caïd ou du chef de la police, sans les cheveux, il devient Bullseye, etc.).

Heureusement, malgré cet aspect graphique agaçant, l'essentiel se situe dans la plume d'Aaron.

Nous l'avions vu lors du premier opus, il s'agit ici de prendre des figures connues du marvelverse tout en gommant leur aspect super-héroïque (costumes, super-pouvoirs) afin de renforcer le côté polar "réaliste". Le portrait de Bullseye est à ce titre non seulement réussi mais également assez horrible. Le tueur à gages trimballe pourtant déjà une jolie réputation, et l'on a pu souvent constater sa noirceur, que ce soit dans la série Daredevil ou plus récemment lors de la période Dark Reign. Malgré cela, il semble ici plus dangereux et cinglé que jamais ! Au point presque de faire passer un Barracuda pour du menu fretin.

Evidemment, pour se hisser à la hauteur de son ennemi, Castle monte également dans les tours, franchissant ainsi des limites qui étaient pourtant jusqu'ici essentielles à ses yeux.

Une révélation importante (mais que l'on sentait venir) vient également clôturer cet arc et modifier radicalement la nature même du Punisher.

L'ouvrage est évidemment destiné aux lecteurs avertis. Non seulement les auteurs vont très loin dans la violence (avec des scènes de torture assez dures) mais ils n'hésitent pas non plus à faire dans le scatologique (même si c'est, heureusement, plus suggéré que montré).

Du lourd donc, mais au service d'un récit parfaitement mené et d'un affrontement démesuré entre deux personnages qui n'incarnent plus le bien et le mal mais seulement une violence sans contrôle et non tempérée par la morale.

Si Aaron voulait condamner les moyens employés par le Punisher, il s'y prend là d'une manière très habile, en évitant les niaiseries politiquement correctes et les vérités présentées comme absolues.

Bourrin dans la forme, plutôt subtil sur le fond, et globalement très addictif.

Le Coin des Spoilers

Il est intéressant de revenir ici sur l'un des aspects essentiels du mythe fondateur du Punisher : sa souffrance. C'est le massacre de sa famille qui fait de lui un être voué à l'éradication des criminels. Mais évidemment, si le raisonnement de Bullseye se révèle exact (et il semble avoir des arguments en sa faveur), alors cette souffrance est voulue et n'a plus le même impact, elle devient même quelque peu superficielle et fait de Castle un psychopathe du niveau de Bullseye. Et comment pardonner à Castle ce qu'il est censé, de manière cynique et volontaire, ne pas avoir empêché ?

L'approche est radicale mais a le mérite d'être nouvelle. Si elle fait du Punisher un type bien moins sympathique (et c'est un euphémisme !), elle contribue à le rendre effrayant et presque plus monstrueux que les criminels qu'il combat.

Pour ce qui est des mots que Bullseye chuchote à l'oreille du Punisher à la fin, je les ai agrandi et ça ne donne rien de précis (il est écrit, en tout petit : "-ce pas, mon v"). Est-ce n'importe quoi ou une vraie portion de phrase qui aurait un sens ? Mystère. Si quelqu'un a une hypothèse ou un début de réponse, qu'il ou elle n'hésite pas à se manifester. ;o)

(attention dans les commentaires, si vous émettez simplement des hypothèses, pas de souci, mais si vous apportez une information tirée de la VO, pensez à bien le préciser au début de votre message afin que ceux qui souhaitent éviter le spoiler puissent savoir à quoi s'en tenir, merci)

Justice League of America : Mesures Extrêmes

2011-10-13T12:40:00.000+02:00

Nouveau tome de la collection Anthologie DC avec la JLA de Morrison.

L'ouvrage comprend les épisodes Justice League of America #22 à #26, #28 à #31, et le numéro spécial JLA #1 000 000.

Le tout est scénarisé par Grant Morrison et dessiné par Howard Porter & Mark Pajarillo.

Graphiquement, pas de quoi sauter au plafond mais on a déjà vu beaucoup plus moche. C'est surtout la colorisation qui manque de nuances. Le récit, lui, est par contre assez typique de certaines productions des années 90. En gros, l'on va trouver surtout de l'action, de l'action et, entre les deux, pour souffler un peu, de l'action.

C'est donc essentiellement une foire aux ennemis, avec des créatures extraterrestres, des ultramarines, une menace venue de la cinquième dimension, bref, Morrison met en scène des gros bras et il doit les occuper. Niveau personnages, l'on retrouve les têtes d'affiche (Superman, Batman, Wonder Woman, Green Lantern, Flash...) mais aussi des seconds couteaux moins connus (Zauriel, Steel, Plastic Man...). La JSA fait également une apparition.

Etrangement, ces épisodes ont connu un certain succès à l'époque (expliqué en partie par le retour des poids lourds de DC au sein de la JLA). Pourtant, c'est assez pénible à lire. Il faut vraiment s'accrocher pour comprendre les motivations des protagonistes ou le déroulement de certains évènements, et l'auteur privilégie tellement l'action qu'elle en devient terne et lourdement répétitive.

Il n'y a rien de compliqué au niveau du contexte et du rapport entre les personnages, il n'y a simplement quasiment aucun échange en dehors du "comment on va latter ces mecs ?". Finalement presque l'inverse d'un Identity Crisis qui, bien que profond et subtil, permettait de rentrer dans l'univers DC avec facilité et enthousiasme.

Difficile également de retrouver la "patte" propre à Morrison. Le scénariste a fait du bon (Batman : Arkham Asylum, X-Men), du très mauvais (Kill your boyfriend), de l'excellent (We3), de l'insolite (The Mystery Play) mais il a rarement, comme ici, fait aussi plat et fade. Et même si quelques lignes de dialogues viennent parfois rappeler qu'un auteur est à la manoeuvre et apporter une touche d'humour, l'essentiel est bien trop rempli de vent et de combats insipides pour que l'on soit réellement embarqué, voire même simplement intéressé, par cette accumulation de péripéties douteuses. Même en prenant en compte le contexte et les impératifs de l'époque, cette JLA bruyante, brouillonne et conventionnelle au possible ressemble à une caricature du genre super-héroïque.

Difficile en tout cas de trouver en son sein le moindre début de plaisir de lecture.

Une sorte de son & lumière sur papier, sans aucun fond.
Soporifique.

Des Livres coupés à la Hachette

2011-10-12T18:25:00.004+02:00

D'aussi loin que je m'en souvienne, j'ai toujours été fasciné par les livres. Pas seulement les BD d'ailleurs. Non, ce qui m'intriguait vraiment, c'était cette bibliothèque aux rayons bien garnis par des ouvrages que je n'avais pas le droit de toucher. Parce qu'un livre, m'avait-on expliqué, ce n'est pas un jouet. Si tu ne sais pas lire, tu n'as pas à le tripoter !

Ma foi, ça se tient.

J'ai donc appris à lire très vite. Oh, pas que pour l'aura de mystère qu'exhalait la bibliothèque familiale, non, aussi pour Tintin ou Astérix. Parce qu'à l'époque, aux temps obscurs de mes premiers pas dans l'univers du papier, ma maman ne me lisait "que" deux pages par jour de mes BD favorites. Juste avant de me balancer dans un lieu bruyant dont, déjà, j'avais horreur.

L'école.

Maternelle.

Heureusement, j'ai pu me débrouiller rapidement pour ne plus être dépendant d'un adulte lorsque j'avais envie de me plonger dans l'Aventure et j'ai donc lu mes premiers romans (pour enfants) très tôt. J'avais enfin accès aux livres de la bibliothèque ! Elle n'était pas encore rose ou verte à l'époque puisque les ouvrages du Club des Cinq, par Enid Blyton, que je découvrais étaient anciens (et possédaient une couverture blanche). Ils avaient déjà été lus mais étaient en bon état. Normal, c'est ma maman qui les avait achetés, ou gagnés dans sa jeunesse (oui, à l'époque, les professeurs avaient parfois l'idée folle de récompenser les bons élèves par des livres !). Et, comme je le ferais par la suite, elle leur avait accordé une importance suffisante pour ne point les écorner ou leur faire l'offense d'une tache quelconque.

Aujourd'hui, je n'ai pas loin de 40 ans, j'ai dû tourner des centaines de milliers de pages et si je devais faire un top 10 de mes plus beaux et intenses moments de lecture, romans et BD confondus, je pense que deux ou trois, au moins, seraient issus de cette époque incroyable où je lisais non pas sous la couette mais sous de lourds édredons, au contenu douteux (pas possible que ce soit des plumes pour être aussi lourds !).

Par contre, il ne faut pas se laisser aller à croire que mon cas était exceptionnel. J'ai eu accès à la lecture parce que mes parents (pourtant pas issus d'un milieu favorisé et n'exerçant pas de professions intellectuelles) m'y ont donné goût, parce que des éditeurs proposaient des oeuvres magnifiques, traduites de manière magistrale (Buckeridge traduit par Olivier Séchan ne perdait rien de son aura !) et parce que la société dans son ensemble valorisait encore l'écrit. Et puisque le contexte est important, pourquoi ne pas évoquer les usages actuels ?

J'en ai déjà un peu parlé, ici ou là, à l'occasion de sujets sur certaines dérives éditoriales, mais je n'avais jamais vraiment consacré un article aux romans destinés à la jeunesse (qui sont, à certains égards, pour l'adulte ignorant, fort proches de la bande dessinée de toute façon, autrement dit peu dignes d'intérêt).

Lire est important (je ne reviens pas sur l'importance des mots, déjà évoquée ici). Parce que cela permet de se forger l'esprit, de s'instruire, de découvrir des tonnes de choses, de s'évader, de se construire un imaginaire...

Mais lire est aussi, et avant tout, un plaisir. C'est, à mon sens, ce qui a été écarté (par bêtise, par nonchalance, puis par appât du gain) du domaine du Livre : le plaisir.

Il existe de mauvais jeux vidéo, de mauvais films, mais en général, aucun gamin n'est rebuté, à la base, par une antique cartouche ou un DVD. A l'inverse le livre, parfois, fait peur. La lecture apparaît comme une corvée là où elle devrait faire s'agrandir les regards. Non de stupéfaction mais d'envie !

- Tiens, aujourd'hui tu vas aller bêcher le jardin, tu feras la vaisselle et tu liras un livre.

- Oh non, papa ! Pourquoi un livre ? Qu'est-ce que j'ai fait ?

Ne pas lire, ou ne plus avoir envie de lire, n'est pas une conséquence réelle de la "modernité" ou de l'évolution technologique des supports. Tout comme nos passions anciennes pour les romans n'étaient en rien liées à une nature innée et fondamentale ou à l'absence de media concurrents. Derrière une adhésion, puis un accès au plaisir, il y avait une initiation, une approche intelligente permettant de fournir aux jeunes lecteurs des romans soignés, correspondant à leurs envies et à leur âge, mais ne saccageant pas la langue pour autant.

Ce travail, aujourd'hui, est souvent ignoré. Pire : l'on piétine les oeuvres anciennes (et plus spécifiquement une collection bien connue) qui, elles, avaient encore un pouvoir de séduction. Et au lieu de ravaler les façades, de mettre un peu de vernis sur la forme, l'on s'attaque au fond, en le dénaturant et en le rendant fade et sec.

J'en veux pour preuve le Club des Cinq évoqué plus haut. Les ravages actuels sur les textes originaux sont proprement ahurissants : on supprime certains temps (pour tout mettre au présent), on coupe des phrases, on remplace des mots, on élague des pages, on rajoute des illustrations... en somme, l'on fait tout pour que cela soit court (cf la différence d'épaisseur, ci-contre, entre des éditions séparées de quelques dizaines d'années), simple, purement descriptif, sans style, sans âme, bref, pour que cela n'ait pas l'air de romans. Ce qui entretient l'idée absurde que le roman est par nature rébarbatif.

Une démarche difficile à croire de la part d'un éditeur... et pourtant !

Autre exemple, plus récent cette fois, donc non charcuté mais "bénéficiant" du même traitement : Spider-Man dans la Bibliothèque Verte actuelle (qui n'est que l'ombre de ce qu'elle fut, évidemment).

L'on nous dit, en quatrième de couverture, que le public visé est les 8-10 ans. Bon, ok.

Déjà, le livre est d'une minceur extrême. En gros un demi-centimètre en comptant la couverture. Un peu bizarre non ? Si c'est bien, on n'a pas envie que ce soit torché en 10 minutes. Enfin, bon, admettons.

Première surprise, la taille de la police choisie est assez... étonnante. En même temps, c'est bien, papy n'aura pas besoin de ses lunettes s'il lui prend l'envie de lire également les aventures du Tisseur.

Autre astuce pour rendre le livre moins "livre" en apparence : les illustrations sont systématiques, à toutes les pages. Elles prennent d'ailleurs parfois jusqu'à la moitié de la page. Et quand l'on n'a pas de cases ou de vraies illustrations à ajouter, hop, on fourgue un logo, une toile d'araignée, un brin d'ADN, n'importe quelle connerie qui fera office de remplissage du moment qu'il ne s'agit pas de mots.

Pour ce qui est du texte (écrit par Nicolas Jaillet dans ce cas), il n'est pas spécialement mauvais (pas de fautes, de coquilles, d'approximations). Non, il est simplement d'une pauvreté aussi violente que voulue. Signe des temps, toute la narration est au présent (ah ben l'imparfait ou le passé simple, c'est trop dur pour les gamins ! à quand la suppression de ces temps dans le programme scolaire ?) et des onomatopées subsistent dans le texte (du style "blam", qui évoque une porte qui claque, autant de mots d'économisés).

Le bilan fait forcément un peu peur. Je comprends les besoins mercantiles, mais je réfute les moyens employés, d'autant que sur le long terme, ils aboutiront au naufrage des éditeurs.

Il faut quand même revenir un instant sur la stupidité incroyable de la démarche.

Des mecs constatent que les enfants ne lisent plus autant et, pour relancer la machine, ils essaient de faire en sorte qu'un livre soit... le moins possible un livre.

Un peu comme un suppo (ah, j'espère qu'il n'est pas trop gros !).

Imaginons le même principe transféré dans le monde du football. Bon, je n'aime pas trop le foot moi par exemple, mais si demain la FFF nous pond des matchs de 20 minutes, avec six joueurs, sur des terrains de cinq mètres sur trois, ben... je n'irai tout de même pas les voir. Je m'en fous que ce soit court. On peut même remplacer les joueurs par des nains, c'est le principe que je n'aime pas.

Donc, très logiquement, aucun ponte du foot n'a l'idée d'adapter les règles pour ceux qui ne vont jamais au stade et ne regardent pas le championnat à la télé.

Ben, dans le monde de l'édition, les mecs ont eu l'idée inverse.

C'est à dire qu'un jour, quelqu'un s'est pointé, je sais pas, une sorte de prix Nobel en puissance, il a sorti un truc du genre "mais... y'a qu'à faire croire que les livres c'est pas des livres", et un type a répondu "banco, ouais, c'est ça qu'il faut faire !"

Evidemment, ce genre de "roman" ne peut absolument pas convaincre un gamin de l'intérêt de la lecture. Parce que tout ce qui fait l'intérêt du roman est absent de ce livre oppressé, censuré, violenté, dépouillé de ses littéraires attributs !

Non seulement ceux qui ne voulaient pas lire ne liront pas, mais, pire, ceux qui auraient pu aimer ça ne seront pas tentés non plus (étant donné que le roman n'exploite pas les qualités inhérentes à ses particularités d'écriture).

Hachette n'est pas la seule maison (et de loin !) à flirter avec cette apparente facilité. Etrangement, un grand nombre d'éditeurs sont occupés, à l'heure actuelle, à détruire ce qui fait leur intérêt, leur particularité, leur éternité. Et certaines microstructures, sans auteurs visionnaires, sans cadres expérimentés, sans tâcherons (le mot semble péjoratif mais ils sont essentiels) occupés à mettre de l'huile dans des rouages oubliés (voire inconnus), renforcent encore le sentiment de décrépitude.

Il n'est pas possible toutefois de condamner ou d'éructer dans une seule direction.

Nous sommes tous coupables, à des degrés divers.

En tant qu'auteurs, lecteurs, parents, professeurs, éditeurs, traducteurs, imprimeurs, journalistes, directeurs de collection, correcteurs, consommateurs, citoyens, passionnés, nous avons laissé le livre pour enfant se plier à des contraintes qui ne devraient pas être les siennes. Et nous avons laissé le sublime domaine du Papier dépérir.

Nous avons laissé à des ignorants le pouvoir de nous dire que nous avions fait notre temps, sous prétexte que nos pages jaunissaient. Là où nous aurions dû nous enorgueillir des coups de langue des horloges et des baisers du soleil, nous nous sommes recroquevillés, comme honteux.

Et maintenant que les adeptes de l'apparence sont - presque partout - aux commandes, que reste-t-il de ces trésors anciens qui forgeaient carrières et passions ?

Les livres pour enfant méritent-t-ils vraiment d'être réduits, simplifiés, aseptisés ? Expurgés du rêve qui les animait naguère ? Vidés de leur essence véritable ? Les enfants ne sont pas des demeurés ! Ils peuvent lire des verbes conjugués au passé (lire est d'ailleurs le meilleur moyen d'apprendre à manier un verbe) et n'ont pas besoin d'images grotesques qui viennent rogner les pages, comme pour les soulager d'une corvée.

Un Livre est une fenêtre sur autre chose. Une porte pour s'enfuir. C'est surtout une brique essentielle permettant à un enfant de pouvoir bâtir à son tour, que ce soit un raisonnement, une rédaction ou une simple lettre. Lézarder ce qu'il offre, ce n'est pas seulement fragiliser les fondations de la culture, c'est priver toute une génération de lecteurs de la plus essentielle des architectures : celle qui permet d'élever son esprit et de prendre, en plus, un plaisir immense lors de cette ascension.

Les enfants restent un public particulier qu'il faut soigner, tout simplement parce que c'est de leurs premières expériences de lecture que dépendront la taille des bataillons de futurs lecteurs adultes. A moins qu'un jour, quelqu'un ait l'idée d'adapter la même méthode aux parents. En arrachant des pages, en supprimant des lignes, en ne conservant qu'un seul temps...

Peut-être que finalement, la seule erreur dans les prévisions d'Orwell, c'est la date.

Marvel Heroes : Vengeance et Ethique

2011-10-10T17:12:00.004+02:00

Joyaux de l'Infini, Dévoreurs de Monde et leçons d'éthique sont au menu du Marvel Heroes #9 de ce mois.

Le revue commence par deux épisodes de la série Avengers (notons que Panini s'est trompé dans les covers en publiant en fait les bons numéros, #10 et #11, mais de la mauvaise série, en l'occurrence The New Avengers).

Le scénario est de Brian Michael Bendis, les dessins de John Romita Jr. Ce dernier a toujours autant de mal avec les visages des personnages, surtout féminins. Le deuxième épisode a la particularité d'être presque entièrement dessiné en pleines pages. Certaines sont d'ailleurs plutôt pas mal (à moins d'être vraiment allergique à son style assez particulier), mais s'il lui faut une case par page pour faire un boulot correct, on n'est pas rendu...

Niveau récit, l'on retrouve Hood qui tente de réunir les Joyaux de l'Infini, de jolies pierres de toutes les couleurs - et à la puissance phénoménale - qui ont été dissimulées par les Illuminati (cf la mini-série New Avengers : Illuminati).

Evidemment, ce n'est pas tellement du goût de Steve Rogers qui reproche à Tony Stark d'avoir de nouveau magouillé dans son dos. Une attitude qui nous vaut une remarque assez drôle de Spidey, faisant toujours office de petit rigolo au sein du groupe.

Tout cela n'avance pas énormément et propose essentiellement de la baston. Même le cliffhanger final, avec l'arrivée d'un personnage important, semble un peu prévisible.

On poursuit avec Thor, écrit par Matt Fraction et dessiné par Pasqual Ferry. Thor a réveillé son petit (c'est le cas de le dire !) frère Loki afin de lutter contre une lourde menace qui déferle sur les Neuf Mondes. Pour protéger Asgard, il a même tiré des limbes son si sympathique pôpa, Odin en personne.

Le titre est très axé heroic fantasy en ce moment, le seul élément moderne de l'épisode étant une petite virée en bagnole.

Rien de vraiment bien palpitant.

On passe ensuite à Avengers Academy, probablement le meilleur titre Avengers actuel. Le scénario est de Christos Gage, les dessins de Mike McKone. Dès le départ (cf cette chronique), Gage a su rendre la nouvelle équipe attractive grâce à un savant dosage de drame, d'humour et d'action mais aussi en creusant la psychologie de ses personnages, que ce soit les élèves ou leurs professeurs.

L'épisode du mois revient sur l'agression dont avait été victime Tigra (cf Marvel Icons v. I #40). A l'époque, Hood (encore lui !), s'en était pris à elle afin de faire passer un "message" et de s'imposer comme le boss des criminels masqués. Et malheureusement, la vidéo de ce moment douloureux aboutit sur youtube, ravivant chez Tigra de bien pénibles souvenirs.

L'auteur réalise ici une petite prouesse en mettant en avant un sujet grave tout en conservant rythme et qualité des dialogues. A travers la réaction des élèves et celle de Tigra, Gage aborde le sentiment de culpabilité des victimes de viol ou d'agression, mais aussi l'incompréhension, voire le rejet souvent inconscient, que peuvent manifester parfois leurs proches. Tigra, personnage plutôt fade et méconnu, prend ici une dimension particulière et s'avère même touchante à plusieurs reprises. On sent également une véritable dissension au sein des apprentis Vengeurs, même parmi ceux décidés à mettre sur pied une expédition punitive, chacun ayant sa propre approche ou un ressenti particulier.
L'on a également droit au traditionnel laïus sur les valeurs super-héroïques ("si tu fais ça, tu deviendras comme eux", "on vaut mieux que ça", etc) mais il est cette fois asséné avec tant de conviction qu'il en devient crédible (et surtout, cette position idéologique a ici une conséquence imprévue et très importante).

Bref, une excellente série, toujours aussi passionnante. On attend avec impatience le Hors Série, prévu pour le début de l'année prochaine, qui réunira les six épisodes de Avengers Academy liés au futur event Fear Itself.

Une fournée automnale très largement dominée par les jeunes recrues de l'académie. La série de Gage, alliant fraîcheur et intelligence, justifie à elle seule l'achat du mensuel.

Fantastic Four : Three

2011-10-07T13:16:00.013+02:00

Retour sur le Marvel Icons Hors Série #22 de septembre et sur la fin tragique de l'un des Fantastic Four.

Un évènement de taille a eu lieu le mois dernier dans la série Fantastic Four. Il était difficile d'en parler sans dévoiler l'essentiel du récit, aussi il m'a semblé nécessaire de temporiser un peu afin de laisser aux lecteurs le temps de terminer la saga Three, scénarisée par Jonathan Hickman et dessinée par Steve Epting et Nick Dragotta.

Le nom de cet arc est plus que symbolique puisque, évidemment, il évoque la perte de l'un des membres mais il permet également de rendre compte de la dispersion de l'action, les FF étant occupés à gérer trois menaces différentes, sans pouvoir faire front commun.

Alors que Reed tente de sauver les habitants du Nu-Monde, menacés par Galactus, la jolie madame Richards, de son côté, joue les médiatrices entre Namor et les anciennes tribus d'Atlantis.

Ben, qui a retrouvé une apparence humaine pour une semaine, reste, lui, en compagnie de Johnny Storm. Les deux amis profitent de l'aspect plus discret de Ben pour faire la fête et s'adonner à des activités "normales". Malheureusement, le calme ne va pas durer et ils vont bientôt devoir lutter contre les armées d'Annihilus, menaçant de nouveau d'envahir le monde.

Ces épisodes sont assez classiques au niveau de la thématique : mondes lointains, races étranges, exploration et science, autant de domaines fondateurs pour les FF. En guest, l'on retrouve d'ailleurs nombre de personnages importants pour le groupe : Galactus, le Silver Surfer, Fatalis ou encore Namor. Un retour aux sources presque pour cette conclusion qui signe la fin de la série (qui va en fait connaître un relaunch sous les simples initiales FF, signifiant Future Fondation).

Mais venons-en à l'essentiel, c'est à dire l'identité du personnage qui quitte le groupe. Il s'agit de Johnny Storm, alias la Torche ! Si sa fin manque un peu de panache (on aurait pu penser qu'il allait griller un maximum d'insectes avant de passer l'arme à gauche), le dernier épisode, sans dialogue, installe une véritable émotion et renforce l'impact de cette disparition violente. Ben Grimm est des plus émouvants, et l'auteur parvient également à inverser les rôles entre Reed et Sue. Cette dernière, pour faire face à sa peine, s'enferme dans un champ de force et semble inaccessible alors que c'est d'habitude Reed qui est si souvent dans sa "bulle", coupé de sa famille par des préoccupations d'ordre supérieur.

Le drame est donc plutôt bien mis en scène et parvient à toucher le lecteur, tout cela serait parfait si l'on n'était pas déjà certain du futur retour de Johnny. Comment en effet penser que Marvel, spécialiste des retours en tout genre, pourrait se priver durablement de la Torche ?

La dernière fois que l'éditeur a mis en scène la mort de l'un de ses personnages de premier plan, c'était Captain America, peu après Civil War. Là encore cela avait donné lieu à des réactions touchantes (cf Fallen Son). Mais depuis, Steve Rogers va beaucoup mieux (son retour a eu lieu dans Captain America : Reborn) et il officie même de nouveau au sein des Vengeurs, ce qui contribue forcément à donner un aspect bien factice aux larmes versées à l'époque.

Marvel a fait le choix (discutable et très regrettable tant il était pourtant envisageable de donner à un héros phare plusieurs identités civiles lors de sa carrière éditoriale) de ne jamais tuer ses personnages, malgré tout, l'éditeur continue à théâtraliser des morts qui se "soignent" comme de simples rhumes, misant tout sur la bonne volonté de lecteurs qui se plieront à ce jeu de dupes. Reste à savoir jusqu'à quel point.

Toujours est-il que Hickman, en un an (cf le début de son run dans Marvel Icons #64), aura su mener sa barque avec habileté et redonner de l'intérêt à une série qui en a parfois manqué.

Si l'absence de Johnny Storm ne devrait qu'être temporaire, elle aura tout de même des conséquences immédiates sur la future série et, notamment, la composition de l'équipe. Un nouveau membre va en effet faire son apparition. Ceux qui ne connaissent pas encore son identité peuvent aller fouiner dans cette section (attention, le simple fait de cliquer sur le lien vous donnera l'identité du nouveau membre) et découvrir également la nouvelle tenue de l'équipe, à retrouver dans Marvel Icons (v II) #12 en 2012.

Une saga qui restera dans les mémoires jusqu'au moment où une résurrection providentielle en anéantira l'intérêt.

Les plus grands dessinateurs dévoilent leurs secrets #1

2011-10-05T19:58:00.003+02:00

Toi aussi tu veux faire carrière comme dessinateur chez les plus grands éditeurs américains ? Tu veux, comme Stan Lee, devenir un gentil papy à moustache qui apparaît dans plein de films ? Eh bien réjouis-toi, jeune fripon, car Univers Marvel & autres Comics te dévoile, à partir d'aujourd'hui, les secrets des artistes en vogue !

Nous commençons avec la Azaceta Marvel's Method, volume #1, qui va te permettre de réaliser des bébés à tête de toast.

Attention, si tu veux faire du dessin ton métier (ton gagne-pain dirons-nous !), il te faut suivre scrupuleusement la méthode de Paul, en quatre points.

1. Munis-toi d'un toast et fais-le griller. Si le langage américain ne t'es pas familier, prends simplement le dessus d'un croque-monsieur et mets-le au four jusqu'à ce qu'il soit idéalement doré. Prends-le en photo, sur fond blanc. Ton dessin est terminé. Mais, pour réellement le rendre attractif et l'élever au niveau des professionnels, il reste encore quelques étapes !

2. Tu as placé ton jpeg sur ton PC (ou tu as scanné ton toast). Tu vas maintenant passer à l'encrage, sous photoshop. Il te faut en effet délimiter le visage du personnage, mais aussi lui donner toute sa personnalité grâce à des traits (4 dans l'idéal).

Découpe bien ta tranche de croque-monsieur en suivant ses imperfections (petite astuce pour plus de réalisme !). Ensuite, place les yeux, le nez et la bouche. Pour les yeux, dessine deux petits traits horizontaux. Pour le nez, dessine un petit trait horizontal. Pour la bouche, attention, c'est plus difficile... non, je blague, dessine un petit trait horizontal.

Tu viens de créer ton personnage et de lui donner sa personnalité.

3. Ce n'est pas tout, tu dois maintenant réaliser des effets spéciaux, en post-production, ce qui permettra à ton travail d'atteindre une qualité publiable. Grâce à divers logiciels, tu vas modifier la taille de ton bébé, incliner sa tête (pour ensuite la placer idéalement dans ton dessin), puis, lui rajouter des éléments qui augmenteront le niveau de réalisme ; une oreille par exemple.

NB : petite difficulté, l'oreille ne peut pas vraiment se dessiner comme les yeux, le nez et la bouche. En effet, elle demande une sorte de courbe qui n'est pas évidente à réaliser du premier coup. Utilise autant de ctrl-Z qu'il le faudra ou, sinon, ne t'embarrasse pas d'une oreille que seuls les aficionados du détail remarqueront.

4. Bravo, comme Paul Azaceta dans Amazing Spider-Man, tu as réalisé ton premier bébé à tête de toast ! Tu as maintenant le niveau d'un dessinateur Marvel en ce qui concerne les bébés.

Entraine-toi, encore et encore, et ne rate surtout pas les futurs numéros, avec notamment :

- Comment dessiner un Harry Osborn étonné, en 7 étapes

- Comment dessiner un Peter Parker à grandes oreilles, en 5 étapes

et surtout, notre grand numéro hors série spécial "je gagne ma vie sur un malentendu" :

- Comment dessiner comme Romita Jr en trois minutes

ps : les plus pointus auront remarqué que le bébé et l'armure d'Iron Man, Mark I, peuvent se dessiner en partant de la même base.

Spider-Man : Origin of the Species

2011-10-05T18:08:00.000+02:00

Un contenu un peu particulier pour le Spider-Man Hors Série #35 de ce mois.

En règle générale, les Spider-Man Hors Série accueillent des sagas un peu à part, permettant de revenir sur l'un des aspects ou des personnages de l'univers classique (Jackpot, dans le HS #34, American Son, dans le HS #33, ou Venom, dans le HS #28), de revisiter un récit bien connu (la Saga du Clone, dans le HS #32), ou de faire se télescoper des univers différents (rencontre avec Red Sonja, dans le HS #26, ou entre l'univers classique et celui de Spider-Man 2099, dans le HS #29).

Ici, pour appuyer son opération Flash-Forward (consistant à réduire l'écart entre les publications américaines et la VF), Panini a décidé de publier un arc entier issu de la série phare du Tisseur, Amazing Spider-Man. Pour les lecteurs qui d'habitude ne suivent que ce titre, publié dans la revue Spider-Man, il faudra donc d'abord lire la fin de One Moment in Time (et surtout s'arrêter à ce récit) dans le Spider-Man #141, puis suivre les évènements de ce hors série (qui comprend les ASM #642 à #646), avant de revenir au Spider-Man #141 pour y découvrir la suite, c'est à dire l'épisode #647 de Amazing Spider-Man.

Pour les fans de la série historique du Monte-en-l'air, voilà un mois bien rempli !

L'arc qui nous intéresse aujourd'hui est scénarisé par Mark Waid et dessiné par Paul Azaceta et Matthew Southworth. En ce qui concerne l'aspect visuel des pages intérieures, contrairement aux fort belles covers, ce n'est pas vraiment la joie. Les visages surtout sont d'une rare laideur, mais certains effets sont également complètement ratés (si les pouvoirs d'Electro sont plutôt mis en valeur, les frappes de l'Homme Sable ne ressemblent pas à grand-chose). L'encrage, souvent grossier, n'arrange rien à l'affaire. Je vous laisse découvrir quelques cases en exemple, à la fin de l'article.

Le récit, heureusement, est lui plutôt bien fichu.

Menace, l'ex petite amie d'Harry Osborn, enceinte de son père (Norman donc, cf Spider-Man #124), accouche en plein Coffee Bean, alors que Peter tente de draguer Carlie Cooper. Du coup, Spidey entre en scène et devra se coltiner le bébé, cible d'un tas de super-vilains (le Shocker, Octopus, Tombstone, le nouveau Vautour, Spot et bien d'autres) qui souhaitent mettre la main dessus.

Du Spider-Man classique, avec énormément d'ennemis, une grosse révélation finale et un brin d'humour. Le début est notamment assez drôle. Peter, sans emploi depuis que Jameson l'a viré, n'arrive pas à payer sa part du loyer (oui, à son âge, et vu ses pouvoirs et son QI, c'est lamentable, mais bon, il paraît que ça fait partie des "fondamentaux" du personnage), du coup, sa colocataire, à bout de patience, a vendu ses fringues. Il se retrouve donc en pull (et encore, un gag gift) par une chaleur épouvantable.

Ceci dit, c'est en voyant ce pull, censé être ringard, que je me suis rendu compte que ceux que m'achetaient ma grand-mère (en étant très sérieuse), lorsque j'étais petit, étaient bien pires encore. Oui, j'ai connu pas mal de souffrances vestimentaires étant jeune. Dont les fameux pantalons qui grattent ou les sous-pulls qui électrisent les cheveux (tiens, ils n'en parlent pas de ça dans Nos Années Strange, ça m'a marqué moi pourtant).

Du bon Waid, avec de la vanne et de la castagne, mais qui aurait mérité un dessin d'un autre niveau.

Quelques exemples issus de ces épisodes

Peter Parker et Betty Brant. Même Tobey McGuire a une bonne tête en comparaison...

Un Spidey difforme.

Oui, à première vue, c'est l'Homme Sable dessiné par un enfant de 5 ans... mais où est donc passée l'impression de puissance qui se dégage normalement des coups du personnage ? Les trucs qui lui sortent des bras ressemblent à... des jets de pisse !

Une petite compilation de trois Harry Osborn. Toi aussi, amuse-toi avec tes amis en tentant de déterminer lequel est le plus laid et gagne un bébé à tête de toast, comme dans la première case !

Nos Années Strange

2011-10-03T16:14:00.001+02:00

L'on s'embarque pour un voyage dans le temps et dans la pop culture avec Nos Années Strange, disponible depuis quelques jours chez Flammarion.

C'est à toute une époque, et même à un énorme pan du genre super-héroïque, que s'attaquent ici Sébastien Carletti et Jean-Marc Lainé (ce dernier nous avait un peu parlé du projet il y a quelque mois, cf cet entretien).

L'ouvrage commence par un petit historique sur l'apparition des super-héros aux Etats-Unis puis par un passage en revue, fort instructif, de ce que l'on peut considérer comme étant les grands ancêtres de Strange en France. Le lecteur apprendra notamment à cette occasion le lien qui existe entre la résistance et le fait que Lyon soit devenu un haut lieu de l'édition.

Bien entendu, une grande partie du livre est consacrée à Strange et son épopée éditoriale, que ce soit au travers de ses numéros spéciaux, des couvertures et retouches françaises, des problèmes de son éditeur avec la censure ou encore grâce à la présentation des héros qui ont fait la richesse et la stabilité de son sommaire. Pourtant, ses dérivés ainsi que d'autres revues bien connues (Nova, Titans, Spidey...) sont également évoqués, tout comme les albums souples et grand format ou des magazines (Ere Comprimée, Epic...) ayant contribué à faire connaître une production américaine quelque peu atypique à une époque où le franco-belge bénéficiait d'une aura bien plus prestigieuse.

Mais, surtout, Nos Années Strange parvient, en élargissant le propos et en s'intéressant à des sujets aussi divers que les dessins animés, les séries TV, les produits dérivés ou encore les jeux vidéo, à recréer le background particulier des années 70 et 80. Des années que l'on peut considérer comme kitsch avec notre regard actuel, mais qui étaient particulièrement colorées, créatives et qui ont contribué à bâtir les fondations d'une culture populaire dont beaucoup se réclament aujourd'hui mais qui reste encore décriée voire totalement incomprise par certains media (notamment la télévision, pour ne citer qu'elle).

Les auteurs vont ainsi évoquer Lynda Carter (incarnation mythique de Wonder Woman), L'Homme qui valait trois milliards, les Misfits of Science, Manimal et nombre d'émissions cultes, comme Les Visiteurs du Mercredi. En matière de dessin animé, l'on n'est pas en reste non plus puisque, outre les DA super-héroïques, l'on aura la surprise de retrouver des pépites comme Waldo Kitty, Hong Kong Fou-Fou ou Arok le Barbare. Et les lecteurs qui approchent la quarantaine pourraient bien également reconnaître, parmi les vieilles figurines ou les étranges véhicules illustrant la section des jouets, des objets depuis longtemps oubliés...

Peu à peu, Carletti et Lainé peignent non pas une fresque sur l'histoire de Strange mais bien la toile de fond de notre enfance, faisant remonter à la surface de notre conscience souvenirs et émotions.

Il faut souligner la grande qualité du texte, dont le style agréable et fluide (et sans coquilles !) permet une immersion totale. Le tout est bien évidemment abondamment illustré, richement documenté et non dénué d'humour.

Allez, seul petit bémol, une certaine bienveillance qui, à propos de quelques sujets, n'aide pas à refléter la réalité. Ainsi, Mikros est qualifé de "géant de la BD populaire française", ce qui semble un peu exagéré au regard de la notoriété toute relative du héros. De même, à propos de l'actuel Strange, il est dit qu'il "perpétue la légende", ce qui semble là encore un peu optimiste si l'on compare avec les séries cultes de son aîné.

Rien de bien méchant toutefois et l'impression générale reste très positive tant l'on sent ici un travail de fond, sérieux, qui respire la passion.

Une manière de découvrir une époque pour les plus jeunes, ou de s'y replonger pour ceux qui l'ont vécue.

Un beau livre et un bon moment de lecture, doux et nostalgique.

Galerie

Raise the Dead

2011-09-29T17:56:00.003+02:00

La sortie du tome #2 nous permet d'aborder la série Raise the Dead.

Les zombies sont en passe de devenir, pour les comics, ce que Paris Hilton est à la presse people : un incontournable.
Et si vous voulez vraiment être à la mode, en ce moment, mieux vaut inviter un zombie à dîner. En plus, contrairement à la dinde évaporée précitée, il y a de grandes chances pour qu'il ait une conversation plus intéressante. Après c'est sûr, esthétiquement, le zombie n'est pas connu pour prendre énormément soin de lui... c'est pas le genre à se foutre un soin réparateur et régénérant quand il rentre d'une chasse à l'humain par exemple. Et on le sait, il n'utilise que très peu le dentifrice ou le gel douche. M'enfin, il reste quand même très tendance et être accompagné par un zombie peut vous ouvrir bien des portes.

Pourquoi je vous raconte ces conneries en lieu et place du résumé habituel ? Parce que le résumé, vous le connaissez déjà : les morts marchent, on est dans la merde, il faut survivre !

C'est donc un très gros mois pour les amateurs de chair pas trop fraîche puisqu'après Crossed, Walking Dead et la suite du Zombies de Peru, c'est maintenant Raise the Dead qui débarque en rayon. Ce final, édité par Soleil, est scénarisé par Leah Moore & John Reppion, les dessins du premier tome étaient assurés par Hugo Petrus & Marc Rueda, remplacés ici par Guiu Vilanova.

Graphiquement, sans être extraordinaire, l'ensemble tient la route et reste plutôt agréable. Signalons l'originalité des covers reprenant en fait des thèmes fort connus (les célèbres Marilyn Monroe d'Andy Warhol, The Runaway de Norman Rockwell ou encore la cover de l'album Nevermind de Nirvana).

Pour ce qui est du récit, après le décevant Dracula, le tandem Moore/Reppion avait de quoi inquiéter. Heureusement, les deux compères s'en sortent bien mieux lorsqu'ils ne tentent pas d'adapter un classique de la littérature.

L'écriture est nerveuse, rythmée, et l'on est tout de suite plongé au coeur du sujet. Les différents protagonistes sont présentés petit à petit grâce à de courts flashbacks. Ces analepses servent également à dévoiler les débuts de l'épidémie et les premières scènes de carnage. Rien de profondément original, mais cela fonctionne tout de même très bien.

Si la première partie était essentiellement consacrée à de la survie de type "fuite improvisée", le second tome élargit un peu le propos en se basant sur l'organisation des survivants et sur le traditionnel conflit entre militaires et scientifiques. Il est difficile pour cette série de se faire réellement une place à part parmi la multitude de titres consacrés au sujet (cf cette chronique), mais sa lecture demeure agréable et réserve tout de même quelques surprises et moments forts. Pour ce qui est de l'habileté des transitions et de l'impact de certaines scènes, le deuxième opus est d'un bien meilleur niveau, cependant, l'ensemble tire surtout sa force du traitement particulier réservé aux personnages. Il est en effet très difficile pour le lecteur de savoir qui va s'en tirer et prendre de l'importance. Bien souvent, alors que l'on imagine qu'untel ira au bout de l'aventure, il connaît une fin aussi violente que rapide, même (et c'est là une très bonne manière de procéder) lorsque les auteurs prennent le temps d'épaissir le perso et de le rendre sympathique.

Si l'on peut légitimement reprocher une absence de vision particulière qui, sans forcément le révolutionner, enrichirait le genre, il faut reconnaître que Raise the Dead est un comic qui est loin d'être ennuyeux et qui parvient à désarçonner de temps en temps.

Notons que la préface de Max Brooks (auteur du Guide de Survie en Territoire Zombie), qui était annoncée par erreur en quatrième de couverture du tome #1, est en fait présente dans le #2. Le très surestimé fils de Mel y balance les compliments habituels, sans parvenir à rendre son intervention réellement captivante (à sa décharge, il faut avouer que les préfaces offrant un contenu intéressant, comme celle de Willingham dans The Unwritten, sont rarissimes, les auteurs oubliant souvent qu'en plus du cirage pour les pompes de leurs potes, un peu de réflexion, ou d'humour, ou de n'importe quoi serait le bienvenu).

Une invasion de plus, sympathique, mais qui est loin de pouvoir prétendre s'imposer comme une référence réelle du genre.

Le second tome apporte toutefois un regain d'intérêt qui, sans cela, aurait condamné le premier aux oubliettes.

Die Hard : Year One

2011-09-27T17:07:00.000+02:00

On découvre les débuts de l'inspecteur John McClane dans une préquelle sobrement et logiquement intitulée Die Hard.

L'agent McClane débute sa carrière dans la foule, le bruit et la saleté du New York des années 70. Il arpente les rues, avec un instructeur qui se révèle être un abruti totalement antipathique, sans pour autant se départir de son petit sourire en coin et de ses répliques sarcastiques.

Déjà à l'époque, John attirait les ennuis. Il va ainsi se retrouver sur la route d'une bande de terroristes qui prennent d'assaut un navire abritant les pontes de la ville, puis il devra faire face à une coupure de courant généralisée qui n'a rien d'un hasard.

C'est l'époque du disco. Du "fils de Sam". De la mutinerie d'Attica.

Et McClane assurait déjà.

Inutile de présenter la franchise Die Hard et ses quatre films (un cinquième est en projet) tant Bruce Willis a su rendre charismatique son personnage de flic cool habitué aux emmerdes. Cette adaptation en comics permet de s'intéresser aux premiers pas du personnage, d'abord en uniforme puis comme inspecteur.

Le scénario est de Howard Chaykin (Bite Club), les dessins de Stephen Thompson et Gabriel Andrade Jr. Ce dernier s'en sort plutôt mieux en ce qui concerne la ressemblance physique avec Willis (avec toutefois une coupe d'époque, évidemment) mais globalement le style graphique est assez quelconque.

L'ouvrage est divisé en deux parties égales, l'une s'intéressant à un McClane encore simple agent, la seconde le montrant alors qu'il vient d'être fraîchement promu. L'ambiance des années 70 est assez bien rendue et Chaykin s'attache à conserver les codes des films sans pour autant retrouver leur côté spectaculaire. L'on a droit au presque traditionnel passage par les exigus conduits d'aération, à un saut au-dessus du vide et à quelques fusillades mais l'ensemble ne brille guère par son originalité.

Même les moments qui auraient pu être intéressants ou drôles, comme la première rencontre de McClane avec Holly Gennaro, s'avèrent poussifs et convenus. Quelques scènes, fort courtes, montrant John enfant ou en pleine guerre du Viêtnam peinent également à enrichir réellement le background du personnage.

Au final, l'on se dit que Chaykin est plutôt passé à côté du sujet, peut-être à cause d'une paralysie liée à la trop grande popularité d'un McClane qu'il ne parvient pas à s'approprier réellement. Il manque trop de choses au récit (de l'humour, une véritable tension, de l'inattendu...) pour ne pas en sortir déçu.

Pour ce qui est de la VF, l'on est loin de l'adaptation catastrophique d'un Morning Glory Academy par exemple, mais on a droit tout de même aux traditionnelles bourdes paniniennes, du genre "Elle ne sait jamais si aller tout droit ou prendre un raccourci.", "Russ Ciardello voit l'occasion de fuir son mariage s'envoler" ou encore "l'habituelle rengaine du policier qui ne se fie pas des bourgeois".

Le prix (29 euros) ne joue pas non plus en faveur de ce Die Hard peu inspiré.

Un piège de papier qu'il faudra plus de 58 minutes pour lire mais qui risque bien de vous faire passer une journée en enfer.

Dispensable.

Walking Dead : Piégés !

2011-09-25T16:54:00.003+02:00

Le quatorzième tome de Walking Dead est désormais disponible, voyons quels en sont les principaux évènements.

Rick a pris le contrôle de la communauté d'Alexandria dont l'ancien chef s'est retiré volontairement. L'ex flic, habitué à faire face aux pires situations, s'est rapidement imposé comme leader naturel.

Malheureusement, après l'attaque d'un groupe extérieur, les coups de feu ont attiré une horde de zombies aux portes du petit village, forçant les habitants à stopper leurs sorties en quête de nourriture ou matériel.

Pire, alors que le nombre des morts-vivants ne cesse de croître, l'un des panneaux du mur d'enceinte cède.

Une nouvelle lutte s'engage pour la survie. Il va falloir nettoyer les rues à coups de batte ou de sabre. Dans la mêlée, Rick va de nouveau faire des choix. Fuir ou défendre Alexandria. Ouvrir son coeur ou le fermer à jamais. Tenir ou abandonner...

Suite de la série fleuve écrite par Robert Kirkman et dessinée par Charlie Adlard (cf cette chronique et la liste, à la fin de l'article, renvoyant vers les résumés précédents). Ce tome contient les épisodes #79 à #84.

Après une petite accalmie, l'action et le déferlement de violence reviennent en force. Il se passe énormément de choses (que l'on détaillera un peu plus bas, dans le "coin des spoilers") et l'on a droit à de nouvelles morsures et à un gros coup de théâtre.

L'envahissement est cette fois cependant bien moins spectaculaire - et moins riche en émotion - que lorsque la prison était tombée. L'on a d'ailleurs un peu l'impression d'une sorte de bégaiement narratif dont il faut espérer qu'il débouchera sur des situations nouvelles.

Il faudra attendre six longs mois pour se plonger dans la suite mais quelques ouvrages devraient nous permettre de patienter un peu : un artbook sort le mois prochain (et contient les covers originales, en couleur, ainsi que des croquis inédits), et le Survivors' Guide devrait être publié l'année prochaine. Il s'agit d'une sorte d'encyclopédie reprenant tous les personnages de la série et indiquant leur première apparition, leur ancienne profession, leurs liens de parenté ou encore leurs actions les plus notables, tome par tome (le tout étant abondamment illustré et plutôt bien mis en page, cf l'illustration ci-contre). Et pour ceux qui s'intéresseraient à la série TV, un making of sortira également le mois prochain.

Voilà tout de même de quoi faire en attendant le mois de mars ! J'avoue être impatient d'avoir le guide entre les mains, d'autant qu'il a l'air bien conçu (ce qui n'est pas le cas de toutes les encyclopédies, cf notamment ce guide Marvel).

Mais tout de suite, nous rentrons dans le vif du sujet en détaillant un peu les évènements récents.

Le Coin des Spoilers

Première constatation, Kirkman continue d'exposer la lente déshumanisation de Rick et son fils. Carl se montre en effet d'une dureté assez exceptionnelle et semble avoir naturellement développé des mécanismes de défense aussi efficaces qu'effrayants. Rick lui aussi, en nouant une relation avec Jessie (dont il a tout de même tué le mari) et en faisant une croix sur elle avec une apparente et déconcertante facilité, affiche une vraie carapace. Bien entendu, il faut replacer son attitude dans le contexte exceptionnel qu'il subit, sans parler de la peur constante, la tension permanente...

L'on peut finalement résumer son comportement à un "tant que je peux sauver tout le monde, je le fais, si ça chie trop, je choisis en priorité mon fils". Quelque chose de finalement assez logique et compréhensible mais qui contribue habilement à dévoiler la véritable nature de l'Homme, animal qui redevient rapidement violent et égoïste lorsque la société et ses lois n'arrive plus à réguler ses instincts.

La victoire de Rick et son groupe, ainsi que son choix de rebâtir une enceinte plus solide, laissent à penser qu'ils s'installent durablement dans leur nouveau camp. Comment Kirkman va-t-il bien pouvoir les en déloger afin de relancer la machine et de les amener à explorer d'autres voies (rappelons que l'auteur est loin d'avoir encore exploré toutes les possibilités dont recèle le vaste monde que peuvent parcourir les survivants) ?

Le plus gros évènement de cet arc est bien sûr la terrible blessure de Carl. La double page où l'on découvre ce qui lui est arrivé est tout de même assez impressionnante ! D'ailleurs, il n'a pas seulement un oeil en moins mais toute une partie du visage... une telle blessure, soignée en plus avec les moyens du bord, peut-elle réellement ne pas s'avérer létale ? Ce serait intéressant d'avoir le point de vue d'un médecin, parce que là tout de même, ce n'est pas un truc que l'on résout avec un peu de désinfectant et trois points de suture. Les paris sont ouverts en ce qui concerne le sort du petit Carl. Il serait dommage de se priver de ce personnage car son évolution est franchement intéressante (l'on est loin du gamin traditionnel qu'il faut secourir régulièrement, Adlard le représente d'ailleurs très bien lors de la scène où il discute avec Morgan : chapeau vissé sur le crâne, regard terrifiant de maturité et de désillusion, une sorte de mini-Eastwood, assez charismatique pour un marmot).

Le titre est un peu moins percutant et novateur depuis deux tomes, mais les "bas" de The Walking Dead valent bien les "hauts" de la plupart des séries.

Crossed : suite et fin

2011-09-23T17:39:00.006+02:00

Les contaminés reviennent pour terminer le carnage dans le deuxième tome de Crossed.

Stan, Cindy et leur petit groupe continuent leur route vers l'Alaska et son supposé havre de paix. Après les Rocheuses, c'est maintenant le désert du Nevada qu'il va leur falloir traverser. Le voyage risque de ne pas être vraiment une partie de plaisir, d'autant qu'un groupe de contaminés les suit avec une étrange régularité. Ces derniers semblent en effet plus intelligents, mieux organisés que leurs collègues dégénérés.

Dans un monde ravagé, où les pires cauchemars sont devenus réalité, le Nord et ses étendues sauvages demeurent le seul espoir. Un espoir mince, fragile, mais auquel il faut s'accrocher pour trouver la force de fuir. Encore et encore.

Après un premier tome violent et tendu, Crossed se termine déjà, le massacre étant toujours orchestré par Garth Ennis (au scénario) et Jacen Burrows (aux dessins).

L'auteur nous dévoile un peu plus le passé des personnages, souvent au travers de scènes atroces. Malgré le fait que ces dernières soient légion, ce bougre d'Ennis parvient tout de même à être surprenant et à ménager certaines surprises (un coming out totalement inattendu par exemple). La violence est bien sûr omniprésente mais, au contraire de ce qu'a pu faire un Millar sur le récent Nemesis, elle est ici contrebalancée par de petites touches d'humour noir et une véritable réflexion sur la nature de l'Homme. Autrement dit, elle est au centre d'un vrai projet, pensé et bien écrit.

Burrows, quant à lui, livre ici des planches de bonne qualité, avec des contaminés toujours aussi impressionnants et certains moments (certes rares) de pure poésie, comme cette rencontre, de nuit, avec une meute de loups. Une rencontre loin d'être innocente lorsque l'on connaît l'organisation sociale d'une meute. Bien que hiérarchisée, une rare solidarité, une véritable liberté et une incroyable compassion s'y développent. Les louveteaux sont élevés et protégés par l'ensemble de la meute, les membres d'un clan jouent et chassent ensemble mais demeurent libre de partir fonder une autre meute si l'envie leur en prend, quant aux dominants, il n'est pas rare qu'ils laissent leurs privilèges de côté lors de la dégustation d'une proie*. Presque l'exact inverse finalement de l'organisation sociale humaine, dont le mince vernis de bonnes manières et de fausses bonnes intentions se fissure à la moindre occasion.

Et en prime, Ennis nous offre un joli final, ni totalement amer, ni complètement joyeux. On en vient à regretter que ce soit déjà la conclusion de cette saga dérangeante, menée à 100 à l'heure.

Pour l'anecdote, l'équipe de Milady a préparé des kits presse assez originaux pour faire la promotion de Crossed. Les ouvrages ont été emballés dans des barquettes de viande, badigeonnées de faux sang, dans lesquelles l'on pouvait trouver un couteau (faux également, bien sûr) à lame rétractable. Je peux vous dire que ça fait son petit effet lorsque vous déballez ça devant une employée de la poste qui ne comprend pas immédiatement la blague (oui parce qu'en fait, j'attendais un autre truc, assez fragile, et comme le colis était un peu ouvert, je l'ai immédiatement déballé pour vérifier que rien n'était cassé... j'ai dû faire une drôle de tête pendant une ou deux secondes avant d'apercevoir le "Crossed"). ;o)

Une série coup de poing, sans compromis, dont l'outrance sert un propos certes loin d'être novateur mais qui a l'immense avantage d'être intelligible et plus subtil qu'il n'y paraît.

*ps : loin de la mauvaise réputation dont l'affublent les ignorants (et les conteurs parfois, il faut bien l'avouer), le loup ne s'attaque jamais à l'homme, qu'il craint (à juste titre). Il ne prend dans la nature que ce dont il a besoin pour vivre et s'attaque en priorité aux proies faciles (bêtes malades ou vieilles). De plus, étant omnivore, il se nourrit bien entendu de gibier mais aussi de poissons, d'oiseaux, de serpents, de rongeurs, de grenouilles et même de fruits. La meute étant dirigée par un couple dominant (et non un seul mâle), l'espèce a donc instauré la parité bien avant nous. Plus étonnant encore, le loup est fidèle jusqu'à la mort et n'aura donc souvent qu'une compagne, dont il recherche constamment la proximité. Les marques de tendresse sont quotidiennes et nombreuses.

Autrefois l'un des mammifères les plus répandus de l'hémisphère nord, sa population s'est dramatiquement restreinte suite aux persécutions dont il a fait l'objet.

En France, l'on estime que les loups étaient au nombre de 50 000 au 17ème siècle. Ils ont été totalement exterminés et ont disparu peu avant 1940. Quelques individus venant d'Italie sont réapparus dans les années 90 (on estime leur nombre à 180 en 2010). Bien qu'ils figurent aujourd'hui sur la liste des espèces protégées, des "prélèvements" de loups sont encore régulièrement autorisés afin de satisfaire des éleveurs pourtant largement indemnisés. Une meute compte en moyenne une dizaine d'individus et sa taille s'adapte en fonction du milieu (taille du territoire et proies disponibles).

Noble, digne, fascinant, père de toutes les races canines, le loup continue d'être maltraité (et mal aimé) par une espèce meurtrière qui peut s'enorgueillir de marcher sur deux pattes mais qui n'a guère élevé sa vision des choses pour autant...

Nemesis : bête et méchant

2011-09-21T17:43:00.002+02:00

Sortie aujourd'hui de Nemesis, la nouvelle série de Mark Millar.

Un criminel richissime s'amuse à buter des flics de la pire manière qui soit. Sa nouvelle cible, Blake Morrow, pressenti pour être le futur boss de la sécurité intérieure des Etats-Unis, va devoir tout mettre en oeuvre pour tenter de l'arrêter.

Un résumé fort court mais il faut dire que le scénario de Mark Millar tient en quelques lignes. L'auteur est ici secondé par Steve McNiven qui se charge de la partie graphique. Ce n'est pas le meilleur travail de l'artiste mais les dessins restent tout de même plutôt sympathiques dans l'ensemble.

Voyons maintenant ces quatre épisodes dans le détail.

Millar s'était fendu à l'époque d'une promo tapageuse, d'un goût discutable, qui affirmait qu'en comparaison de Nemesis, Kick-Ass était de la... merde. Il avait également intrigué nombre de lecteurs avec un teaser qui posait une question simple mais intéressante : que se serait-il passé si Batman était devenu le Joker ?

L'on sait malheureusement que Millar ne se tient pas forcément toujours au pitch de départ qu'il annonce, et Kick-Ass par exemple, après un début passionnant et réaliste, avait vite versé dans l'invraisemblance la plus totale. Et pourtant, Kick-Ass était loin d'être mauvais, surtout en comparaison de Nemesis !

Non seulement le récit ne brille pas par son originalité, mais il est s'avère vide de sens, creux et repose sur une violence gratuite assez malsaine. Car effectivement, c'est assez sanglant et quelque peu pervers. Ce n'est bien entendu pas un problème en soi, certains auteurs, comme Ennis, nous ont déjà habitué à un niveau de transgression très élevé. Seulement, pour que cela fonctionne, il faut que cette transgression soit au service de quelque chose. Ennis, dans Preacher, The Boys ou La Pro, pour ne citer que ces exemples, sait être drôle ou émouvant et, surtout, son propos est très souvent bien plus intelligent que la forme brutale ne pourrait le laisser penser.

Ici, Millar se contente de surfer sur la provocation et les effets d'annonce (l'on en vient à penser qu'il est meilleur en construction de teasers qu'en scénariste, même si certaines de ses oeuvres, comme Old Man Logan ou Wanted, valent largement le détour). De manière étonnante, Panini évoque, dans la petite introduction qui accompagne l'ouvrage, un humour noir qui est au contraire totalement absent. Et si ce côté (trop) sérieux est sans doute pour beaucoup dans l'impression générale, ce n'est qu'une partie du problème.

Là où le choix de Millar apparaît comme incompréhensible, c'est dans le peu de développement qu'il accorde à ses deux personnages principaux. A son niveau d'expérience (et étant donné ses travaux passés), il ne peut s'agir que d'une volonté délibérée et non d'une maladresse de débutant, ce qui est encore plus déroutant.

L'on se retrouve en effet devant un méchant très méchant et un gentil assez fadasse. Difficile de faire plus minimaliste. Et sans un background un peu travaillé, sans un minimum de personnalité, les personnages deviennent transparents et, par contraste, font encore plus ressortir une ultra-violence qui tourne au voyeurisme de bas étage et à l'absurde. Une absurdité encore appuyée par la plupart des rares rebondissements, qui manquent totalement de crédibilité, et par une navrante vacuité.

Au final, voilà un comic bien mauvais mais qui, en surface, donne l'impression d'être "moderne" et dans l'air du temps. Vite lu, mal digéré, immédiatement oublié, Nemesis est à la BD ce que McDonald est à la gastronomie : un ersatz gras et lourd misant tout sur l'emballage, la rapidité et de fausses promesses.

A côté, Kick-Ass était un chef-d'oeuvre. Quant à savoir ce que Batman serait devenu s'il avait été le Joker, personne n'en a la moindre idée. En tout cas, pas Millar.

Bien sûr, cette histoire sera adaptée au cinéma, ce serait dommage de passer à côté. Décidemment, tout se recycle.

Un faux évènement, porté par un auteur qui, visiblement, mise plus sur la communication que l'écriture.